Anton Kaestner - #480 - M - " Punta del Este #1 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#480 - M - " Punta del Este #1 ".

Acrilico in spray su lastra di plexiglass di 3 mm (anti-UV).
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di una opera originale "multi-couche" il cui aspetto lucido "glossy" vicino all'applicazione di una resina è unico.

Dimensioni : Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo quadro è fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 impiallacciatura Rovere Bianco (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di autenticità la accompagna.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero basato a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale del mio Paese. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a lasciare l'influenza che ha piantato il seme per quella che sarebbe diventata la mia passione nella vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri arrivano direttamente a te, imponenti e intimidatori, mentre le opere più piccole possono ispirare molto più amore. All'inizio sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, a fuoco sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle loro stesse vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono interamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi completamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando dimore in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo—una cosa che accolgo. Lasci la “sperimentazione casuale”—ogni cosa va bene per far saltare in aria la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio per la rivelazione e la scoperta quando l’opera viene finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al più, la fortuna pone domande; le “coincidenze” significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concetto teorico” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/proprietà intellettuale”, ma apertura della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al centro della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui è possibile intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo lettore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e texture, delle parti mancanti comprese, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e “distanza per il tutto”, incoraggerà gli spettatori ad intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di domandare e crescere. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie capacità e ad esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell’informalità è solo all’inizio.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

Sovraggioco coerente nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette la sua emergenza.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è un ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e non avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare dolcemente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione, e verso un tipo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati trasparenti e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: Processo come pensiero incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che io chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—a una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcuni pleonastici contrari che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma esse sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia per il presente
Una dolce nostalgia permea l’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un auspicio di pura presenza che l’opera stessa offre discretamente.

Sforzo e sforzo senza sforzo
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di sua volontà.” Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’era dell’informalità è appena iniziata.” La mia pratica è debitrice allo spirito dell’arte Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Nel suo cuore è una ricerca del “le vif”—il nocciolo vivente. L’opera tende verso l’esperienza diretta piuttosto che l’itellectualizzazione. Le dimensioni modeste che spesso scelgo servono a incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente la strada di un artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata sul quieto paradosso non deve essere fragilità. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner