Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do atelier.
#366 - S - "Chromatic MR#7".

Acrílica em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Esta obra não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multicamadas" cuja aparência brilhante "glossy", semelhante à aplicação de resina, é única.

Dimensões: Polegadas 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm sem moldura.

Esta pintura é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) indicada e disponível no envio por um valor adicional de 70€ TTC.

A obra está assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu avô falecido, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que se tornaria, um dia, a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em particular, experimentando com inúmeras acrílicas em cadernos A4 e depois A3 — sempre senti que grandes quadros enfrentam você de frente, dominadores e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e apesar de me considerar ateu, desenvolvi também uma predileção por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou a viajar pelo globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, da Bélgica à Ásia e à França. Minhas viagens ampliaram minha visão, expondo-me a uma ampla variedade de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas locais de arte e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na minha carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervilhando silenciosamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada na qual posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu estúdio em Paris e comecei a dedicar-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, iniciei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando moradas em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Holanda.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior em uma sacristia vaga em Lisieux, na Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distintiva da arte, afastando-se das técnicas de pintura tradicionais: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte traseira de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra à medida que ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que acolho. Permito experimentos "aleatórios" — tudo pode acontecer para contornar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, deixando espaço para revelação e descoberta quando a obra é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma decisões; no máximo, a sorte faz perguntas; coincidências significativas só são possíveis com grande disciplina. Essa abordagem, que ecoa o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ao mesmo tempo em que conferem a cada obra uma qualidade "ascética": fico feliz quando reconheço as "necessidades irreduzíveis", isto é, o que é provável que descubramos quando paramos em silêncio e na luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a "emoção" nem a "concepção teórica", mas a experiência de ser. Nem o "consumo rápido" nem a "intelectualização/posse intelectual", mas a ampliação da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis, minha arte é uma busca pela "vida no coração da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha sido sempre parte do meu trabalho, minhas pinturas são sem objeto. Como todos os objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de existir, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho às vezes evoque a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase totalmente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, bem como das partes ausentes, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre "detalhes para o próximo" — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e "distância para o todo" incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não iš desculpo ter todas as respostas e desejo permanecer humilde sobre o que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me levará a aperfeiçoar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de estimular conversas significativas, uma busca de uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão por ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro de plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emergir.

Essa prática baseia-se em três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Impondo. Ao descrever as obras como "sem objeto" e ao ter "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero afrouxar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para afastar-se da decodificação e buscar um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa open space, tento inserir o que penso ser uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela mudança da luz, camadas translúcidas, e o leve reflexo do observador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça "vive, muda, vê".

A terceira é onde ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhar sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente de controle no ato de criar. Defino condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de um "objeto por si mesmo", plenamente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência para aguardar o que chega "aqui e agora".

Consentidas estas intenções, existem alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de coincidências significativas, mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosos. A sorte é um convidado bem-vindo, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta imobilidade.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia permanece no trabalho, ainda que curiosamente voltada ao agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz" — um desejo de presença pura que a própria obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas pretende alcançar um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "emergido por si próprio". Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nessa linha, cheguei a sentir que "a era do informal mal começou". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais tranquilidade — uma informalidade onde a chance não é ruptura, mas uma parceira silenciosa.

No âmago está a busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. O trabalho tende à experiência direta em vez da intelectualização. A modesta escala que muitas vezes escolho visa incentivar a intimidade, não o espetáculo.

No fim, este é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada em um paradoxo quieto não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner