Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Opera unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrilico in spray su lastra di plexiglas di 3 mm (anti-UV).
Trasparenze su stampa arancione.
Questa tavola non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-strati" la cui resa brillante "glossy" simile all'applicazione di una resina è unica.

Dimensioni : Pollice 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questa tela è fornita senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Nero Opaco (Pollice 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Autenticità la accompagna.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e opzioni su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dal ricco patrimonio culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata la mia grande passione.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre pensato che grandi quadri arrivano dritti a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri atheista, ho sviluppato anche una predilezione per i materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia il cammino per diventare veramente un artista non fu immediato.

Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, dal Belgio all'Asia e alla Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e dialogavo con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, sobbollendo silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per spezzare il mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio dove posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l'opportunità di guardare il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono pienamente dedicato alla pittura. Ho fondato il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi completamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente acquisito riconoscimento, trovando case in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra individuale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante lo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti casuali—qualsiasi cosa per interrompere la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per la rivelazione e la scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la casa non prende mai le decisioni; al massimo, il caso pone le domande; i significativi “coincidenze” sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che risuona con il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur dando a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio deliberatamente semplice. Né “emozione” né “concetto teorico” ma esperienza dell'essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza ed esplorazione della realtà, dei suoi racconti visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita al centro della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno neanche motivo di esistere, né fine, né scopo. Sebbene la mia opera possa talvolta evocare la trasparenza e luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante dove si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera funge da specchio discreto: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, delle parti mancanti, richiede anche solo empatia. Spero che il dialogo tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un'immagine completamente nuova - e “la distanza per l'insieme”, incoraggerà gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile realizzare. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non avere bisogno di noi. L'epoca dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

A proposito della coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale importanza, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di un lungo e meditato sotto-argomento. Per me, la vera focalizzazione è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare dolcemente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica, e verso una forma di guardare più diretta.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vivente. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell'essere”. L'opera diventa meno un oggetto da interpretare che un silenzioso evento da sentire—modellato da luci mutevoli, strati traslucidi e il riflesso debole dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l'opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole del controllo nell'atto di creare. Fisso condizioni, ma cedo l'esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—a una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni comporta qualche paradosso delicato che sostiene l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia permane nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un augurio di pura presenza che l'opera stessa offre in silenzio.

Impegno e Impegno Senza Sforzo
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di propria mano.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sono arrivato a pensare che “l'era dell'informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un'informalità dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro c'è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivo. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'idealizzazione. La scala modesta che spesso scelgo è pensata per incoraggiare l'intimità, non lo sfoggio.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una sola recherche. Ho scoperto che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner