Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Pezzo unico, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrilico in spray su lastra di plexiglass di 3mm (anti-UV).
Trasparenze su stampa arancione.
Questa tavola non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-couche" il cui aspetto lucido "glossy", vicino all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni : 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questa tavola è fornita senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 Nero Opaco (Puo 0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Authenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte in tutta Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e opzioni su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi dipinti arrivano direttamente verso di te, impositivi e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente mi sono avvicinato alla pittura non figurativa e all'espressionismo astratto.
Con il tempo, e anche se mi considero ateo, ho sviluppato anche una certa predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per Belgio, Asia e Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l'energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l'attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che sobbalzava silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, spero sempre di offrire agli altri un incontro sincero con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho fondato il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, per mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando collocazioni in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in evidenza un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera man mano che si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti casuali—tutto è permesso per interrompere la ragione!—per guidare l'esito, gli strati e gli effetti di specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; coincidenze significative sono solo possibili con un grande senso della disciplina. Questo approccio, che rima con il processo di rivelazione / fissazione della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco le "necessità irreducibili", cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Tengo il mio approccio volutamente semplice. Né "emozione" né "concezione teorica" ma l'esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né "intellettualizzazione / possesso intellettuale", ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della "vita al centro della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia abbia sempre fatto parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetti. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto né significato né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di esistere né fine né scopo. Sebbene il mio lavoro a volte possa evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un mirror discreto: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e tessitura, anche delle parti mancanti, richiede solo empatia. Sperabilmente, il gioco tra "dettagli per il vicino" - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e "la distanza per il tutto", incoraggerà gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che si può ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me, dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'era dell'informale ha appena cominciato.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per la visione".

Sulla coerenza nella mia pratica

Nell'ambiente dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso pari, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette il suo emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un ritirarsi dal significato imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e avendo "né contenuto, né significato, né senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica, e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di inserire quella che considero un"esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato da luce mutevole, strati trasparenti e dal riverbero debole dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l'opera "vive, cambia, vede."

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È un rilascio consapevole di controllo nell'atto di fare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un "oggetto di se stesso" indipendente, pienamente rivelato solo quando completo. È un parallelismo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva "qui ed ora."

Sostenere queste intenzioni comporta alcune paradossi dolci che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una quieta presenza, una palpabile quiete.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia persiste nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le "necessità irreducibili" trovate nel "silenzio e la luce"—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre tranquillamente.

Sforzo eSforzo Lese
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse "emerso di propria volontà". Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che "l'era dell'informale ha appena cominciato". La mia pratica deve molto allo spirito dell'Art Informel, seppur forse con meno angoscia e più calma—un'informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Al centro c'è la ricerca di "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende a una esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso serve ad incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.

In fondo, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una stessa ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner