Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#188 - S - "Backwash 1".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglas de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicamadas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo à aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura Branco ou Prata fosca (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanhado de Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que acabaria se tornando a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras técnicas com acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que quadros grandes chegam até você de forma dominante e intimidadora, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído inicialmente pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e mesmo me considerando ateu, desenvolvi também um apreço por materiais espirituais, pois eles ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas de arte locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e focar no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira nos negócios, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lancei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho rapidamente ganhou reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distintiva da arte, afastando-se de técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e aerossóis na parte de trás de plexiglas reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra enquanto ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que eu aceito. Permito "experimentos aleatórios" — tudo pode acontecer para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com um grande grau de disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada trabalho uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica” mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização / posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no âmago da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como qualquer objeto, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Enquanto meu trabalho às vezes evoca a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante na qual é possível vislumbrar a própria silhueta, diferente a cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos elementos ausentes também, requer apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o close” — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, empurrando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal está apenas começando.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver.

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação de pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática se apoia em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada de Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e ao declarar que possuem “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e buscar um olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento inserir o que chamo de uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o breve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde ideia encontra mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na parte invertida do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesma”, revelado plenamente apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora.”

Seguir essas intenções envolve alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que chamo de sem significado. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta tranquilidade.

Nostalgia do Presente
Uma nostalgia suave permanece na obra, mas curiosamente mirando no agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas em “silêncio e luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece em silêncio.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por sua própria conta”. Sou atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
NNeste espírito, passei a sentir que “a era do informal acabou de começar.” Minha prática é indebted to o espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a chance não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No seu cerne está a busca por “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende a uma experiência direta em vez de complexidade intelectual. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No final, isso é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada em paradoxos silenciosos não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner