Anton Kaestner - #497 - M - " Djebel ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#497 - M - " Djebel ".

Acrilico spray su lastra di plexiglas di 3 mm (anti-UV).
Questo quadro non è una stampa. Si tratta di un'opera originale "multistrato" il cui effetto lucido "glossy" simile all'applicazione di una resina è unico.

Dimensioni: inches 19,7 * 15,4 * 0,12 / 50 * 39 * 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 524 impiallacciatura Rovere (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) o altra finitura consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 90€TTC.

L'opera è firmata sul retro.
Accompagna un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e possibilità di scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata la mia passione per la vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che grandi quadri ti colpiscono in pieno, dominate e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto di più. Sono stato attratto inizialmente dalla pittura non figurativa e dall'espressionismo astratto.
Nel tempo, e pur considerandomi ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare davvero artista non è stato immediato.
Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel business che mi ha portato in giro per il mondo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per la Belgio, l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersi nelle scene artistiche locali e mi rapportai con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione alla carriera professionale, l’arte è sempre stata parte di me, sobientemente che bolliva sotto la superficie. Per quasi 30 anni, dipingere divenne una forma di meditazione segreta per me—a way to break free from the world and focus on my inner self.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze autentiche. Attraverso l’arte, spero sempre di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, una possibilità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera nel business, mi sono dedicato completamente alla pittura. Ho istituito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho avviato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente guadagnato riconoscimento, trovando casa in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 ho trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra individuale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta delicata. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Per permettere a “esperimenti casuali” -qualsiasi cosa va bene per interrompere la ragione! - di guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio per rivelazioni e scoperte quando l'opera è finalmente esposta. Ma chiariamo: nelle mie immagini la casualità non prende mai le decisioni; al massimo, la casualità pone le domande; i significativi “coincidenze” sono possibili solo con molto rigore. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è sfidante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco le “necessità irriducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo volutamente il mio approccio semplice. Né “emozione” né “concepimento teorico” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intelectualizzazione/possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al centro della vita”, per ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragione di essere, né fine, né scopo. Sebbene la mia opera possa a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglass conferisce al dipinto una pelle tremolante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni opera agisce come un discreto specchio: vive, cambia, vede. L'interazione di luce, colore e texture, degli elementi mancanti incluso, richiede solo empatia. Auspico che il gioco tra “dettagli per il vicino” - un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo - e “distanza per l'insieme” incoraggerà gli spettatori a intraprendere i propri percorsi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e voglio rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogarsi e crescere. Ogni nuova creazione è una confronto con i miei limiti, che mi spinge a affinare le mie competenze ed esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Pitturare per me è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non avere bisogno di noi. L'era dell'informalità è solo all'inizio.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere".

Sullcoerenza della mia pratica

Nel panorama dell'arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi sfavillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i risultati silenziosi di una lunga e deliberata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette che essa emerga.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Distacco dal Significato Imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a fare un passo indietro dalla decodifica, verso una forma di osservazione più diretta.

Questo porta alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che considero un “esperienza dell'essere”. L'opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—modellato da luce mutevole, strati traslucidi, e dal lieve riflesso dello sguardo del visitatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso osservo, l'opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Pitturare sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole del controllo nell'atto di creare. Imposto condizioni, ma cedo l'esito, lasciando che la pittura diventi ciò che chiamo un “oggetto di se stessa” indipendente, completamente rivelato solo al completamento. È una parallela silenziosa allo sviluppo fotografico—un'attesa paziente per ciò che arriva “qui ed ora.”

Afferrare queste intenzioni comporta alcune paradossi gentili che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una calma palpabile.

Nostalgia per il Presente
Una dolce nostalgia resta nel lavoro, ma è curiosamente mirata al presente: un desiderio per le “necessità irriducibili” trovate nel “silenzio e la luce”—un desiderio di pura presenza che l'opera stessa offre quietamente.

Sforzo e Sforzo-niente
Il processo richiede attenzione costante, ma mira a un risultato che sembri autonomo, come se fosse “emerso di sua volontà.” Sono attratto da ciò che appare completamente inevitabile.
In questo spirito, ho iniziato a sentire che “l'età dell'informalità è appena iniziata.” La mia pratica deve molto allo spirito dell'Arte Informale, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informalità dove il caso non è una rottura, ma un silenzioso collaboratore.

Nel cuore c'è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivo. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo serve a incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.
Alla fine, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di un'unica ricerca. Ho trovato che una pratica fondata sul quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso disciplina e chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner