Anton Kaestner - #340 - L - " Dust #2 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#340 - L - " Dust #2 ".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Transparências no print.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de resina, é único.

Dimensões: Polegada 21,1 * 17,3 * 0,12 / cm 53,5 * 44 * 0,3 sem moldura.

Esta obra é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura 514 Carvalho (Polegada 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de €110 brutto (com impostos).

A obra é assinada nas costas.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega está coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço com base em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando com inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros chegam direto a você, dominantes e intimidantes, enquanto obras pequenas podem inspirar muito mais amor. Fui atraído pela primeira vez pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, também desenvolvi uma afeição por materiais espirituais, pois ressoavam com minha busca pela existência humana e pelas verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre soube oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho retorno visual nem controle durante o processo — algo que acolho. Permito "experimentos aleatórios" — qualquer coisa vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, isto é, o que provavelmente descobriremos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem "emoção" nem "concepção teórica", mas a experiência de ser. Nem "consumo rápido" nem "intelectualização / posse intelectual", mas a ampliação da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca pela "vida no próprio coração da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todo objeto, são objetos por si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho às vezes possa evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta do observador, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação da luz, cor e textura, dos pedaços ausentes também, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o perto” — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a iniciarem suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver".

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que o jogo silencioso de pensamento e processo que permite que ela surja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Imposto. Ao descrever as obras como "sem objeto" e ao dizer que possuem "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero loosenar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como costumo notar, a peça "vive, muda, vê."

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Corporificado. Pintar na parte de trás do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de desapego. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Defino condições, mas abandono o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um "objeto de si mesmo", revelado plenamente apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega "aqui e agora".

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que seja partilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma tranquilidade palpável.

Nostalgia do Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, mas é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e a luz” — um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "emergido por si só". Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Neste espírito, cheguei a sentir que "a era do informal mal começou". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

Em seu âmago está a busca por o "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática fundamentada em um paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner