Anton Kaestner - #364 - S - " Chromatic MR#5 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do atelier.
#364 - S - “Chromatic MR#5”.

Acrílico em spray sobre placa de acrílico (plexiglas) de 3 mm.
Esta tela não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicapas" cujo acabamento brilhante "glossy", próximo da aplicação de uma resina, é único.

Dimensões: Polegadas 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm sem moldura.

Esta tela é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€ TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suiço radicado em Paris. Suas obras são expostas em toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição – Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que viria a se tornar a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando com inúmeras tintas acrílicas em cadernos A4 e depois A3 — sempre senti que quadros grandes chegam diretamente a você, dominantes e intimidadoras, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui atraído originalmente pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também uma préferta por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.
Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou ao redor do globo, desde os Estados Unidos até Marrocos, Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha perspectiva, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de romper com o mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da minha carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à arte. No final de 2024, inaugurei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vázia em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distintiva da arte, distante das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de acrílico extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra conforme ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que recebo de braços abertos. Permito "experiências aleatórias" — tudo vale para interromper a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a azar não toma as decisões; no máximo, a azar faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito disciplina. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que deem a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço as “necessidades irredutíveis”, ou seja, o que é provável descobrir quando paramos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas ampliação da consciência e exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como qualquer objeto, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora minha obra possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade do vitral, permanece quase inteiramente abstrata. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo espectador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, dos pedaços ausentes também, exige apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o close” — um detalhe de uma pintura é uma imagem completamente nova — e “distância para o todo” incentivem os espectadores a embarcar em suas próprias jornadas introspectivas.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Para mim, pintar é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal acabou de começar.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver".

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm igual peso, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela apareça.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Ao descrever as obras como “sem objeto” e com “nenhum conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e para um modo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que considero uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde a ideia encontra a mão: Processo como Pensamento Encarnado. Pintar na contracapa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de fazer. Estabeleço condições, mas cedo o resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, plenamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para esperar o que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, há alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de “coincidências significativas”, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” através de obras que considero sem sentido. Talvez o que é partilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia do Presente
Uma nostalgia suave permanece na obra, mas é curiosamente dirigida ao agora: um anseio pelas “necessidades irredutíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, porém busca um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “surgido por si só.” Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nesse espírito, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é ruptura, mas uma colaboradora quieta.

Em seu âmago está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende à experiência direta em vez da intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar intimidade, não espetáculo.

No fim, isto é apenas o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática embasada em paradoxos quietos não precisa ser frágil. Através de disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, acredito, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner