André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Questo astratto scultura dell'illustre artista svizzero André Ramseyer (1914-2007) è stata acquistata direttamente dall'artista intorno al 1970 ed è rappresentativa del suo stile fortemente influenzato dall'astrazione geometrica di Henry Moore. Il suo lavoro di quel periodo si concentra sull'interazione tra “pieno e vuoto”, dove il foro circolare nella scultura è un elemento classico del suo vocabolario visivo. Sebbene molti dei suoi capolavori più noti siano stati fusi in bronzo, lavorò anche con tipi di pietra come il marmo e l'alabastro. Questo pezzo specifico sembra essere realizzato in marmo lucidato. La scultura è numerata 1/1 e dotata del suo monogramma caratteristico. Le dimensioni sono 28 cm di lunghezza, 18 cm di altezza e 12 cm di profondità. Le ultime 3 foto mostrano opere simili della stessa periodo.

Provenienza
Studio dell'artista
Famiglia van Vliet, Eindhoven (1971)

Importantissimo !!
La base nera massiccia non viene fornita a causa del peso (>25 kg) salvo se l'opera viene ritirata.

André Ramseyer
Per André Ramseyer scultorare era una vera vocazione: «Non potevo fare nient'altro. Obbedivo a una chiamata interiore». Una chiamata che cercò di soddisfare, non senza dolore: «Ti propugni verso un obiettivo che si allontana sempre man mano che ti avvicini. L'artista resta sempre a corto di ciò che vorrebbe raggiungere. È una fonte di sofferenza e al tempo stesso una fonte di ispirazione», raccontò all'età di 90 anni a Dominique Bosshard (Neuchâtel Express, 31 gennaio 2004).

Dopo aver studiato con Léon Perrin (1886-1978) a La Chaux-de-Fonds e aver seguito lezioni alle Free Academies di Montmartre e Montparnasse a Parigi, André Ramseyer trattò il corpo umano in uno stile che rispecchiava la sua ammirazione per maestri come Rodin (1840-1917) e Maillol (1861-1944). L'ultimo lavoro figurativo dello scultore è La Bagnante, che si affaccia sulla piscina al centro del giardino formale davanti all'Hôtel DuPeyrou a Neuchâtel. Questo rappresentò una tappa importante della sua carriera: innanzitutto perché fu la sua prima grande commissione ufficiale, e in secondo luogo perché l'opera suscitò controversie. André Ramseyer dovette difenderla da un gruppo di oppositori che insistevano sul ritorno all'arte tradizionale. Ci vollero cinque anni prima che l'opera fosse svelata, nonostante che il progetto originale dello scultore risalisse al 1948.

Dopo il periodo trascorso nello studio di Ossip Zadkine (1890-1967), André Ramseyer si allontanò gradualmente dall'figurativo e si avvicinò all'astrazione. Le figure delle coppie che scultò divennero forme semplificate, raffinate, con spazi vuoti tra i corpi. Così spiegò il suo sviluppo:

« Fu nel 1948, dopo La Bagnante all'Hôtel DuPeyrou, che presi le distanze dall'arte figurativa. Dopo un anno trascorso a Parigi, lavorai con lo scultore Ossip Zadkine. Sotto la sua influenza mi sono lentamente evoluto verso una forma di libertà a lungo sognata.» Zadkine rimase uno scultore figurativo, ma si concedeva libertà con il corpo umano, libertà che io ho assorbito, come in Trost, una scultura che ora si trova sulla piazza centrale di Biel/Bienne; è ancora un corpo maschile e femminile, ma trattato con grande libertà.»¹

Quando André Ramseyer si avvicinò all'astrazione, questa forma d'arte fu valutata molto severamente dal grande pubblico e persino da molti artisti, come Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) e Paulo Röthlisberger (1892–1990). Ramseyer racconta che quest'ultimo, durante una permanenza a Parigi, fu tentato di dipingere non-figurativo, ma abbandonò l'idea. « Davanti a una scultura di Marino Marini mi disse persino: ‘Questo non è per noi ’ ». Per quanto riguarda Léon Perrin, valutò l'opera del suo ex allievo ora come “juvenile, quasi sgradevole!”²

Gli amici pittori di Ramseyer, come Georges Froidevaux e Claude Loewer, entrambi avveduti verso l’arte astratta, incontrarono lo stesso incomprensione: il pubblico di Neuchâtel non guardava affatto. Non potevano tenere il ritmo. Tuttavia la regione di Neuchâtel e del Jura fece un ingresso spettacolare nel periodo dell’arte moderna a partire dagli anni cinquanta; lo scultore André Ramseyer fu tra i primi a lasciare l’arte figurativa e diede alle sue esplorazioni della circonferenza una dimensione personale, anche se le sue opere richiamavano Jean Arp o Henry Moore (che aveva scoperto nel Kunstmuseum di Berna nel 1950).

