Anton Kaestner - #481 - M - " Punta del Este #2 ".

Oggetto unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dal suo studio.
#481 - M - "Punta del Este #2".

Acrilico spray su lastra di plexiglas da 3 mm (anti-UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multi-couches" il cui effetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 zampe di Rovere Bianco (0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale del mio paese. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha posto il seme per ciò che sarebbe diventata la mia passione di vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando con innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che i grandi dipinti ti guardano in faccia, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Sin dall'inizio sono stato attratto dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Con il tempo, e nonostante mi consideri ateo, ho sviluppato anche una predilezione per i materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare davvero artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi confrontai con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera negli affari, l’arte è sempre stata parte di me, in silenzio che bolliva sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, spero sempre di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando posti in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV artistic

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, mostrava un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera nello sviluppo. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto agli “esperimenti casuali”—qualsiasi cosa vada—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma per essere chiari: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna fa le domande; coincidenze significative sono possibili solo con un grande discipline. Questo approccio che risuona con il processo di rivelazione / fissazione della fotografia è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma ampliamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca per una “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”.
Anche se la nostalgia è sempre parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di per sé. Conseguentemente, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né motivo di esistere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro a volte potrebbe evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle luccicante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche dei parti mancanti, richiede solo empatia. Speriamo che il gioco tra “dettagli per il primo piano”—un dettaglio di un quadro è un’immagine completamente nuova— e la “distanza per l’insieme”, incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di domandarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie abilità e ad esplorare più a fondo ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di un colore di vernice così perfetto da non aver bisogno di noi. L’epoca dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere."

Sulla coerenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno uguale peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e mirata indagine. Per me, il vero focus è meno sull’immagine finale che sull’interazione tranquilla tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che considero una “esperienza dell’essere”. L’opera diventa meno un oggetto da interpretare che un evento silenzioso da sentire—plasmaso da luce mutevole, strati trasparenti e il lieve riflesso dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea e mano si incontrano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole del controllo nell’atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso”, completamente rivelato solo quando è completa. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Tenendo queste intenzioni, ci sono alcuni paradossi delicati che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza silenziosa, una quieta immobilità.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia persiste nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Impegno e Semplicità
Il processo richiede attenzione costante, pur mirando a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho cominciato a sentire che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica deve molto allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Nel cuore c’è una ricerca del “le vif”—il nucleo vitale. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un paradosso tranquillo non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner