Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#386 - S - " Chromatic MR11 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3 mm.
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-cori" la cui resa lucida "glossy" prossima all'applicazione di una resina è unica.
Trasparenza sull'impressione.

Dimensioni : Pollici 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) raccomandata e disponibile al momento della spedizione per un ulteriore importo di 70€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità lo accompagna.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra - Losanna 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano & artista, la cui influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata, alla fine, la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri ti vengono addosso, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Col tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per i materiali spirituali poiché rispecchiavano la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare veramente artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi interfacciavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, sobbollendo silenziosa sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024, ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando collocazione in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sagrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante il suo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Consento esperimenti “casuali” - tutto è consentito per interrompere la ragione! - per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma per essere chiari: nelle mie immagini il caso non prende mai le decisioni; al massimo, il caso pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che riecheggia il processo di rivelazione/fissazione della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo intorno al mio approccio una semplicità volutamente essenziale. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/ possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, dei suoi racconti visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif” (il vivo). Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere, né fine, né scopo. Se il mio lavoro talvolta evoca la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass dona al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouettes, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un muro discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e texture, anche degli elementi mancanti, richiede solo empatia. Si speri che il gioco tra “dettagli per il vicino” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e “distanza per l’insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie abilità e a esplorare oltre ciò che posso realizzare. La pittura per me è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di un colore che sia così perfetto da non aver bisogno di noi. L’età dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere."

Sullcoerenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sul quieto intreccio tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e non avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa di narrazione. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’EsperienzaVissuta. In quello spazio aperto, provo a collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato da luci che cambiano, strati trasparenti e il lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole di controllo nell’atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva qui e ora.

Reggono queste intenzioni alcuni paradossi gentili che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini attenti. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una immobilità palpabile.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia permane nell’opera, pur essendo curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” incontrate nel “silenzio e luce”—un augurio di pura presenza che l’opera stessa offre discretamente.

Impegno e SforzoSenzaSforzo
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sono arrivato a sentire che “l’età dell’informalità è appena iniziata.” La mia pratica deve be umanità allo spirito dell’Art Informel, forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro c'è una ricerca di "le vif"—il nucleo vivente. L’opera tende a un’esperienza diretta piuttosto che all’intellectualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per favorire l’intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente la traiettoria di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul silenzio paradossale può non essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner