Anton Kaestner - #510 - M - " Suncub ".

Opera unica, dipinto originale di Anton Kaestner, direttamente dallo studio.
#510 - M - "Suncub".

Acrilico in spray su lastra di plexiglass di 3 mm (anti-UV).
Questo dipinto non è una stampa. Si tratta di un'opera originale a "multi-strati" il cui aspetto lucido "glossy", simile all'applicazione di una resina, è unico.

Dimensioni : 17,3 x 12,6 x 0,12 pollici / 44 x 32 x 0,3 cm senza cornice.

Questo dipinto è consegnato senza cornice.
Cornice di qualità del marchio tedesco Nielsen in alluminio, riferimento 34 520 lucidato Bianco Rovere (17,5 x 3,5 cm) consigliata e disponibile al momento della spedizione a un costo aggiuntivo di 90€ IVA inclusa.

L'opera è firmata sul retro.
La Certificazione di Autenticità l'accompagna.
La spedizione è coperta da un assicurazione.

Anton Kaestner è un pittore, scultore e autore svizzero con base a Parigi. Le sue opere sono esposte ovunque in Europa, in Svizzera, a Dubai e in Giappone. Maggiori informazioni e scelta su www.antonkaestner.com.

Prossima mostra personale - Ginevra gennaio 2027.

Biografia

Nato a Ginevra, Svizzera, sono cresciuto circondato dalla bellezza naturale e dalla ricchezza culturale della mia terra. La creatività era valorizzata nella mia famiglia, ed è stato mio nonno, artigiano e artista, a lasciare l'influenza che ha piantato il seme per quello che sarebbe diventata la passione della mia vita.
Nel 1993 ho iniziato a dipingere privatamente, sperimentando innumerevoli acrilici in quaderni A4 e poi A3 - ho sempre sentito che i grandi dipinti arrivano direttamente a te, dominanti e intimidatori, mentre le opere piccole possono ispirare molto più amore. Inizialmente mi sono avvicinato alla pittura non figurativa e all'espressionismo astratto.
Con il tempo, e anche se mi considero ateo, ho sviluppato anche una predilezione per materiali spirituali poiché risuonavano con la mia esplorazione dell'esistenza umana e delle verità più profonde della natura e della vita.

Tuttavia, il cammino per diventare veramente un artista non è stato immediato.

Per oltre tre decenni ho intrapreso una carriera internazionale nel mondo degli affari che mi ha portato in giro per il globo, dagli Stati Uniti al Marocco, passando per il Belgio, l'Asia e la Francia. I miei viaggi hanno ampliato la mia prospettiva, esponendomi a una vasta gamma di influenze culturali. Ovunque andassi, mi immergevo nelle scene artistiche locali e mi confrontavo con l'energia creativa di ogni posto.
Nonostante l'enfasi sulla mia carriera imprenditoriale, l'arte è sempre stata parte di me, che bolliva silenziosamente sotto la superficie. Per quasi 30 anni, la pittura è diventata una forma di meditazione segreta per me—un modo per sfuggire al mondo e concentrarmi sul mio sé interiore.

Ho sempre trovato immensa soddisfazione nel dipingere. Ogni nuova opera è un viaggio in cui posso mettere alla prova la mia creatività, esplorare nuove tecniche e vivere esperienze genuine. Con la mia arte ho sempre sperato di offrire agli altri un sincero incontro con la bellezza, un'opportunità di vedere il mondo da una prospettiva diversa e riflettere sulle proprie vite.

Nel 2023, dopo essermi ritirato dalla carriera negli affari, mi sono completamente dedicato alla pittura. Ho stabilito il mio studio a Parigi e ho iniziato a dedicarmi interamente alla mia arte. Entro la fine del 2024 ho lanciato la mia carriera artistica pubblica e, con mia sorpresa, il mio lavoro ha rapidamente ottenuto riconoscimenti, trovando spazio in collezioni private in tutta l'Europa, soprattutto in Germania, Portogallo, Belgio, Italia e Paesi Bassi.

Alla fine del 2025 mi sono trasferito in uno studio più grande in una sacrestia vuota a Lisieux, Normandia.

CV Artistico

La mia prima mostra individuale, "Échos", allestita a Parigi alla fine del 2024, ha presentato un approccio distintivo all'arte, lontano dalle tecniche pittoriche tradizionali: dipingo con acrilici, pigmenti metallici e aerosol sul retro di plexiglas riciclato estruso (Perpex), una superficie leggera, liscia, lucente e a volte fragile. Questo processo mi impedisce di vedere l'opera mentre si sviluppa. Non ho feedback visivi o controllo durante il processo—qualcosa che accolgo. Allowo esperimenti “casuali”—tutto è permesso per cortocircuitare la ragione!—per guidare l'esito, gli strati e gli effetti a specchio che creo, e lasciare spazio a rivelazioni e scoperte quando l'opera viene finalmente esposta. Ma per essere chiari: nelle mie immagini la fortuna non prende mai le decisioni; al massimo, la fortuna pone le domande; coicidenze significative sono possibili solo con molto rigore. Questo approccio, che richiama il processo di rivelazione/fissaggio della fotografia, è stimolante e liberatorio. I valori della composizione sono arricchiti da strati e trasparenze, pur conferendo a ogni opera una qualità “ascetica”: sono felice quando riconosco “necessità irreducibili”, cioè ciò che è probabile scoprire quando ci fermiamo in silenzio e luce.

Mantengo deliberatamente semplice il mio approccio. Né “emozione” né “ concezione teorica” ma esperienza dell’essere. Né “consumo rapido” né “intellettualizzazione / possesso intellettuale”, ma allargamento della coscienza e esplorazione della realtà, delle sue storie visibili e invisibili; la mia arte è una ricerca della “vita al cuore della vita”, di ciò che Alain Damasio chiama “le vif”. Sebbene la nostalgia sia sempre stata parte del mio lavoro, i miei dipinti non hanno oggetto. Come tutti gli oggetti, sono oggetti di se stessi. Di conseguenza, non hanno né contenuto né significato né senso; sono come cose, alberi, animali, uomini o giorni, che anch'essi non hanno né ragion d'essere né fine né scopo. Pur potendo talvolta evocare la trasparenza e la luminosità del vetro colorato, la pittura rimane quasi interamente astratta. Inoltre, il plexiglas conferisce al dipinto una pelle scintillante in cui si può intravedere la propria silhouette, diversa per ogni nuovo osservatore. Ogni opera agisce come un ampio specchio: vive, cambia, vede. L'interplay di luce, colore e texture, di parti mancanti anche, richiede solo empatia. Spero che il gioco tra “dettagli per il vicino” - un dettaglio di un dipinto è un dipinto completamente nuovo - e “distanza per l'insieme”, incoraggerà gli spettatori a intraprendere i propri viaggi introspettivi.

Non pretendo di avere tutte le risposte e desidero rimanere umile su ciò che è possibile ottenere. Semplicemente, trovo soddisfazione nel continuo processo di interrogazione e crescita. Ogni nuova creazione è una confrontazione con i miei limiti, che mi spinge a perfezionare le mie competenze e a esplorare ulteriormente ciò che posso realizzare. Per me dipingere è un mestiere quotidiano, un'esplorazione, un modo per suscitare conversazioni significative, una ricerca di una vernice così perfetta da non aver bisogno di noi. L'epoca dell'informale è appena iniziata.

Come direbbe Jean Bazaine: "La pratica quotidiana moltiplica la passione per vedere."

Sullcoerenza nel mio lavoro

Nel panorama dell’arte contemporanea, dove concetto e forma hanno pari peso, cerco di creare opere definite non dalla prominenza, ma dalla presenza. I miei dipinti—campi scintillanti di colore e luce all'interno del plexiglass—sono i silenziosi risultati di una lunga e meditata indagine. Per me, il vero focus è meno l'immagine finale che l'interazione silenziosa tra pensiero e processo che ne permette l'emergere.

Questa pratica si fonda su tre intenzioni allineate.

La prima è un Ritirarsi dal significato imposto. Descrivendo le opere come “senza oggetto” e prive di “contenuto, significato e senso”, spero di allentare delicatamente l'aspettativa narrativa. È un invito a allontanarsi dalla decodifica e verso un modo di guardare più diretto.

Questo conduce alla seconda intenzione: la Primazia dell'Esperienza Vissuta. In quello spazio aperto, cerco di collocare ciò che definisco un “esperienza dell'essere.” L'opera diventa meno un oggetto da interpretare e più un quieto evento da sentire—plasmato da luci mutevoli, strati traslucidi e il cambiamento del riflesso dell'osservatore che incontra finalmente il proprio sguardo. Come spesso annota, l'opera “vive, cambia, vede.”

La terza è dove idea e mano si incontrano: Il Processo come Pensiero Incarnato. Dipingere sul retro del plexiglass, lavorando senza feedback visivo, è una pratica fisica di lasciar andare. È un rilascio consapevole del controllo nell'atto del fare. Imposto condizioni, ma cedo l’esito, permettendo alla pittura di diventare ciò che chiamo un “oggetto di sé” indipendente, pienamente rivelato solo al completarsi. È un parallelo silenzioso al sviluppo fotografico—un paziente attesa di ciò che arriva “qui e ora.”

Mantenere queste intenzioni comporta alcune piccole persone paradossali che sostengono l'opera:

Caso e Disciplina
Parlo di “coincidenze significative”, ma sono possibili solo entro confini accurati. Il caso è un ospite auspicato, ma la struttura è costruita con cura.

Comunicazione Senza Messaggio
Spero di “comunicare qualcosa” attraverso opere che considero prive di significato. Forse ciò che è condiviso non è una dichiarazione, ma uno stato—una texture di luce, una quieta presenza, una palpabile quiete.

Nostalgia del Presente
Una morbida nostalgia permea l'opera, ma è curiosamente rivolta al presente: una brama per le “necessità irriducibili” trovate nel “silenzio e nella luce”—un desiderio di presenza pura che l'opera stessa offre discretamente.

Impegno ed Effortless
Il processo richiede una costante attenzione, ma mira a un risultato che appaia autonomo, come se “sia emerso da sé.” Sono attratto da ciò che appare perfettamente inevitabile.
In questo spirito, sento che “l'età dell'informale è solo all'inizio.” La mia pratica deve molto allo spirito dell'Art Informel, sebbene forse con meno angoscia e più calma—un informale dove il caso non è una rottura, ma una collaboratrice silenziosa.

Al centro c'è una ricerca del "le vif"—il nucleo vivo. L'opera tende all'esperienza diretta piuttosto che all'intellettualizzazione. La scelta di una scala modesta è pensata per incoraggiare l'intimità, non lo spettacolo.

In fin dei conti, questa è semplicemente il percorso di un solo artista. La mia biografia, il mio processo e i miei riflessi non sono fili separati, ma parti di una singola ricerca. Ho scoperto che una pratica fondata su un silenzio paradossale non deve essere fragile. Attraverso la disciplina e la chiarezza, tali tensioni possono diventare, credo, una fonte di resilienza.

Anton Kaestner