Mateo Orduña Castellano (1915-1989) - Bodegón

Nacque in un villaggio del comune di Almoster la Real (Huelva), all'interno di una famiglia di risorse modeste. Borsista presso il Ministero dell'Istruzione Pubblica e delle Belle Arti, si trasferì nel 1932 a Huelva per entrare nell'Accademia delle Belle Arti di Huelva, diretta dal pittore malagueño José Fernández Alvarado, all'epoca direttore del Museo delle Belle Arti della città. Con la scomparsa di Fernández Alvarado, nel 1935, si perse anche l'Accademia e le illusioni del giovane Orduña, nonostante gli sforzi di continuità di Brunt, fino al 1936, e successivamente di Pedro Gómez ed Enrique García Orta. Da allora, Orduña affrontò la vita di fronte agli eventi drammatici che oscuravano la Spagna. Alla fine della Guerra Civile e dopo aver abbandonato la vita d'ufficio, si dedicò professionalmente alla pittura.

Nel 1942 ottenne i primi frutti nella mostra Arte y Descanso, conquistando il primo premio. A partire dal 1944 espose a Huelva, Siviglia, Bilbao e Huesca: Orduña abbandonò la rigidità della pittura di scuola classica, con toni settantisti, austera, così come la sua devozione per gli insegnamenti realistici del maestro Fernández Alvarado, per tuffarsi nella libertà impressionista, lungo la linea di Sorolla.

L'idea di viaggiare, di conquistare mondi e di conoscere — questione tutt'altro che facile nella Huelva del dopoguerra — sfociò in un periodo breve ma intenso di ricerche costanti, di definizione umana e artistica. Tra il 1949 e il 1953 Orduña definì il suo significato pittorico attraverso uno spettacolo vibrante di luce e colore, matrice della sua opera, e una grande forza espressiva con chiaro ricordo all'ultimo Goya.

Per vent'anni, periodo che va dal 1954 al 1974, si configurò la sua opera matura, dal marchio proprio. Dopo aver esposto a Gijón, Madrid, Tánger, Tetúan, Gibilterra, Jerez, Siviglia e Barcellona, con grande successo di critica e pubblico, Orduña tornò a Huelva con la fama di grande pittore, e con ciò, con il conseguente riconoscimento da parte della sua comunità, il che lo aiutò a essere considerato come il “pittore di Huelva”, al di sopra di nomi come Pedro Gómez, García Vázquez, Labrador, Vázquez Díaz o Caballero.

Viaggiò in Svizzera, dove conobbe l'opera di Vieira da Silva e Nicolas Staël, e in Italia, paese in cui risiedette per diversi mesi. Nel 1965 partì per New York, e non fece ritorno fino al 1968, dopo una breve parentesi espositiva a Porto Rico. Questo ampio periodo si caratterizzò per un'internalizzazione personale nel giudicare e osservare la natura e gli uomini, dove tutto era presieduto da una composizione aggressiva, ruvida e febbrile, al contempo molto elegante, di chiara evoluzione espressionista, che in alcuni momenti sfiorava l'astrazione.

A partire dal 1973 la sua produzione si riempì di profondità e quiete, e abbandonò le inquietudini plastiche e vitali di un tempo. In questi momenti si evidenzia l'influenza di Cézanne e del Vázquez Díaz più concreti, benché in momenti determinati il pittore di Huelva cerchi nuove inquietudini plastiche che vanno dal realismo poetico sevillano fino a un meta-realismo surrealista.

Con la sua scomparsa, l'arte di Huelva perse forse il suo pittore più inquieto e imprevedibile. Tradusse quasi tutti i linguaggi plastici della prima metà del XX secolo senza dover ledere la rappresentazione degli oggetti e le sue personali impronte cromatiche e compositive.