Anton Kaestner - #319 - M - " Light from Within ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#319 - M - " Luz Interior "

Acrílico em spray sobre placa de plexiglas de 3mm.
Transparências na impressão.
Esta tabela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original 'multi-couches' cujo acabamento brilhante 'glossy', semelhante à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões : Polegadas 17,3 * 12,6 * 0,12 / 44 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Estrutura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura 514 Carvalho (0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de € 90, incluindo IVA.

A obra está assinada no verso.
Um Certificado de Autenticidade acompanha-o.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras estão expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubaí. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne março de 2026.


Biografia

Nascida em Genebra, na Suíça, cresci rodeada pela beleza natural e pela riqueza cultural da minha terra natal. A criatividade era valorizada na minha família, e foi o meu falecido avô, artesão e artista, que plantou a semente daquilo que viria a ser a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando com uma infinidade de acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre achei que quadros grandes chegam diretamente a você, dominantes e intimidadoras, enquanto as pequenas obras podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Ao longo do tempo, e embora me considero ateu, também desenvolvi um carinho por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para se tornar verdadeiramente um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, construí uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou a viajar pelo globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma vasta gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura se tornou uma forma secreta de meditação — uma maneira de me libertar do mundo e me concentrar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e vivenciar experiências genuínas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei-me para um estúdio maior, numa sacristia desocupada em Lisieux, Normandia.


Artistic CV

Minha primeira exposição solo, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, distante das técnicas tradicionais de pintura: eu pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), um material leve, liso, brilhante e às vezes
superfície frágil. Este processo impede que eu veja o trabalho como ele se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que eu acolho. Eu aceito “experimentos aleatórios” — tudo vale para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que eu crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos deixar claro: nas minhas imagens, a chance nunca toma as decisões; na melhor das hipóteses, a chance coloca as perguntas; coincidências significativas só são possíveis com muito disciplina. Essa abordagem, que faz eco ao processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que provavelmente descobriremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a “emoção” nem a “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização / posse intelectual”, mas o alargamento da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca por “vida no próprio coração da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, são objetos de si próprias. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho às vezes possa evocar a transparência e o brilho do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante na qual se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, ela muda, ela vê. A interação da luz, da cor e da textura, assim como das partes ausentes, também requer apenas empatia. Esperançosamente, a relação entre “detalhes para o close” — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo”, incentivará os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionar e crescer. Cada nova criação é um confronto com meus limites, me impulsionando a refinar minhas habilidades e explorar ainda mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."



Sobre a coerência na minha prática

No panorama da arte contemporânea, onde o conceito e a forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas—campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass—são os quietos resultados de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emergir.

Esta prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e tendo “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero suavemente afrouxar a expectativa de narrativa. É um convite a afastar-se da decodificação e a aproximar-se de uma forma de observar mais direta.

Isso conduz à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que penso ser uma “experiência de estar.” A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento quieto a ser sentido — moldada pela luz variável, camadas translúcidas e o tênue reflexo de quem o espectador encontra o próprio olhar. Como costumo dizer, a peça “vive, muda, vê.”

Terceiro é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar no reverso do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Eu estabeleço condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao revelamento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de 'coincidências' significativas, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. O acaso é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem mensagem
Espero "comunicar algo" por meio de obras que eu chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma nostalgia suave persiste na obra, ainda que curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e luz” — um desejo de pura presença que a própria obra oferece silenciosamente.
Esforço e Facilidade

O processo requer atenção constante, ao mesmo tempo em que busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse surgido por conta própria. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Neste espírito, passei a sentir que “a idade do informal mal começou.” Minha prática deve muito ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais serenidade — uma informalidade em que o acaso não é uma ruptura, mas um colaborador silencioso.

No seu âmago está a busca pelo 'le vif' — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta, em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende promover a intimidade, não o espetáculo.
No fim, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática alicerçada no paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem, acredito, tornar-se uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner