Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Capolavoro unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale dal carattere "multi-couche" il cui aspetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni : 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (9,0 cm x 1,38 cm / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità l'accompagna.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna, maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra natale. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la sua influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi dipinti ti arrivano addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Nel tempo, e sebbene mi consideri ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto rispondevano alla mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni, ho perseguito una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immerse nel panorama artistico locale e mi confrontai con l'energia creativa di ogni posto.
Nonostante l'attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, silenziosamente ribollente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere divenne una forma di meditazione segreta per me — un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Tramite la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, una possibilità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera nel business, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato extruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante il suo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo — qualcosa che apprezzo. Consento esperimenti “casuali” - tutto è lecito per interrompere la ragione! - a guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l'opera è infine esposta. Ma per essere chiari: nei miei dipinti la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo grazie a una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono contento quando riconosco “necessità irrinunciabili”, cioè ciò che probabilmente scopriamo quando ci fermiamo nel silenzio e nella luce.

Mantengo volutamente un approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia faccia sempre parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno neppure una ragione di essere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, la mia pittura resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un delicato specchio: vive, cambia, vede. L’interplay di luce, colore e texture, delle parti mancanti persino, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli da vicino” — un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo — e “distanza per il tutto” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie abilità ed esplorare più a fondo ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è appena cominciata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare lavori definiti non dalla preminenza, ma dalla presenza. I miei dipinti — campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass — sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sul quieto intreccio tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica poggia su tre intenti allineati.

Il primo è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione, e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo conduce al secondo intento: la Primazia dell’Esperienza Vivente. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che penso sia una “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire — modellato da luce mutevole, strati traslucidi e il lieve riflesso dello sguardo del spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso annotto, l’opera “vive, cambia, vede.”

Il terzo è dove idea incontra mano: Il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico — un’attesa paziente per ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcune sottili paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato — una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia permane nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irrinunciabili” trovate nel “silenzio e nella luce” — un augurio di pura presenza che l’opera stessa offre quietamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà”. Sono attratto da ciò che sembra assolutamente inevitabile.
In questo spirito, sono giunto a sentire che “l’era dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è indebitata allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angustia e più calma — un’informalità in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Al centro c’è una ricerca di “le vif” — il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente la strada di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica radicata in un quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner