Oliver Plehn - Caballero XL

Il quadro Cavaliere è stato realizzato con carbone e gouache su una tela di 100 cm x 81 cm nel 2026. Firmato con caratteri neri in basso a destra. Accompagnato da certificato di autenticità, stato impeccabile. L'opera viene inviata arrotolata all'interno di un tubo.

In Cavaliere XL, Oliver Plehn cattura un momento di resistenza cruda e viscerale: il guerriero è caduto a terra, ma non si arrende. In ginocchio o disteso, impugna la spada con fermezza e alza lo scudo in difesa, la sua armatura — trattata con tratti intensi di carbone e tocchi vibranti di gouache in blues profondi e grigi eterei — trasmette il peso del combattimento e, allo stesso tempo, una volontà incrollabile. La figura non è sconfitta; è al limite, proteggendosi con tutto ciò che le resta, incarnando quella dualità di fragilità fisica e forza indomita dello spirito.

Questa opera fa parte della serie “Specchi dell'Essere: Ritratti di Fragilità e Forza”, dove, come sottolinea il curatore Antonio Sánchez (1819 Art Gallery), i pezzi “ oscillano tra la rappresentazione letterale e l'astrazione” per stimolare una riflessione profonda su “ciò che significa essere umani in tempi di tumulto emotivo e sociale”. Plehn, influenzato dai dada espressionisti tedeschi e con una traiettoria che include esposizioni a Yale Graduate School of Art, Aeropuerto Madrid-Barajas, Friedenskirche e presenza su Artsy, Flecha.es e 1819 Art Gallery, dipinge “dalla fragilità, da quello spazio liminale dove il dolore e la bellezza coesistono”.

Un pezzo recente (2026) di grande formato, con grande maestria tecnica nel carbone e gouache, ideale per collezionisti che cercano arte figurativa contemporanea ricca di simbolismo psicologico: non un eroe invincibile, ma uno che, anche a terra, continua a lottare. Un potente specchio della nostra stessa capacità di resistenza quando tutto sembra perduto.

Pezzo unico di grande impatto visivo, direttamente dal creatore!

SPECCHI DELL'ESSERE: RITRATTI DI FRAGILITÀ E FORZA
Di Antonio Sánchez. Direttore e curatore di 1819 Art Gallery
La collezione che ci occupa è un compendio emotivo di opere che esplorano la profondità della condizione umana attraverso ritratti e figure cariche di simbolismo. Questi pezzi si intrecciano con una narrativa visiva che dispiega una tavolozza di colori sottili e spesso cupi, evocando stati d’animo introspettivi e contemplativi. L’abilità tecnica rivela non solo il dominio del mezzo, ma anche una forte connessione emotiva tra l'artista e i suoi soggetti, ognuno portatore di una storia silenziosa ma palpabile.

Le textures e le tecniche utilizzate variano dallo sfumato delicato all’impronta aggressiva, riflettendo la diversità delle emozioni umane e la complessità delle nostre esperienze. I tratti, siano essi decisi o tremolanti, insieme all’interazione tra luce e ombra, modellano un’atmosfera che trascende il visivo per toccare l’anima dello spettatore.

L’opera oscilla tra la rappresentazione letterale e l’astrazione, permettendo alla mente dello spettatore di colmare gli spazi vuoti, incentivando una partecipazione più profonda. L’uso intenzionale di elementi discordanti o inaspettati, come un coltello che trafigge il volto di una figura, sfida le nostre percezioni e provoca una riflessione introspettiva su ciò che significa essere umani in tempi di tumulto emotivo e sociale.

La collezione nel suo insieme funge da specchio della fragilità e della forza intrinseca dello spirito umano. Ogni pezzo, pur rimanendo unico nella sua espressione, contribuisce a un dialogo più ampio sulla resistenza e sulla vulnerabilità. La scelta dei soggetti, dalle figure umane alle rappresentazioni di animali, ognuno intriso di profonda emotività, amplifica questo dialogo, suggerendo un’universalità nelle nostre esperienze emotive.

Questo insieme di opere, al di là di essere semplicemente una mostra di abilità tecnica, è una testimonianza del potere dell’arte di commuovere, connettere e mettere in questione. La collezione non solo cattura la bellezza estetica dei suoi soggetti, ma agisce anche come catalizzatore per l’esplorazione personale e collettiva di emozioni profonde e spesso contraddittorie. Nel farlo, queste opere invitano gli spettatori a confrontarsi con l’ignoto dentro di loro e nel mondo che li circonda, offrendo uno spazio per il riconoscimento e la catarsi.

Biografia dell’Artista – Oliver Plehn
L’opera del pittore e disegnatore tedesco Oliver Plehn si caracteriza per rappresentazioni espressive del corpo umano e animale. I volti e i corpi formano il centro del suo universo artistico: potenti, sensibili e pieni di profondità psicologica. Fin dall’infanzia, le immagini degli espressionisti tedeschi hanno influenzato lui, la cui immediatezza emotiva e libertà formale continuano a essere un punto di riferimento nel suo linguaggio artistico fino ai giorni nostri.

Fin da giovane, Plehn ha deciso di essere artista e di mantenere la sua indipendenza creativa. Oltre a studiare pittura e disegno nelle scuole d’arte, ha seguito studi in scienze naturali, il che gli ha permesso una indipendenza professionale e libertà artistica. All’inizio degli anni ’90, una borsa nel campo della meccanica quantistica lo portò a Madrid.

Oliver Plehn vive con sua moglie e due figlie nel quartiere madrileno di Carabanchel Alto.

Dichiarazione Artistica
Il mio lavoro nasce dall’impulso di comprendere l’esistenza umana nel suo interno più profondo e contradditorio. Nel corso della mia carriera, ho esplorato il ritratto come mezzo per rivelare non solo ciò che è visibile, ma anche ciò che è nascosto: emozioni represse, cicatrici dell’anima, gesti di resistenza silenziosa. Dipingo dalla fragilità, da quello spazio liminale dove il dolore e la bellezza coesistono senza permesso.
Non mi interessa catturare volti perfetti, ma presenza, quella che parla di ciò che resta non detto. Mi attirano i silenzi, gli sguardi che portano storie, i corpi che vibrano con ciò che è stato vissuto. Ogni opera è per me un tentativo di dialogo con l’ignoto, quel territorio interiore dal quale spesso tendiamo a fuggire.
Il mio obiettivo come artista è creare immagini che non siano solo osservate, ma che interrogano lo spettatore. Voglio che funzionino come specchi in cui si possa trovare qualcosa di se stessi, anche nell’agitazione o nel malessere. Lavoro in modo figurativo, sì, ma cerco in esso l’apertura al mistero, al dubbio, all’emozione che non trova parole.
Sento che l’arte ha il potere di guarire, di rivelare e di accompagnare. In questo senso, la mia pratica è anche una forma di cura: per me stesso, e per tutti coloro che si avvicinano a queste immagini con il cuore aperto.
Esposizioni
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Presenza online su Artsy
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Presenza online su Flecha.es
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Presenza online su 1819 Art Gallery
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“Aqua versus Terra”, 1 – 30 settembre 2025, Madrid
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“Madrid Occulto”, 1 giugno – 15 luglio 2025, Madrid
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“The Gods of Muay Thai and a Strange One”, 1 dicembre 2022 – 6 gennaio 2023, Madrid
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Esposizione presso la Yale Graduate School of Art, marzo 2021
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Esposizione individuale presso l’Aeroporto Internazionale Madrid-Barajas "Faces of the World", 30 dicembre 2019 – 7 febbraio 2020
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Esposizione individuale "The Passion of the Christ" nella chiesa tedesca Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
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Esposizione presso United Artist Fair 2019 presso la Casa di Cantabria, Madrid, febbraio 2019
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Esposizione di pitture in Calle Serrano, Madrid, dicembre 2018 – febbraio 2019
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Esposizione individuale di pitture a Madrid, Spagna, novembre 2018
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Esposizione di pitture a Madrid, Spagna, Calle Serrano, novembre 2016 – gennaio 2017