Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dall’atelier.
La mia prima pittura su vetro, un vetro riciclato in Marocco nel 1994.
#396 - S - "Glass Horizon 2".

Acrilico in spray su lastra in vetro (Marocco 1994) di 3mm.
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale "multi-strati" il cui aspetto brillante, simile all’applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: Pollici 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 (Pollici 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 60€TTC.

L’opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità l’accompagna.
La consegna è coperta da un’assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e selezione su www.antonkaestner.com.

Prossima esposizione - Losanna 7/10 maggio 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per quella che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993, ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in taccuini A4 e poi A3 - ho sempre pensato che grandi immagini arrivino direttamente a te, prepotenti e intimidatorie, mentre le opere piccole possono ispirare un amore molto maggiore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Col tempo, e nonostante mi consideri atheist, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel commercio che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, dal Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, sobbollendo silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e di riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha guadagnato rapidamente riconoscimento, trovando spazio in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025, mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Permetto esperimenti casuali—qualsiasi cosa vada a sabotare la ragione!—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazioni e scoperte quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con un grande grado di disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco delle “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Né “emozione” né “concepimento teorico” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “razionalizzazione/proprietà intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere né fine né scopo. Sebbene il mio lavoro possa a volte evocare la trasparenza e la luminosità dei vetri colorati, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo visitatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il primo piano”—un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova—e la “distanza per l’insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspective.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che si può ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, spingendomi a perfezionare le mie abilità ed esplorare più a fondo ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’era dell’informale è ancora all’inizio.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere".

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso pari, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati tranquilli di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sul quieto intreccio di pensiero e processo che permette la sua emergenza.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e come aventi “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica, e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: la Preminenza dell’esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, da strati traslucidi e dal tenue riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Pitturare sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del fare. Fisso condizioni, ma abbandono l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di sé” indipendente, completamente rivelato solo quando completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui ed ora.”

Sostenere queste intenzioni comporta alcune paradossi delicati che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che definisco prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una calma palpabile.

Nostalgia del Presente
Una leggera nostalgia permane nell’opera, ma è curiosamente mirata al presente: un desiderio di “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Impostazione
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di sua volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica deve molto allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Al centro c’è una ricerca di “le vif”—il nucleo vitale. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso è intesa a favorire l’intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente una strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner