Anton Kaestner - #295 - XL - " Dark Corner ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#295 - XL - "Mirror #1".

Acrílico em spray sobre placa de Perpex de 3mm.
Esta tela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 34,3 * 24,2 * 0,12 / 87 * 61,5 * 0,3 cm sem moldura.

Esta tela é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura 514 Carvalho (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 150€ IVA incluído.

A obra está assinada atrás.
Acompanhado por um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu avô falecido, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que seria, mais tarde, a minha paixão pela vida.
Em 1993, comecei a pintar em particular, experimentando inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre achei que grandes quadros chegam direto a você, dominantes e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui primeiro atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também um fascínio por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para me tornar realmente um artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou pelo globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhei nas cenas de arte locais e interagi com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após deixar minha carreira nos negócios, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando moradas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia ociosa em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastando-se das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudido (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que aceito. Permito "experimentos aleatórios" — qualquer coisa para curto-circuitar a razão! — para guiar o resultado, as camadas & efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com grande disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, conferindo a cada obra uma qualidade “ascética”: fico satisfeito quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização / possessão intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no âmago da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são desprovidas de objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens, ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Enquanto meu trabalho pode às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Esperançosamente, o jogo entre “detalhes para o perto” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentivará os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero manter a humildade sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, levando-me a aprimorar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que o quieto entrelaçamento de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa em três intenções alinhadas.

A primeira é um Retiro do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao ter “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero desvincular suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e se dirigir a um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa abertura, tento colocar o que penso ser uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela mudança de luz, camadas translúcidas e o reflexo tênue do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos gentis que sustentam o trabalho:

Azar e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. O acaso é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença quieta, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma nostalgia suave persiste no trabalho, mas curiosamente voltada para o agora: uma saudade das “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si mesmo.” Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
N Neste espírito, cheguei a sentir que “a era do informal mal começou.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade — uma informalidade onde o acaso não é ruptura, mas um colaborador silencioso.

No cerne está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que muitas vezes escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Encontrei que uma prática baseada em paradoxos quietos não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner