Antonio Morato (1903-1989) - Composizione con Volti

AUTORE

Antonio Morato (Este, 17 marzo 1903 – Padova, 13 marzo 1989) si formò nella vivace Padova degli anni Venti al di fuori dei tradizionali percorsi accademici. Inizialmente vicino alle istanze del "Novecento", si distinse per una spiccata sensibilità figurativa fondata su un'adesione istintuale alla realtà. Amava infatti definire gli artisti come "animali con gli occhiali", capaci di captare in anticipo ciò che circolava nell'aria. Nelle prime tele, dedicate a nature morte, maschere e vedute, coniugò un genuino animo popolare con un'estrema cura formale e compositiva.

Nel dopoguerra il suo linguaggio si evolse assimilando le scomposizioni spaziali picassiane e il cromatismo di Matisse, per poi approdare, a partire dalla fine degli anni Cinquanta, a una produzione più intima e disincantata. Rifuggendo le mode passeggere, la sua fase tarda assunse toni maggiormente introspettivi: il primitivo canto idilliaco del paesaggio veneto lasciò il posto a una pittura che esprimeva un palpabile fastidio per l'avanzare dell'urbanizzazione e della civiltà industriale. I suoi soggetti tipici vennero così resi attraverso una stesura cromatica più scarna ed essenziale, mantenendo il colore come elemento centrale nella costruzione dei volumi.

Dal punto di vista tecnico, oltre a essere un valente pittore da cavalletto capace di spaziare dall'olio all'uso del pastello, Morato fu un eccellente frescante. Tra le sue opere pubbliche più prestigiose spiccano le decorazioni della "Sala delle studentesse" al Palazzo del Bo e i cicli ad affresco, tra cui la "Via Crucis", nella Chiesa padovana della Sacra Famiglia (1939-1940). Oggi i suoi lavori, testimonianza preziosa dell'intero arco della sua parabola stilistica, sono conservati e valorizzati nelle collezioni civiche della città di Padova e fanno parte di prestigiose raccolte private, confermando l'importanza di questo originale e solitario interprete del Novecento veneto.

"Composizione con Volti", tecnica mista su tavola, 80x70cm, databile agli anni '60, seppur non firmato il dipinto e' di mano certa del Morato, sia per comparazione che per provenienza, in quanto proveniente dagli eredi del pittore stesso. Si fornisce regolare certificato d'autencicita' e provenienza.

Nel dipinto Antonio Morato dà vita a una suggestiva visione metapittorica, sospesa tra lo spazio raccolto dell'atelier e il palcoscenico della memoria. La scena è dominata da una grande struttura rettangolare poggiata su due montanti, assimilabile a un paravento, a una quinta teatrale o a una tela sul cavalletto che si staglia all'interno di un ambiente spoglio. Entro i confini di questo riquadro si dispiega un denso caleidoscopio figurativo: lungo il margine sinistro affiora la figura malinconica di una maschera affine a un Pierrot, riconoscibile dal volto chiaro con gli occhi socchiusi, dal copricapo e dalla veste bianca scandita da grandi bottoni neri; sulla destra emergono invece altri volti scolpiti nel verde, simili a busti o apparizioni assorti nel silenzio. Al centro, tra frammenti geometrici, segni ritmici su fondo rosato e accensioni astratte, una forma sinuosa giallo-verdastra sembra animarsi fino a traboccare oltre il bordo inferiore del pannello, riversandosi sul pavimento sottostante accanto a piccoli lembi di colore.

L'impianto compositivo si regge su un raffinato contrasto tra la rigorosa quadratura ortogonale dello spazio esterno — scandito dalla fascia orizzontale del suolo e dalla quinta verticale di destra — e il libero proliferare di piani sfaccettati all'interno del riquadro, la cui cornice viene poeticamente infranta dallo sconfinamento centrale verso il basso. La pennellata, distesa e pacata nelle campiture che definiscono la stanza, si fa via via più nervosa, materica e frammentata dentro il pannello, alternando tocchi rapidi, tasselli corposi e incisivi accenti grafici. Il vero fulcro dell'opera risiede nella magistrale costruzione e armonia cromatica, in cui è il colore stesso a generare l'architettura spaziale e a modulare la profondità: le zone calme e avvolgenti dell'ambiente, giocate sulle terre sabbiose del pavimento e sul profondo viola indaco della parete destra, fungono da cassa di risonanza per la preziosa orchestrazione timbrica racchiusa nel telaio. Qui i verdi smeraldo e giada, i gialli, i rossi carminio, gli aranci e i rosa cipria si incastrano come in un mosaico luminoso, trovando nei bianchi gessosi della maschera di sinistra il proprio vertice di luce e componendo un accordo tonale di straordinaria musicalità ed equilibrio formale.

Riconducibile agli anni Sessanta, il dipinto appartiene pienamente alla stagione matura di Morato, inaugurata sul finire del decennio precedente nel segno di una ricerca sempre più intima, introspettiva e disincantata. La lezione europea assimilata nel dopoguerra — evidente tanto nella scomposizione spaziale di matrice picassiana che frantuma l'immagine in un incastro prismatico di piani, quanto nella libertà espressiva del colore memore di Matisse — approda in questa fase a una sintesi più scarna ed essenziale, dove il dato cromatico resta il cardine assoluto nella costruzione plastica dei volumi. Rifuggendo le mode passeggere per seguire una solitaria coerenza, Morato recupera il tema a lui caro delle maschere e quell'animo popolare che aveva nutrito i suoi esordi patavini, confermandosi quell'«animale con gli occhiali» dotato di ricettività istintiva, capace di captare ciò che circola nell'aria e di condensare gli echi del teatro umano in una lirica architettura pittorica.

CONDITION REPORT

Buona la condizione generale. Opera con cromia e pennellata vivide e ben leggibili. Minuscole cadute di colore nella parte sinistra (vedi foto).

La foto del dipinto inserito in un'ambientazione e' generata con l'intelligenza artificiale, ed e' da ritenersi puramente esemplificativa. Fanno testo solo le foto rimanenti, che mostrano in maniera fedele l'oggetto e le sue caratteristiche, sia generali che di dettaglio.

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