Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#385 - S - " Chromatic MR10 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglass da 3 mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" la cui resa lucida "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unica.
Trasparenza sull'impressione.

Dimensioni : Inchi 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dal ricco patrimonio culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che i grandi quadri 'colpiscono dritti a te', dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur ritenendomi ateo, sviluppai anche una predilezione per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel settore degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che sobria fermentava sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per evadere dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle loro stesse vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera business, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho allestito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha guadagnato rapidamente riconoscimento, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Curriculum Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all'arte, distante dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti “casuali” - ogni cosa è consentita per cortocircuitare la ragione! - per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l'opera è infine esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone domande; coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che risuona con il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur dando a ogni opera una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco quelle che chiamiamo «necessità irreducibili», cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Né "emozione" né "concezione teorica" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "spersonalizzazione/intellettualizzazione", ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della "vita al cuore della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetti. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch'essi non hanno ragione di essere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle che luccica dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Auspico che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e la “distanza per l'insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è un confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me, dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'era dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere."

Sullcoerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i quieti risultati di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi da un significato imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e prive di "contenuto, significato o senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso una forma di osservazione più diretta.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un"esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce che cambia, dagli strati traslucidi e dal riflesso leggero dello sguardo del visitatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l'opera "vive, cambia, vede."

La terza è dove l'idea incontra la mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglas, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lascito. È una liberazione consapevole dal controllo nell'atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo all'esito, permettendo alla pittura di diventare quel che chiamo un “oggetto di se stessa” indipendente, rivelato pienamente solo quando completo. È un parallelo silente allo sviluppo fotografico—un paziente attendere ciò che arriva "qui e ora."

Sostenere queste intenzioni comporta alcune sottili pendoli che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma esse sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, bensì uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una palpabile immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia permane nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel "silenzio e nella luce"—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede una costante concentrazione, ma punta a un risultato che sembri autonomo, come se fosse "emerso da sé". Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho cominciato a sentire che "l'età dell'informale è appena iniziata". La mia pratica è debitore allo spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Al centro vi è una ricerca del "le vif"—il nucleo vitale. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modestia della scala che spesso scelgo serve a incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner