Anton Kaestner - #485 - M - " Paysage #1 ".

Pezzo unico, pittura originale di Anton Kaestner, direttamente dal suo studio.
#485 - M - "Paesaggio #1".

Acrilico spray su lastra in plexiglas da 3 mm (antiusura UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale a "multi-strati" dalla resa lucida "glossy", quasi come se fosse applicata una resina, unico nel suo genere.

Dimensioni: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 placcaggio Rovere Bianco (pollici 0,23 x 1,38 / cm 0,6 x 3,5) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un importo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
Viene accompagnato da un Certificato di Autenticità.
La consegna è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte in tutta Europa, in Svizzera e a Dubai. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, in Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed é stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di ciò che sarebbe diventata nel tempo la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando una miriade di acrilici in taccuini A4 e poi A3 - ho sempre ritenuto che grandi quadri vadano incontro a chi osserva, in modo dominante e intimidatorio, mentre le opere piccole possono suscitare molto più amore. Inizialmente fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e pur considerando me stesso ateo, ho sviluppato anche una passione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho seguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, al Belgio, attraverso l’Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a un ampio ventaglio di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immersevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione rivolta alla mia carriera aziendale, l’arte è sempre stata parte di me, bollendo silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura divenne una forma di meditazione segreta per me—un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato grande soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, l’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla mia carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta l’Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vacante a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", presenta a Parigi a fine 2024, proponeva un approccio distintivo all’arte, distante dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglas riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e talvolta fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Permetto esperimenti “casuali”—tutto è lecito per interrompere la ragione!—di guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio per rivelazione e scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma chiarisco: nelle mie immagini la casualità non prende le decisioni; al massimo pone le domande; coincidenze significative sono possibili solo con grande disciplina. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissazione della fotografia, è impegnativo e liberatorio. I valori della composizione si arricchiscono di strati e trasparenze, pur dando a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né “emozione” né “concezione teorica”, ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione/possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili, la mia arte è una ricerca della “vita nel cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Pur con una nostalgia che è sempre parte del mio lavoro, i miei dipinti sono privi di oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza non hanno né contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che non hanno né ragion d’essere, né fine, né scopo. Pur potendo a volte evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, restano quasi completamente astratti. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come uno specchio discreto: vive, cambia, vede. L’interazione tra luce, colore e texture, e anche le parti mancanti, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il vicino”—un dettaglio di un quadro è un quadro completamente nuovo—e “distanza per l’insieme” incoraggino gli osservatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero restare umile su ciò che è possibile realizzare. Semplicemente, trovo soddisfazione nel processo continuo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è un confronto con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare oltre ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’epoca dell’informale è ancora agli inizi.

Come direbbe Jean Bazaine: «La pratica quotidiana moltiplica la passione per il vedere».

Sull’aderenza della mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno lo stesso peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi brillanti di colore e luce all’interno del plexiglas—sono i risultati silenziosi di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa tra pensiero e processo che permette di emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenti allineati.

Il primo è un Ritirarsi da un significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato o senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa di narrazione. È un invito ad allontanarsi dalla decifrazione e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce al secondo intento: la Primazia dell’Esperienza Vivo. In quello spazio aperto, cerco di porre ciò che considero una “esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare e più un tranquillo evento da sentire—modellato dalla luce che cambia, dagli strati traslucidi e dal lieve riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come noto spesso, l’opera “vive, cambia, vede”.

Il terzo è dove l’idea incontra il gesto: Processo come Pensiero Incarnato. Pitturare sul retro del plexiglas, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciare andare. È una liberazione consapevole dal controllo nell’atto del creare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, completamente rivelato solo al completamento. È un parallelo silente allo sviluppo fotografico—una paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora”.

Tenersi a queste intenzioni comporta alcuni paradossi leggeri che sostengono il lavoro:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite accolto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una quieta presenza, una palpabile immobilità.

Nostalgia del Presente
Una dolce nostalgia permane nel lavoro, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio per le “necessità irriducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un augurio di pura presenza che l’opera stessa offre silenziosamente.

Sforzo e Sforzo Immediato
Il processo richiede costante attenzione, ma punta a un risultato che sembra autonomo, come se fosse “emerso da sé”. Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sento che “l’era dell’informale è appena iniziata”. La mia pratica deve molto allo spirito dell’Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informalità in cui il caso non è una rottura, ma un collaboratore silenzioso.

Al centro vi è una ricerca del “le vif”—il nucleo vivo. L’opera tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che spesso scelgo è pensata per favorire l’intimità, non lo spettacolo.

In fondo, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata sul silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner