Claus Bertermann (1965) - Common Ground

Artista: Claus Bertermann

SITO UFFICIALE: www.bertermann.art

Claus Bertermann (nato nel 1965, Stoccarda, Germania) è un artista contemporaneo di fama internazionale il cui profilo di mercato è sostenuto dall'autorità di mercato internazionale e da eccezuali risultati sul mercato secondario. Conosciuto per le sue potenti opere astratte di grande formato, Bertermann ha costantemente detenuto prezzi di alto livello nelle case d’aste più prestigiose del mondo. I suoi prezzi realizzati più alti includono €18.900 presso C. h. r. i. s. t. i. e´s Paris (Retro Zen), €15.240 presso S. o. t. h. e. b. y´s Cologne (F5TP#CB), e €15.120 presso C. h. r. i. s. t. i. e´s Paris (Whispershade). Con ulteriori vendite di successo presso V. a. n. H. a. m, A. r. t. c. u. r. i. a. l, T. a. j. a. n, e D. o. r. o. t. h. e. u. m, l’opera di Bertermann è un bene dimostrato per seri collezionisti in tutto il mondo.

La Serie New Expressionist continua

Con una laurea magistrale in Architettura (TU Monaco) , Bertermann ha inizialmente guadagnato riconoscimento globale per la sua tecnica delle "strati architettonici"—stratificazione e raschiatura della vernice a olio per costruire profondità spaziale. Nel 2026 ha aperto un capitolo radicalmente nuovo: scene figurative in colori intensi ed emotivamente carichi, guidate dai pittori dell’Espressionismo tedesco — una base definita in pennellate grezze, con la linea di pastello a olio tracciata sopra di essa in seguito e mai incorporata al suo interno. "Common Ground" appartiene a quella serie e prende in considerazione la scena più antica nell’arte europea: due giovani sotto un albero da frutto.

Impronta artistica internazionale

Con oltre 1.000 opere di grande formato in collezioni private e istituzionali in tutto il mondo—incluso un monumental triptico presso la sua alma mater, la Technical University di Monaco—Bertermann continua a colmare il divario tra struttura rigorosa e libertà intuitiva. Questa offerta di Catawiki presenta una rara opportunità di acquisire un’opera chiave di una serie entusiasmante e nuova di un artista con una solida storia d’asta internazionale.

Dettagli chiave per i collezionisti

– Titolo: Common Ground
– Anno: 2026
– Dimensioni (H x L): 200 x 240 cm (79 × 94 pollici)
– Mezzo: Acrilico e pastello a olio su tela
– Firmato dall’artista sul fronte e sul retro
– Opera originale, unica nel suo genere - MADE BY A REAL PERSON, NOT AI.
– Spedito arrotolato

Cosa rende quest’opera unica

Una giovane coppia sotto un albero da frutto. Nella pittura occidentale quella frase ha sempre avuto un solo esito. Qualcuno allunga la mano, qualcun altro prende, e tutto il resto è conseguenza. Cranach la dipinse, Rubens la dipinse, ogni pala d’altare in Europa ha una versione appesa in una cappella laterale.

Quindi contate i frutti qui. Ne sono presenti più di quindici, arancioni, maturi, disegnati in anelli scoloriti, pendono facilmente a ogni ramo che l’albero blu espone.

Nessuno sta allungando la mano. Nessuno ha nemmeno guardato in alto.

Voi due siete seduti fronteggianti, fuori dall’immagine, di chiunque si trovi di fronte—i suoi occhi a livello e fermi, i suoi leggermente socchiusi, entrambi del tutto disinteressati al solo prop che la scena avrebbe dovuto avere. Il frutto non è l’offerta in questo dipinto. Il frutto è il tempo atmosferico.

L’evento reale è sotto le spalle, ed è facile da perdere perché sembra una pennellata. Seguite la linea tra le due figure verso il basso. Sulle facce sono inequivocabilmente due persone, due tonalità di pelle, due teste di capelli, la sua verde-nerastra, lui cobalt blue. Sul colletto il confine inizia a fallire. Sotto il petto c’è un unico massa condivisa di arancione, vermiglio e verde scuro; lungo le terga non resta più un secondo corpo da trovare. Sotto la vita la pittura smette semplicemente di distinguere.

Questa è la svolta, ed è anche il titolo. "Common Ground" non è una metafora sull’accordo. È una descrizione letterale della metà inferiore di questa tela: il luogo in cui due persone smettono di essere due, dipinte esattamente come tale e nient’altro di più cortese.

E l’albero ci entra in pieno. Il tronco, i rami e i contorni disegnati di entrambi i volti sono tracciati nello stesso pastello a olio blu cobalto, dalla stessa mano, nella stessa gestualità. L’albero non è uno sfondo dietro la coppia. È fatto dello stesso materiale di cui sono fatti loro, che cresce dal terreno che condividono— che è la sola interpretazione del paradiso che questo dipinto è disposto a offrire, e, in equilibrio, la migliore.

Perché vale il prezzo

Questa è una pittura di grandi dimensioni, da museo (200 x 240 cm) in formato orizzontale ed è una delle tele più grandi della serie figurativa di Bertermann del 2026. Per i collezionisti, le opere dall’anno di apertura di una nuova serie hanno un significante di provenienza, e in questa serie "Common Ground" detiene una posizione unica: è il ritratto doppio, una tela costruita attorno a due figure invece che una, e affronta la scena più dipinta nella storia dell’arte europea— la coppia sotto l’albero da frutto— rimuovendo i frutti dalla trama.

La scala compie un vero lavoro qui. A 240 cm di ampiezza, l’albero è quasi a grandezza naturale, il che significa che i frutti pendono all’altezza che avrebbero nell’uliveto e le due figure incontrano uno spettatore in piedi a livello degli occhi. L’immagine non illustra l’incontro; lo mette in scena nella stanza.

Tecnicamente la tela è costruita in due mosse separate, che è il metodo dietro il lavoro figurativo di Bertermann. Prima il terreno: la luce gialla, il tronco blu, la banda turchese a sinistra e la massa arancione dei corpi sono stesi con pennellate grezze e ampie che mantengono il movimento del braccio visibile e non sistemano nulla con precisione. Solo allora il disegno: il pastello a olio passa su quel campo dipinto e imposta i contorni — entrambi i volti e gli occhi, gli anelli scritti dei frutti, le lame verdi del fogliame, i rami dell’albero, la griglia nera sull’intero terzo inferiore. La linea disegnata non segue il terreno dipinto sotto di essa; giace sopra di esso e ne conserva l’autorità. Libertà sotto, precisione sopra—un istinto di architetto per la struttura che porta un appetito espressionista per il colore.

Descrizione visiva e stato di conservazione

La composizione mostra due giovani seduti vicini, leggermente a destra del centro, sotto un grande albero che occupa la metà superiore della tela. L’albero è dipinto in cobalt intenso e ultramarino, il tronco si innalza a sinistra del centro e i rami si estendono fino ai bordi dell’immagine; più di quindici frutti tondi arancioni, disegnati come anelli scarabocchiati in pastello a olio arancione e rosso, pendono sui rami, e pennellate verdi sostituiscono le foglie.

La figura a sinistra ha pelle giallo-verde pallida e una massa di capelli verdi e neri densi; il volto è disegnato in pastello a olio blu con occhi a mandorla, pupille scure, naso sottile e bocca piccola arancione-rossa. La figura a destra ha la stessa pelle giallo-verde pallida e capelli blu cobalto disegnati a tratti corti, con una fronte più lunga, occhi disegnati in blu e bocca arancione. Le loro teste si toccano. Tra loro e sotto di loro i corpi si fondono in un unico campo continuo di arancione, vermiglio, verde scuro, nero e viola, senza confine tracciato tra le due figure sotto le spalle.

Lo sfondo superiore è cadmio e giallo limone con tratti bianchi e giallo verde pallido; una banda larga di teal e blu attraversa il medio terreno sinistro, attraversata da tratti verdi e arancioni. Il terzo inferiore della tela è dominato da un grande campo arancione, attraversato da rami pesanti in pastello a olio blu e da lattice neri allentati; passaggi viola e viola si trovano nel basso destra e al centro‑destro.

I colori scorrono visibilmente e si fondono; la prospettiva e l’anatomia sono intenzionalmente distorte per dare priorità al peso emotivo piuttosto che al realismo. L’opera è firmata in blu-violetto nell’angolo in basso a destra.

L’opera è senza cornice e non è tesa. Condizioni eccellenti. Tutte le irregolarità superficiali sono intenzionali e parte integrante del processo dell’artista.

Contesto/contesto artistico

Claus Bertermann lavora all’interno della pittura figurativa espressiva contemporanea, concentrandosi su stati dell’essere piuttosto che su una mera rappresentazione. Con la sua serie del 2026 ha collocato la figura umana all’interno di situazioni cromatiche cariche, attingendo direttamente all’eredità dell’Espressionismo tedesco: prospettiva piegata, colore accentuato, una superficie intenzionalmente fluida, e una linea disegnata che resta visibilmente sopra di essa.

La coppia sotto l’albero da frutto è entrata nella pittura europea come una macchina morale. L’albero forniva la tentazione, il frutto forniva il punto di svolta, e le due figure fornivano la colpa. Anche quando gli Espressionisti portarono la scena dal giardino ai propri paesaggi estivi, l’organizzazione sopravviveva: la natura offriva qualcosa, le persone la prendevano, la pittura teneva il punteggio.

"Common Ground" mantiene il cast e smantella la macchina. L’albero è ancora lì, il frutto è ancora lì, e entrambi sono stati degradati a sfondo. Di cosa tratti realmente è di due persone che sono rimaste sedute abbastanza a lungo da far sì che la pittura non si preoccupi più di distinguerle—e un pezzo di terreno che, per una volta, appartiene a entrambi.

Dettagli pratici per acquirenti:

Originale, opera unica
Acrilico e pastello a olio su tela
Dimensioni (H x L): 200 x 240 cm (79 × 94 pollici)
Firmato dall’artista sul fronte e sul retro
Certificato di autenticità incluso
Spedito arrotolato (non incorniciato né teso)
Imballaggio professionale e spedizione in tutto il mondo con società di spedizioni premium come UPS.

La tela include una cornice bianca continua aggiuntiva di circa 10 cm su tutte le lati oltre la superficie dipinta. Questa margine permette all’opera di essere professionalmente ritesa su barre di supporto di qualità museale fino a 6 cm di profondità, risultando in una presentazione pulita, senza cornice, in stile galleria.

Si prega di notare che l’opera è venduta non incorniciata e senza barre di sostegno. L’allungamento professionale è responsabilità dell’acquirente. Il dipinto viene spedito arrotolato per un trasporto internazionale sicuro e un’installazione flessibile secondo la preferenza dell’acquirente.

L’opera è firmata sia sul fronte sia sul retro, con titolo, anno e nome completo dell’artista incisi sul retro.

Nota riguardo alle viste della stanza:

Alcune fotografie mostrano l’opera digitalmente inserita in un interior. Queste viste ambientali sono visualizzazioni AI, create per offrire un’impressione di scala e presenza solo — non sono fotografie dell’opera reale appesa in una stanza. Le proporzioni di dimensione e i colori mostrati potrebbero differire dall’originale. Le riferimenti di vincolo sono le dimensioni indicate sopra (H x W) e la fotografia di studio dell’opera stessa. Si noti inoltre che i colori possono apparire diversi a seconda della calibrazione dello schermo.