Sergio Romero - Entrelazamiento






Laurea magistrale in Cinema e Arti Visive; curatore, scrittore e ricercatore esperto.
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Entrelazamiento è un dipinto acrilico originale di Sergio Romero, 50 × 60 cm, 300 g, realizzato nel 2026, firmato a mano, originario dalla Spagna, prodotto dopo il 2020, venduto direttamente dall’artista e in ottime condizioni.
Descrizione del venditore
Questa opera fa parte di una recente ricerca pittorica in cui il gesto automatico, la struttura spaziale e la ripetizione simbolica si trasformano in un unico linguaggio visivo. Sebbene a prima vista possano apparire impulsivi o spontanei, ciascuno nasce da un processo di osservazione e raffinamento proveniente da una precedente opera molto più architettonica e precisa, sviluppata nel corso di anni tramite pennarello, disegno lineare e costruzione manuale dello spazio.
In questa nuova serie, quella precisione non scompare: si trasforma.
La linea smette di comportarsi esclusivamente come contorno o struttura e inizia ad agire anche come energia, ritmo ed espansione fisica sulla superficie. Il gesto si libera, ma resta presente un sistema interno di organizzazione. I segni si ripetono, i percorsi si incrociano, le tensioni si equilibrano e lo spazio è delimitato da un’architettura invisibile che sostiene l’intera composizione.
Ogni opera funziona come una mappa mentale in movimento: strati di memoria, impulsi, percorsi e strutture emotive che convivono all’interno di un unico piano. Il apparente caos è attraversato da scelte consapevoli su densità, vuoto, equilibrio, saturazione e direzione visiva.
La ripetizione di cornici, orbite, linee nervose e nuclei circolari genera una grammatica propria riconoscibile in tutta la serie. Non si tratta di caso né di automatismo puro, bensì di un’indagine su come tradurre pensiero, tensione e sensibilità in una scrittura pittorica contemporanea.
La pittura acrilica sostituisce qui parte della rigidità del disegno tecnico con una presenza più corporea e fisica. L’opera non è più solo costruita: accade anche. Il tratto conserva la memoria del movimento, del tempo e del gesto diretto, mantenendo sempre lo stesso timbro visivo che definisce il insieme della ricerca.
Questi pezzi oscillano tra:
disegno e pittura,
controllo ed espansione,
architettura e automatismo,
scrittura e astrazione.
Il risultato è una serie che propone un linguaggio visivo autonomo, dove l’intensità gestuale convive con una struttura interna rigorosa e dove ogni composizione agisce come un’estensione diretta di un sistema mentale, emotivo e spaziale in continua trasformazione.
Questa opera fa parte di una recente ricerca pittorica in cui il gesto automatico, la struttura spaziale e la ripetizione simbolica si trasformano in un unico linguaggio visivo. Sebbene a prima vista possano apparire impulsivi o spontanei, ciascuno nasce da un processo di osservazione e raffinamento proveniente da una precedente opera molto più architettonica e precisa, sviluppata nel corso di anni tramite pennarello, disegno lineare e costruzione manuale dello spazio.
In questa nuova serie, quella precisione non scompare: si trasforma.
La linea smette di comportarsi esclusivamente come contorno o struttura e inizia ad agire anche come energia, ritmo ed espansione fisica sulla superficie. Il gesto si libera, ma resta presente un sistema interno di organizzazione. I segni si ripetono, i percorsi si incrociano, le tensioni si equilibrano e lo spazio è delimitato da un’architettura invisibile che sostiene l’intera composizione.
Ogni opera funziona come una mappa mentale in movimento: strati di memoria, impulsi, percorsi e strutture emotive che convivono all’interno di un unico piano. Il apparente caos è attraversato da scelte consapevoli su densità, vuoto, equilibrio, saturazione e direzione visiva.
La ripetizione di cornici, orbite, linee nervose e nuclei circolari genera una grammatica propria riconoscibile in tutta la serie. Non si tratta di caso né di automatismo puro, bensì di un’indagine su come tradurre pensiero, tensione e sensibilità in una scrittura pittorica contemporanea.
La pittura acrilica sostituisce qui parte della rigidità del disegno tecnico con una presenza più corporea e fisica. L’opera non è più solo costruita: accade anche. Il tratto conserva la memoria del movimento, del tempo e del gesto diretto, mantenendo sempre lo stesso timbro visivo che definisce il insieme della ricerca.
Questi pezzi oscillano tra:
disegno e pittura,
controllo ed espansione,
architettura e automatismo,
scrittura e astrazione.
Il risultato è una serie che propone un linguaggio visivo autonomo, dove l’intensità gestuale convive con una struttura interna rigorosa e dove ogni composizione agisce come un’estensione diretta di un sistema mentale, emotivo e spaziale in continua trasformazione.