Queste esplorazioni formali diventarono sempre più innovative, al rischio di ferire le sensibilità del pubblico neuchâtelo, ancora in gran parte poco ricettivo all’arte astratta. Così scrive la Courrier de Genève nel 1960, dopo la rivelazione di una scultura sulla facciata del palazzo di Winterthur a Neuchâtel:

"Per coloro che sono interessati – e crediamo che ce ne siano molti – vogliamo far osservare che il motivo in bronzo sulla facciata dell’edificio, scolpito dall’artista Ramseyer, porta il titolo Envol (Fuga), il che è utile da sapere."³ L’artista voleva integrare nuovamente l’opera nell’architettura. André Ramseyer spiegò questo nella Feuille d’Avis de Neuchâtel:

“Per questo edificio moderno così marcato lo scopo era scegliere un motivo semplice, adatto all’aperto, visibile da lontano e anche per gli automobilisti, anche per chi stesse passando veloce.” Ho scelto un gioco di curve che, al contrario, sottolinea le verticalità e le orizzontali dell’edificio. Era necessario creare un ritmo ascendente, obbedendo al grande movimento verso l’alto della facciata e il lungo muro rettangolare da decorare. Vorrei sottolineare che quest’opera – che ho chiamato Fuga – non rappresenta nulla in sé. È un elemento scultoreo nel quale si deve vedere solo un gioco di forme e ritmi. L’architettura contemporanea chiede una scultura contemporanea.”⁴

André Ramseyer ha creato innumerevoli opere monumentali e instaurò un dialogo dinamico con l’architettura. Era sempre desideroso di integrarsi nello spirito del luogo, giocando con lo spazio, la luce e i materiali di quei siti. Secondo Olivier Bauermeister, le sculture di Ramseyer generano “gradualmente lo spazio di cui hanno bisogno, in un movimento ininterrotto dall’inizio alla fine.”5

André Ramseyer trovò una via originale moltiplicando variazioni sulla forma circolare. Per lui “la sfera è la più bella di tutte le linee...”. Diede anche un posto centrale alla “magia del vuoto” che abita e permea la forma. Gli estremi opposti del materiale e dell’immateriale si incontrano così. L’artista amava dire che le sue opere si dispiegano nello spazio, proprio come lo spazio le pervade. Voleva che «emersero dall’interno». Nella sua monografia sull’artista del 1979, Marcel Joray scrive: «Forme nate dal cerchio, simbolo del cielo, e da sezioni nate dal quadrato, simbolo della terra, si moltiplicano. Il cerchio diventerà la forma centrale di tutte le sculture di Ramseyer, che cercano di raggiungere il segno, la materia spiritualizzata». Lo scultore ripete questo punto (L’Express, 31 gennaio 2004): «In un’opera d’arte c’è materia, spazio, luce, tutta la tecnica che si possa mettere dentro. Ma deve esserci una dimensione extra, essenziale, che io chiamerei spirituale. L’opera emette le proprie vibrazioni."

La serie Cantata delle Porte del Giorno (1988-1990) occupa un posto unico nel suo repertorio. Ramseyer camminò ripetutamente tra le lastre di granito che il suo vicino, un мастrazione artistica, aveva conservato nel suo laboratorio. Un giorno sentì il bisogno di far scolpire su queste lastre forme architettoniche e di aggiungere incisioni sottili, come omaggio al materiale stesso. Questo approccio ha inquietato molti e anche l’artista stesso ha avuto difficoltà con esso.

André Ramseyer ha spesso parlato del suo lavoro, in interviste e conferenze. Ha anche scritto i testi per la seconda parte della monografia pubblicata nel 1994 dalle Éditions du Griffon.