Salvator Rosa (1615-1673), Atribuído a - Sant’Onofrio

Atribuído a SALVATOR ROSA
(Nápoles, 1615 – Roma, 1673)
Santo Onofrio
Óleo sobre tela, 45 x 40 cm
Tamanho da moldura cm. 65 x 60 x 6 aprox.


NOTA: Hampel, Munique, leilão de 25 de setembro de 2025, 207, atribuído a Salvator Rosa (Nápoles, 1615 – Roma, 1673). Catálogo publicado de obras da coleção Intermidiart. Certificado de Garantia e Proveniência Legal. Obra com moldura dourada e trabalhada (defeitos):

A pintura apresenta amplo espaço apesar de seu tamanho modesto e se desdobra verticalmente. Embora o elemento religioso seja proeminente, a natureza retratada em primeiro plano chama a atenção por sua precisão e realismo. A cena retrata um episódio da vida de Santo Onofre, que viveu por volta do século IV e é mais conhecido por sua vida como eremita no deserto egípcio. Segundo a tradição hagiográfica, sua existência foi revelada a um monge, Pafnúcio, que, guiado por um cervo, o encontrou em uma área remota do deserto. Santo Onofre viveu em completa solidão por muitos anos, vestindo-se apenas com tufos de grama, alimentando-se de tâmaras e orando incessantemente. Sua morte ocorreu um dia após seu encontro com Pafnúcio, que posteriormente compartilhou a história de sua vida e santidade. Santo Onofre é frequentemente retratado com uma longa barba e cabelos cobertos de folhas, um símbolo de sua vida ascética. Ele é venerado como protetor de soldados e órfãos e considerado um intercessor para encontrar objetos perdidos. Sua festa litúrgica é celebrada em 12 de junho. A disseminação de seu culto no Ocidente é atribuída aos monges beneditinos que levaram suas relíquias para a Itália.
Na pintura, o santo é retratado como um homem maduro, barbudo, de figura robusta e aparece nu, vestido com uma tanga feita de folhas, enquanto se prepara para caminhar em uma cena que retrata uma paisagem rural com rochas e árvores, segurando um rosário na mão.
Apesar de algumas restaurações, a pintura ainda exibe sua qualidade expressiva, com um caráter caravaggesco e naturalista que sugere uma atribuição a um talentoso pintor do sul da Itália, atuante em Nápoles.
A tela em questão, atribuída a Salvator Rosa (Nápoles, 1615 – Roma, 1673) pelo historiador napolitano Stefano Causa, pode datar do período em que a influência do naturalismo napolitano ainda era predominante. A pintura retrata um vislumbre de uma paisagem campestre, com um promontório rochoso e árvores emoldurando — como pano de fundo — a figura do Santo.
O caráter geral da obra, de fato, apresenta pinceladas rápidas e uma ênfase vigorosa, típicas dos trabalhos de Salvator Rosa e sua oficina. O estilo é preciso, com uma paisagem inovadora e um intenso claro-escuro, caracterizado por céus nublados e um cromatismo plúmbeo.
Salvator Rosa nasceu em Nápoles, onde recebeu uma sólida educação. Em 1629, matriculou-se como noviço nas Escolas Pias do Padre Calasanzio, das quais saiu em 1631 para continuar sua formação artística com o ainda jovem Francesco Fracanzano (Monopoli, 1612; Nápoles, 1656). Sua associação com o pintor da Apúlia, cuja colaboração com Giuseppe Ribera é bem documentada, mostrou-se crucial, oferecendo-lhe a oportunidade de frequentar não apenas o ateliê do célebre artista espanhol, mas também os círculos intelectuais mais progressistas da época. Destacar as origens napolitanas de Rosa, portanto, não apenas valida um fato biográfico, mas também distingue seu caráter e o desenvolvimento de uma direção estilística e cultural específica.
O professor Causa, em seu livro “Melhor Manter Silêncio: Salvator Rosa e os Desconfortos da Crítica”, de 2009, escreveu: “Se o epíteto ‘antipático’ pudesse ser usado na gramática acadêmica, Salvator Rosa, nascido em Nápoles em 1615 e falecido em Roma em 1673, seria um dos artistas mais antipáticos que já existiram. Ele é muitas coisas: desenhista e gravador; pintor de paisagens e histórias; leitor de textos raros; poeta e polígrafo carrancudo, nascido sob o signo de Saturno; ator ambulante e grande viajante. A extensa correspondência que sobreviveu o caracteriza como um gênio multifacetado, em risco de dissipação. Em suma: é preciso levar em conta um personagem complexo. No autorretrato na National Gallery de Londres, ele se apresenta como um intelectual antiquado: barba desgrenhada, cabelos longos e um chapéu mole, silhuetado contra um fundo de céu tão escuro quanto sua expressão. Nada revela sua profissão principal como pintor.” pintor; a única informação, deliberadamente desconcertante, vem da inscrição em latim na pasta onde repousa: 'ou cala-te ou dizes melhor do que o silêncio.' Ou permaneces em silêncio ou dizes coisas melhor do que o silêncio." (Stefano Causa)
Em relação ao seu estado de conservação, a tela encontra-se em condições geralmente razoáveis, considerando a sua idade. A superfície pintada apresenta uma pátina e não dificulta a leitura. O suporte foi reentelado. Sob a luz de Wood, são visíveis algumas pequenas restaurações dispersas, bem como algum descascamento e oxidação ligeiros da superfície pintada, mas nada verdadeiramente significativo. Sob a luz solar, observa-se um craquelê fino, compatível com a sua idade. A tela mede 45 x 40 cm.
A pintura é realçada por uma bela moldura dourada, ornamentada, que cria um efeito altamente decorativo (a moldura mede aproximadamente 65 x 60 x 6 cm, com alguns defeitos). "A moldura mostrada nas fotos acima foi adicionada à obra de arte pelo vendedor ou por terceiros. A moldura é fornecida sem custo adicional, para que esteja pronta para ser exibida assim que chegar. A moldura é incluída como cortesia e não é considerada parte integrante da obra de arte. Portanto, qualquer dano potencial à moldura que não afete a obra de arte em si não será aceito como fundamento para reclamação ou solicitação de cancelamento do pedido."

Proveniência: Coleção particular

Publicação
Inédito;
I Miti e il Territorio na Sicília das mil culturas. Quadreria inédita: catálogo geral dos quadros da coleção do ciclo “I Miti e il territorio”, Editora Lab_04, Marsala, 2025.

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