Anton Kaestner - #484 - M - " Paysage #2 ".

Opera unica, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#484 - M - "Paesaggio #2".

Acrilico spray su lastra di plexiglas 3 mm (UV-protetto).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un’opera originale "multi-couche" il cui aspetto lucido "glossy", simile all’applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni: 17,3" x 12,6" x 0,12" / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto viene fornito senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 applicata in Rovere Bianco (polissage: 0,23" x 1,38" / 0,6 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione per un costo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L’opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità l’accompagna.
La spedizione è coperta da assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte in tutta Europa, in Svizzera e a Dubai. Ulteriori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Gineva, in Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività è stata valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, la cui influenza ha piantato il seme di quella che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando numerosissimi acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre percepito che i grandi dipinti ti affrontano direttamente, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. All’inizio fui attratto dalla pittura non figurativa e dall’espressionismo astratto.
Con il tempo, e sebbene mi consideri ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali in quanto risuonano con la mia esplorazione dell’esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il percorso per diventare veramente artista non fu immediato.
Per oltre tre decenni ho perseguito una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in tutto il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, dal Belgio all’Asia e alla Francia. I miei viaggi hanno allargato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e insieme all’energia creativa di ogni luogo.
Nonostante l’attenzione alla carriera imprenditoriale, l’arte è sempre stata parte di me, silenziosamente bollendo sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me - un modo per liberarmi dal mondo e concentrarmi sul mio io interiore.

Ho sempre trovato enorme soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Attraverso la mia arte, ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un’opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera aziendale, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho aperto il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente all’arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimento, trovando posto in collezioni private in tutta Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

Curriculum Artistico

La mia prima mostra personale, "Échos", tenuta a Parigi alla fine del 2024, ha mostrato un approccio distintivo all’arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e spray sul retro di plexiglass riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucida e a volte fragile. Questo processo mi dispone a non vedere l’opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivo né controllo durante il processo—qualcosa che accetto. Consento esperimenti casuali—tutto è lecito per mettere alla prova la ragione!—per guidare l’esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lascio spazio alla rivelazione e alla scoperta quando l’opera è finalmente esposta. Ma sia chiaro: nelle mie immagini la sorte non prende mai le decisioni; al massimo, la sorte pone domande; coincidences significative sono possibili solo con una grande disciplina. Questo approccio che riecheggia il processo di rivelazione / fissazione della fotografia è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni lavoro una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco delle “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo il mio approccio volutamente semplice. Né "emozione" né "concezione teorica" ma esperienza dell’essere. Né "consumo rapido" né "mentalizzazione / possesso intellettuale", bensì ampliamento della coscienza ed esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della "vita al centro della vita", di ciò che Alain Damasio chiama "le vif". Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno contenuto, né significato, né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch’essi non hanno né ragione d’essere, né fine, né scopo. Sebbene a volte il mio lavoro possa evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, resta quasi interamente astratto. Inoltre, il plexiglass conferisce alla pittura una pelle scintillante da cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo spettatore. Ogni lavoro funziona come un luogo-mirror discreto: vive, cambia, vede. L’interazione di luce, colore e texture, anche dei pezzi mancanti, richiede solo empatia. Si spera che il gioco tra “dettagli per il close-up” - un dettaglio di un’immagine è un’immagine completamente nuova - e “distanza per l’insieme” incoraggi gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che può essere raggiunto. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie capacità e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me la pittura è un mestiere quotidiano, un’esplorazione, un modo per stimolare conversazioni significative, una ricerca di una pittura così perfetta da non aver bisogno di noi. L’età dell’informalismo è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere."

Sulla coerenza nella mia pratica

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno peso pari, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. Le mie pitture—campi scintillanti di colore e luce all’interno del plexiglass—sono i quieti risultati di un’indagine lunga e deliberata. Per me, il vero focus è meno l’immagine finale che l’interazione silenziosa di pensiero e processo che permette la sua emergenza.

Questa pratica si sostiene su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritiro dal Significato Imposto. Descrivendo i lavori come “senza oggetto” e avendo “né contenuto, né significato, né senso”, spero di allentare delicatamente l’aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica, e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell’Esperienza-Stata. In quello spazio aperto, cerco di inserire quella che considero un’“esperienza dell’essere”. Il lavoro diventa meno un oggetto da interpretare e più un evento quieto da sentire—modellato da luci mutevoli, strati trasparenti e dal lieve riflesso dello sguardo dello spettatore che incontra il proprio sguardo. Come spesso sottolineo, l’opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea incontra mano: Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglas, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole di controllo nell’atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo al dipinto di diventare ciò che chiamo un “oggetto di se stesso” indipendente, rivelato pienamente solo al termine. È un parallelo silenzioso allo sviluppo fotografico—un’attesa paziente di ciò che arriva “qui ed ora.”

Tenersi ferme a queste intenzioni comportano alcuni delicati paradossi che sostengono l’opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro limiti accurati. Il caso è un ospite benvenuto, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che chiamo prive di senso. Forse ciò che viene condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una presenza quieta, una immobilità palpabile.

Nostalgia del Presente
Una leggera nostalgia persiste nell’opera, ma è curiosamente rivolta al presente: un desiderio delle “necessità irreducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di pura presenza che l’opera stessa offre dimeticamente.

Impegno e Sforzo Oltre lo Sforzo
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se fosse “emerso di propria volontà.” Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, ho imparato che “l’età dell’informale è appena iniziata.” La mia pratica è debitore allo spirito dell’Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un’informalità in cui il caso non è una rottura, ma un quieto collaboratore.

Nel cuore c’è una ricerca di “le vif”—il nucleo vivo. Il lavoro tende all’esperienza diretta piuttosto che all’intellettualizzazione. La modesta scala che scelgo spesso è pensata per incoraggiare l’intimità, non lo spettacolo.

In definitiva, questa è semplicemente la strada di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e le mie riflessioni non sono fili separati, ma parti di una sola ricerca. Ho scoperto che una pratica basata su un quieto paradosso non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner