Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#88 - XL - " Squander ".

Acrílico em spray sobre placa de Perpex de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cuja aparência brilhante "glossy", semelhante à aplicação de resina, é única.

Dimensões: polegadas 24,2 x 34,3 x 0,12 / 61,5 x 87 x 0,3 cm sem moldura.

Esta obra é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 Natura 514 Carvalho (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 150€ TTC.

A obra é assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega está coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci rodeado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi o meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que iria se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em privado, experimentando inúmeras pinturas em cadernos A4 e depois A3 – sempre acreditei que grandes quadros chegam direto a você, dominadores e intimidados, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e apesar de me considerar ateu, desenvolvi também uma afinidade por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e engajava-me com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo quietamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre desejei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após afastar-me da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, lanço minha carreira artística pública e, para surpresa minha, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas em toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vazia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e aerossóis na frente de plexiglass reciclado extrudado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra à medida que se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que acolho. Permito "experimentos aleatórios" — tudo vale para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas pinturas, a chance nunca toma as decisões; no máximo, a chance faz as perguntas; coincidências significativas são apenas possíveis com grande disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, porém conferem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que descubramos quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca por a “vida no próprio cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia sempre tenha feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são desprovidas de objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho por vezes possa evocar a transparência e a luminosidade de vitral, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra funciona como um espelho discreto: vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, requer apenas empatia. Espero que a relação entre “detalhes para o próximo” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero manter a humildade sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. A pintura, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal está apenas começando.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver".

Sobre a coerência na minha prática

No panorama da arte contemporânea, onde o conceito e a forma têm peso igual, procuro criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a interação silenciosa entre pensamento e processo que permite que ela emergir.

Essa prática assenta em três intenções alinhadas.

A primeira é um Retiro do Significado Imposto. Descrevendo as obras como “sem objeto” e sem “conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, procuro colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz oscilante, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Estabeleço condições, mas cedo o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de “objeto de si mesmo”, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A chance é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que considero sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma serena quietude.

Nostalgia pelo Presente
Uma nostalgia suave permeia o trabalho, ainda que curiosamente voltada ao agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas na “silêncio e luz” — um desejo de pura presença que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço-Relâmpago
O processo exige atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si”. Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
NNeste espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora tranquila.

No cerne está a busca por "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta, em vez da intelectualização. A modesta escala que muitas vezes escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática fundamentada em paradoxo pacífico não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, acredito, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner