Anton Kaestner - #486 - M - " Paysage #2 ".

Opera unica, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#486 - M - "Paesaggio #2".

Spray acrilico su lastra di plexiglas da 3 mm (anti-UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-couche" il cui aspetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: pollici 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, modello 34 520 placcaggio Rovere Bianco (pollici 0,23 * 1,38 / cm 0,6 * 3,5) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
Un Certificato di Authenticità lo accompagna.
La spedizione è coperta da un'assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e opzioni su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, in Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno paterno, artigiano e artista, ad influenzare e seminare la passione che sarebbe diventata la mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici su quaderni A4 e poi A3; ho sempre pensato che i grandi dipinti arrivino dritti a te, impositivi e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Mi sono inizialmente avvicinato alla pittura non figurativa e all’espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerandomi ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare veramente un artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, al Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi sfiorava l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera nel business, l’arte è sempre stata parte di me, a fuoco lento sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, spero sempre di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo il ritiro dalla carriera aziendale, mi sono dedicato pienamente alla pittura. Ho aperto il mio studio a Parigi e ho cominciato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e nei Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande, in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questa procedura mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—una cosa che accetto. Permetto esperimenti casuali—tutto è lecito per aggirare la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, lasciando spazio a rivelazioni e scoperte quando l'opera è finalmente esposta. Ma, chiariamo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo pone le domande; le coincidenze significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è impegnativo ma liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità "ascetica": sono felice quando riconosco delle "necessità irreducibili", cioè ciò che probabilmente scopriremo quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente semplice il mio approccio. Neanche l'"emozione" né la "concezione teorica", ma l'esperienza dell'essere. Né un "consumo rapido" né un’"intellettualizzazione / possesso intellettuale", ma un ampliamento della coscienza e l’esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di sé stessi. Conseguentemente, non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno neanche ragione d’essere, né fine, né scopo. Mentre il mio lavoro potrebbe a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, rimane quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e trama, delle parti mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra dettagli per il vicino (un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo) e distanza per il tutto incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspectivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere realizzato. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una convivenza con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie abilità e ad esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Dipingere, per me, è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di un colore così perfetto che non abbia bisogno di noi. L’era dell’informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione nel vedere."

Sullcoerenza nella mia pratica

Nell’orizzonte dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i quieti risultati di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a staccarsi dalla decodifica, e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare che un quieto evento da sentire—modellato dalla luce mutevole, dagli strati traslucidi e dal leggero riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso noto, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove l’idea incontra la mano: il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di sé” indipendente, completamente rivelato solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Sostenere queste intenzioni significa mantenere alcuni paradossi delicati che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini attenti. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” tramite opere che chiamo prive di significato. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una quieta presenza, una palpabile quiete.

Nostalgia del Presente
Una tenera nostalgia persiste nell’opera, eppure è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per “le necessità irreducibili” trovate nel "silenzio e nella luce"—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre discretamente.

Sforzo e Sforzo Minore
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che sembra perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’era dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica deve molto allo spirito dell’Art Informel, seppur con meno angoscia e più calma—un informalismo dove il caso non è una rottura, ma un collaboratore discreto.

Nel suo cuore c’è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivente. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. Le dimensioni modeste che spesso scelgo servono a incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica radicata nel quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner