Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dal suo atelier.
#378 - S - " Cities ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale a "multi-couche" il cui effetto lucido "glossy", simile all’applicazione di una resina, è unico.
Trasparenza sull’impressione.

Dimensioni: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di alta qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (9,0 cm x 38,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra – Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata in famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata, nel tempo, la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con inchiostri acrilici in innumerevoli quaderni A4 e poi A3; ho sempre sentito che i grandi quadri arrivano direttamente verso di te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Nel tempo, e pur considering mi stesso ateo, sviluppai anche una predilezione per materiali spirituali poiché rispondevano alla mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia visione, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni posto.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, quietamente in ebollizione sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me — un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio sé interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulla propria vita.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, diverso dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass estruso riciclato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo — qualcosa che accetto. Consento esperimenti casuali — tutto è lecito per creare un cortocircuito della ragione! — per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, lasciando spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini il caso non prende mai le decisioni; al massimo pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono con strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco delle “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci si ferma in silenzio e luce.

Mantengo deliberatamente il mio approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”.
Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come ogni oggetto, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno una ragione di essere, né fine, né scopo. Pur potendo la mia opera richiamare talvolta la trasparenza e la luminosità del vetro a mosaico, resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui è possibile intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come un riflesso discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, degli elementi mancanti inclusi, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il primo piano” — un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo — e “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di mettere in discussione e crescere. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non avere bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere".

Sullcoerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture — campi brillanti di colore e luce all’interno del plexiglass — sono i risultati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e con “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Preminenza dell’Esperienza Vivita. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire — plasmato da luci mutevoli, strati traslucidi e dal leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare quel che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso al sviluppo fotografico — un paziente attendere di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa accogliere alcuni paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato — una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia resta nell’opera, ma è curiosamente mirata al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce” — un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Sforzo e Semplicità
Il processo richiede attenzione costante, ma punta a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso da solo”. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitore allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma — un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore quieto.

Al centro c’è una ricerca di “le vif” — il nucleo vivo. L’opera tende all’esperienza diretta più che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a favorire l’intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner