Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Un pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dal suo studio.
#485 - M - "Paesaggio #1".

Acrilico spray su lastra in plexiglass di 3 mm (anti-UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-strato" il cui effetto lucido glossy, simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 wengé bianco (17,7 cm x 55,8 cm approssimativo) consigliata e disponibile durante la spedizione per una somma aggiuntiva di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità l'accompagna.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero basato a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e opzioni su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il germe di quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3; ho sempre pensato che i grandi quadri ti colpiscano in pieno, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. All'inizio fui attirato dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri atheist, ho sviluppato anche una predilezione per i materiali spirituali poiché rispecchiavano la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel commercio che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l'energia creativa di ogni posto.
Nonostante l'enfasi sulla mia carriera professionale, l'arte è sempre stata parte di me, leggermente sobbossa sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per evadere dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un autentico incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho aperto il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimenti, trovando posto in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in mostra un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato extrusionato (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera durante lo sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Lascio che i "esperimenti casuali"—tutto è lecito per interrompere la ragione!—guidino l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, lasciando spazio per rivelazioni e scoperte quando l'opera è finalmente esposta. Ma per chiarezza: nelle mie immagini la sorte non prende mai le decisioni; al massimo, la sorte pone le domande; coincidènze significative sono possibili solo con grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni opera una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco delle "necessità irriducibili", cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio deliberatamente semplice. Né "emozione" né "concepimento teorico" ma esperienza dell'essere. Né "consumo rapido" né " intelectualizzazione / possesso intellettuale", ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della "vita al cuore della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Anche se la nostalgia è sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch'essi non hanno ragione di esistere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce alla pittura una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche dei particolari mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “particolari per il primo piano”—un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo—e “distanza per l'insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che si può raggiungere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a raffinare le mie capacità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me, dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di un colore così perfetto che non ha bisogno di noi. L'epoca dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere."

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di un'indagine lunga e deliberata. Per me il vero focus è meno sull'immagine finale che sull'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si basa su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come "senza oggetto" e prive di "contenuto, significato e senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo porta alla seconda intenzione: La Primazia dell'Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, provo a collocare ciò che considero un "esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luci mutevoli, strati trasparenti e dal riflesso tenue dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso segnalo, l'opera “vive, cambia, vede”.

La terza è dove l'idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell'atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso”, completamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un'attesa paziente di ciò che arriva “qui e ora”.

Sostenere queste intenzioni comporta alcune sottili paradossi che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di "coincidenze significative", ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di "comunicare qualcosa" attraverso opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una quiete palpabile.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia resta nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “né irriducibili necessità” riscontrate nel "silenzio e nella luce"—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre silenziosamente.

Sforzo e Sforzo Superato
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di sua volontà”. Sono attratto da ciò che appare inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l'età dell'informale è appena iniziata”. Il mio lavoro è debitore allo spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un'informalità in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Nel suo cuore è una ricerca del "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso è pensata per incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner