Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#355 - S - "Homenagem a Richter em Paris".

Acrílica em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Transparências na impressão.
Esta obra não é uma impressão. Trata-se de uma peça original "multi-camadas" cujo acabamento brilhante "glossy", semelhante à aplicação de uma resina, é único.
O branco é mais branco na realidade do que na foto.

Dimensões: Polegadas 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm sem moldura.

Esta pintura é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura Branco ou Prata fosco (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível durante o envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega está coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam direto a você, dominadores e intimidados, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora eu me considere ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional na área de negócios que me levou pelo mundo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhei nas cenas de arte locais e envolvi-me com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação ao pintar. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No fim de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou reconhecimento rapidamente, encontrando casas em coleções particulares por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior, em um sacristia vázio em Lisieux, Normandia.

CV artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distintiva da arte, afastando-se das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e aerossóis na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e, às vezes, frágil. Esse processo impede que eu veja a obra à medida que se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que considero benéfico. Permito “experimentos aleatórios” — tudo vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas telas, a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito discipline. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação / fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização / posse intelectual”, mas expansão da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis. Minha arte é uma busca pela “vida no interior da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha feito parte do meu trabalho, minhas telas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos em si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho possa, às vezes, evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o Plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar o próprio contorno, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação da luz, da cor e da textura, do que falta também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o próximo” — um detalhe de uma imagem é uma imagem totalmente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsiona a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma forma de acender conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal está apenas começando.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver.

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar um trabalho definido não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática assenta em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao ter “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decifração e buscar um olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldada pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do observador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde ideia encontra mão: o Processo como Pensamento Encarnado. Pintar no verso do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de abrir mão. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para esperar o que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Aleatoriedade e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A chance é convidada, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia permanece na obra, porém curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de presença pura que a obra oferece discretamente.

Esforço e Esforço-Despreendimento
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si próprio.” Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
N Nesse espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No coração está a busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática baseada no paradoxo suave não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner