Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#345 - S - "Vertical 3".

Acrilico spray su lastra di plexiglas da 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale "a multi-strati" con una finitura lucida "glossy" simile all’applicazione di una resina ed è unica.
Trasparenza su stampa.

Dimensioni: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (9,1 cm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità la accompagna.
La consegna è assicurata.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra – Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il germe per ciò che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici su quaderni formato A4 e poi A3 — ho sempre sentito che grandi quadri arrivano direttamente verso di te, imponenti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerando me stesso ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in tutto il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per la Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Doveunque andassi, mi immersevo nelle scene artistiche locali e / o engagevo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera professionale, l’arte è sempre stata parte di me, che bolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarsi dal mondo e concentrarsi sul proprio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo aver smesso di lavorare nel mondo degli affari, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando dimora in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo—un qualcosa che accolgo. Consento “ esperimenti casuali ” — tutto è lecito per aggirare la ragione! — a guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone domande; i “coincidenze” significativi sono possibili solo con molta disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione / fissazione della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione vengono arricchiti da strati e trasparenze, pur dando a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco delle “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di sé. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini, o giorni, che non hanno né ragione d’essere, né fine, né scopo. Sebbene la mia opera possa talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro soprannominato, rimane quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass dona al dipinto una pelle luccicante in cui si intravede la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un dettaglio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, del pezzo mancante incluso, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il primo piano” -un dettaglio di un’immagine è un quadro completamente nuovo- e “distanza per l’insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile raggiungere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie capacità ed esplorare più a fondo ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non avere bisogno di noi. L’età dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sulla coerenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi luccicanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati tranquilli di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primacía dell’Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di inserire ciò che considero un “esperienza dell’essere.” L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato da luce mutevole, strati traslucidi e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso segnalo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una rivelazione consapevole del controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attendere ciò che arriva “qui e ora.”

Supportano queste intenzioni alcune delicate contraddizioni che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia resta nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Sforzo Senza Sforzo
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Al cuore c’è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende verso l’esperienza diretta piuttosto che l’intellettualizzazione. La modestia della scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul silenzio del paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner