Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Unità singola, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#21 - XL - "Nell'Incertezza".

Acrilico spray su lastra di Perpex di 3 mm.
Trasparenze su stampa.
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" il cui aspetto lucido "glossy" simile all'applicazione di una resina è unico.
I dettagli di questo quadro si svelano nel tempo.

Dimensioni : 34,0" x 24,2" x 0,12" (86 x 61,5 x 0,3 cm) senza cornice.

Questo quadro è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Natura 514 Quercia (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 140€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e opzioni su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra 18-28 giugno 2026.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale del mio paese. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, un artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri ti arrivano addosso, impetuosi e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Col tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per la Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e coglievo l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'enfasi sulla carriera professionale, l'arte è sempre stata parte di me, che ribolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere è diventato una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio sé interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera imprenditoriale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all'arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante il suo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—una cosa che accetto. Consento esperimenti “casuali”—qualsiasi cosa vale per ingrottare la ragione!—per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, lasciando spazio per rivelazione e scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nei miei quadri il caso non prende mai le decisioni; al massimo, il caso pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con un grande rigore. Questo approccio, che risuona con il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che probabilmente scopriremo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo intenzionalmente il mio approccio semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intelletto/possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che hanno anch'essi né ragione di essere né fine né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, il dipinto resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante da cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un basso profilo specchio: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche degli assenti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e la “distanza per l'insieme” incoraggino gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie abilità ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per avviare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'età dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sullcoerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che consente di emergere.

Questa pratica si sostiene su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato e senso”, spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di inserire ciò che considero un “esperienza dell'essere”. L'opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un evento silenzioso da sentire—modellato da luci mutevoli, strati traslucidi e il tenue riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l'opera “vive, cambia, vede”.

La terza è dove l'idea incontra la mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole del controllo nell'atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo una volta completo. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un'attesa paziente di ciò che arriva “qui e ora”.

Tenere queste intenzioni comporta alcune sottili contraddizioni che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—a texture di luce, una quieta presenza, una palpabile quiete.

Nostalgia per il presente
Una dolce nostalgia perdura nel lavoro, pur rivolta curiosamente al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e la luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembra autonomo, come se fosse “emerso di sua spontanea volontà”. Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l’età dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è debitore allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informalismo in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

al cuore c'è una ricerca per “le vif”—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso serve a incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.
In definitiva, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un'unica ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, penso, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner