Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#391 - S - " Chromatic MR13 ".

Acrilico spray su lastra di plexiglass di 3 mm.
Questa tela non è una stampa. Si tratta di un’opera originale "multistrato" dotata di una finitura lucida "glossy" simile all’applicazione di una resina ed è unica.
Trasparenza sull’impressione.

Dimensioni: 9,1 x 12,6 x 0,12 pollici / 23 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questa tela viene consegnata senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (pollici 0,23 x 1,38 / cm 0,6 x 3,5) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 70€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità la accompagna.
La consegna è coperta da un’assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna, 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia patria. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno defunto, artigiano e artista, a piantare il seme per quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre ritenuto che le grandi immagini arrivino direttamente a te, travolgenti e intimidatorie, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Iniziai ad essere attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto rispondono alla mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e coglievo l’energia creativa di ogni posto.
Nonostante l’attenzione rivolta alla carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, che ribolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me—un modo per prendere le distanze dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera negli affari, mi sono fully dedicato alla pittura. Ho costituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha guadagnato rapidamente riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto “esperimenti casuali” - tutto è lecito per interrompere la ragione! - per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; i coicidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci si ferma in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio deliberatamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/proprietà intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al centro della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif” (il vivo). Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione d’essere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimangono quasi interamente astratti. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un discreto specchio: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, delle parti mancanti anzi, richiede solo empatia. Mi auguro che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un’immagine è un’immagine completamente nuova - e la “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di messa in discussione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non avere bisogno di noi. L’era dell’informale è solo agli inizi.

Come direbbe Jean Bazaine: «La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere».

Sullo sviluppo coerente della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a distogliere lo sguardo dall’interpretazione, verso un tipo di visione più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che chiamo una “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luci mutevoli, strati traslucidi e dal tenue riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui ed ora.”

Sostenere queste intenzioni significa convivere con alcuni paradossi delicati che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti cauti. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo senza senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una palpabile quiete.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia permane nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e la luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Facoltà
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è solo agli inizi.” La mia pratica è debitore allo spirito dell’Art Informel, anche se forse con meno tormento e più calma—un’informalità dove la casualità non è una rottura, ma una tranquilla collaboratrice.

Al cuore c’è una ricerca della “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. Le dimensioni modeste che scelgo spesso sono pensate per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In definitiva, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una stessa ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul paradosso silenzioso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner