Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Kompleta unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#484 - M - "Paesaggio #2".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3mm (anti-UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-strati" il cui rendimento lucido "glossy" vicino all'applicazione di una resina è unico.

Dimensioni: Inch 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è fornito senza cornice.
Cornice di alta qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 placcaggio Rovere Bianco (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Acompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e selezione su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la sua influenza ha piantato il seme per ciò che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho cominciato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi immagini arrivano dritto a te, dominanti e intimidatorie, mentre le opere più piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Nel tempo, e mentre mi considero ateo, ho sviluppato anche una preferenza per materiali spirituali in quanto risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel commercio che mi ha portato in tutto il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, al Belgio, attraverso l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi dedicai all'energia creativa di ogni posto.
Nonostante l'enfasi sulla mia carriera aziendale, l'arte è sempre stata parte di me, che bolliva quietamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Alla fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, sorprendentemente, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha messo in luce un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Percepisco “esperimenti casuali” - tutto è lecito per cortocircuitare la ragione! - per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l'opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; i significativi “casi” sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente il mio approccio semplice. Né “emozione” né nozione teorica ma esperienza dell'essere. Né “consumo rapido” né “intelletualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca di "vita al cuore stesso della vita", per ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono senza oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anche essi non hanno ragione di essere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane quasi del tutto astratto. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle scintillante dove si può intravedere la propria sagoma, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera funziona come un inglese specchio: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, anche dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Auspico che il gioco tra “dettagli per il primo piano” - un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova - e “distanza per il tutto”, incoraggerà gli spettatori ad intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che si può raggiungere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, spingendomi a perfezionare le mie capacità ed esplorare ancora di più ciò che posso realizzare. Per me la pittura è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L'età dell'informale è appena cominciata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere.

A proposito della coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso uguale, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e mirata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che il quieto intreccio di pensiero e processo che permette la sua emergenza.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo "né contenuto, né significato, né senso", spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primacía dell'Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare quella che considero un "esperienza dell'essere". L'opera diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dal cambiamento della luce, dagli strati trasparenti e dal lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, il pezzo “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorare senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole del controllo nell'atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, pienamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa per ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa avere alcuni paradossi delicati che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” tramite opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza tranquilla, una quieta immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia persiste nell'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se “emergesse di propria volontà.” Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica è debitore allo spirito dell’Arte Informale, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale dove il caso non è una rottura, ma un silenzioso collaboratore.

Nel suo cuore è una ricerca del "le vif"—il nucleo vivente. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellectualizzazione. Le dimensioni modeste che spesso scelgo sono pensate per favorire l'intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho trovato che una pratica basata su un silenzioso paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner