André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Questo astratto scultura del rinomato artista svizzero André Ramseyer (1914-2007) è stata acquistata direttamente dall'artista verso il 1970 ed è caratteristica del suo stile fortemente influenzato dall'astrazione geometrica di Henry Moore. Il suo lavoro di quel periodo si concentra sull'interazione tra “pieno e vuoto”, dove il foro circolare nella scultura è un elemento classico del suo vocabolario formale. Sebbene molti dei suoi capolavori più noti siano stati fusi in bronzo, ha lavorato anche con pietre come il marmo e l'alabastro. Questo pezzo specifico sembra essere realizzato con una varietà di marmo levigato. La scultura è numerata 1/1 e portata dal suo monogramma caratteristico. Le dimensioni sono 28 cm di lunghezza, 18 cm di altezza e 12 cm di profondità. Le ultime 3 foto sono di opere comparabili della stessa periodo.

Provenienza
Atelier dell'artista
Famiglia van Vliet, Eindhoven (1971)

Importantissimo !!
La base nera massiccia non viene fornita a causa del peso (>25 kg) a meno che il pezzo non venga ritirato di persona.

André Ramseyer
Per André Ramseyer la scultura è stata una vera vocazione: «Non potevo fare nient'altro. Obbedivo a una chiamata interiore.» Una chiamata che cercò di soddisfare, non senza dolore: «Miresti un obiettivo che man mano che ti avvicini sembra allontanarsi sempre di più. L'artista è sempre carente rispetto a ciò che vorrebbe raggiungere. È una fonte di sofferenza e al tempo stesso una fonte di ispirazione», dichiarò all'età di 90 anni a Dominique Bosshard (in Neuchâtel Express, 31 gennaio 2004).

Dopo aver studiato con Léon Perrin (1886-1978) a La Chaux-de-Fonds e seguito lezioni alle Free Academies di Montmartre e Montparnasse a Parigi, André Ramseyer affrontò il corpo umano in uno stile che rifletteva la sua ammirazione per maestri come Rodin (1840-1917) e Maillol (1861-1944). L'ultimo lavoro figurativo dello scultore è La Bagnante, che guarda verso la piscina al centro del giardino formale di fronte all'Hôtel DuPeyrou a Neuchâtel. Questo fu un punto di svolta importante nella sua carriera: in primo luogo perché fu la sua prima grande commissione ufficiale, in secondo luogo perché l'opera suscitò controversie. André Ramseyer dovette difendersi da un gruppo di oppositori che insistevano sull'arte tradizionale. Ci volle cinque anni prima che l'opera fosse svelata, nonostante che il progetto originario dello scultore risalisse al 1948.

Dopo il periodo nello studio di Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer si mosse gradualmente verso l'astrazione. Le figure delle coppie che scolpì ottennero forme semplificate e raffinate, con spazi vuoti tra i corpi. Espresse così la sua evoluzione:

«Fu nel 1948, dopo La Bagnante all'Hôtel DuPeyrou, che presi le distanze dall'arte figurativa. Dopo un anno passato a Parigi lavorai con lo scultore Ossip Zadkine. Sotto la sua influenza mi sviluppai lentamente verso una forma di libertà a cui avevo tanto desiderato.» Zadkine resta uno scultore figurativo, ma si concede libertà con il corpo umano, libertà che ho adottato, come in Trost, una scultura che ora si trova sulla piazza centrale di Biel/Bienne; è ancora il corpo maschile e femminile, ma trattato con grande libertà.»¹

Quando André Ramseyer si avvicinò all'astrazione, questa forma d'arte fu molto giudicata severamente dal grande pubblico e persino da molti artisti, come Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) e Paulo Röthlisberger (1892–1990). André Ramseyer riferisce che quest'ultimo, durante un soggiorno a Parigi, fu tentato di dipingere non figurativo, ma rinunciò. «Di fronte a una scultura di Marino Marini mi disse perfino: ‘Questo non è roba per noi.’» Per quanto riguarda Léon Perrin, egli valutò l'opera del suo ex allievo come «bambinesca, quasi corruttiva!»²

Gli amici pittori di Ramseyer, come Georges Froidevaux e Claude Loewer, anch'essi propendenti per l'arte astratta, incontrarono lo stesso incomprensione: il pubblico di Neuchâtel semplicemente non guardava. la regione di Neuchâtel e del Jura fece però una impressionante entrata nel periodo dell'arte moderna a partire dagli anni Cinquanta; lo scultore André Ramseyer fu uno dei primi a lasciare l'arte figurativa e conferì alle sue esplorazioni della circonferenza una dimensione personale, pur mostrando richiami a Jean Arp o Henry Moore (che aveva scoperto nel 1950 al Kunstmuseum di Bern).

Queste esplorazioni formali divennero sempre più innovative, rischiando di ferire le sensibilità del pubblico neocantonese, ancora largamente poco ricettivo all'arte astratta. Così scriveva il Courrier de Genève nel 1960, dopo la rivelazione di una scultura sulla facciata dell'edificio assicurativo Winterthur a Neuchâtel:

«Per coloro che sono interessati – e crediamo che ce ne siano molti – vogliamo far presente che il motivo in bronzo sulla facciata dell'edificio, creato dallo scultore Ramseyer, porta il titolo Envol (Evasione), che è utile da sapere.»³ Lo scultore voleva ancora una volta integrare l'opera nell'architettura. André Ramseyer spiegò questo nel Feuille d’Avis de Neuchâtel:

«Per questo edificio estremamente moderno l'obiettivo era scegliere un motivo semplice, adatto all'esterno, visibile da lontano e anche per gli automobilisti, anche per coloro che passavano veloce.» Scelsi un gioco di curve che, al contrario, enfatizzava le verticali e le orizzontali dell'edificio. Era necessario creare un ritmo ascendente, obbediente al grande movimento di risalita della facciata e al lungo muro rettangolare che doveva essere decorato. Vorrei sottolineare che questa opera – che ho chiamato Evasione – non rappresenta nulla. È un elemento scultoreo in cui bisogna vedere solo un gioco di forme e ritmi. L’architettura contemporanea chiede una scultura contemporanea.»⁴

André Ramseyer ha creato innumerevoli opere monumentali ed è entrato in un dialogo dinamico con l'architettura. È sempre stato desideroso di integrarsi nello spirito del luogo, giocando con lo spazio, la luce e i materiali di quei luoghi. Secondo Olivier Bauermeister, le sculture di Ramseyer generano «pian piano lo spazio di cui hanno bisogno, in un movimento ininterrotto dall'inizio alla fine.»5

André Ramseyer trovò una via originale moltiplicando variazioni sulla forma circolare. Per lui «la sfera è la più bella di tutte le linee...» Diede anche un posto centrale alla «magia del vuoto» che occupa e pervade la forma. Le estremità opposte del materiale e dell’immateriale si incontrano così. L’artista amava dire che le sue opere si sviluppano nello spazio, proprio come lo spazio le pervade. Voleva che esse «irradiassero dall’interno». Nella sua monografia sull’artista del 1979, Marcel Joray scrive: «Forme nate dal cerchio, simbolo del cielo, e da segmenti nati dal quadrato, simbolo della terra, si moltiplicano. Il cerchio diventerà la forma centrale di tutte le sculture di Ramseyer, che perseguono di reach the sign, the transfigured matter.» Lo scultore ripete questo punto (in L'Express, 31 gennaio 2004): «In un'opera d'arte vi è materia, spazio, luce, tutta l'abilità che ci si possa mettere dentro. Ma deve esserci una dimensione essenziale in più, che io definirei spirituale. L'opera emette le proprie vibrazioni.»

La serie Cantata of Gates of Day (1988-1990) occupa un posto unico nel suo corpus. André Ramseyer camminava ripetutamente lungo le lastre di granito che aveva conservato il suo vicino, un scalpellino, nel suo laboratorio. Un giorno sentì il bisogno di far ricavare da queste lastre forme architettoniche e di aggiungere incisioni sottili, come omaggio al materiale stesso. Questo approccio ha allarmato molti e persino lo stesso artista ha avuto difficoltà con esso.

André Ramseyer ha parlato più volte del suo lavoro, in interviste e conferenze. Ha scritto anche i testi per la seconda parte della monografia pubblicata nel 1994 dalle Éditions du Griffon.