Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#378 - S - " Cities ".

Aquarela em spray sobre placa de plexiglas de 3mm.
Este quadro não é uma impressão. Trata-se de uma obra original "multi-camadas" cujo rendimento brilhante "glossy" próximo à aplicação de resina é único.
Transparência na impressão.

Dimensões : Polegadas 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm sem moldura.

Este quadro é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€TTC.

A obra está assinada no verso.
Um Certificado de Autenticidade a acompanha.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci cercado pela beleza natural e riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada em minha família, e foi meu avô, um artesão e artista, cuja influência plantou a semente do que mais tarde se tornaria a paixão da minha vida.
Em 1993, comecei a pintar em particular, experimentando inúmeros acrílicos em cadernos A4 e depois A3 - sempre senti que grandes quadros vão direto ao encontro de quem olha, dominadores e intimidantes, enquanto obras menores podem inspirar muito mais amor. Fui inicialmente atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.
Com o tempo, e embora me considere ateu, desenvolvi também um apreço por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar artista não foi imediato.

Por mais de três décadas, segui uma carreira internacional no mundo dos negócios que me levou a viajar pelo globo, dos Estados Unidos ao Marrocos, Bélgica, Ásia e França. Minhas viagens ampliaram minha visão, expondo-me a uma ampla gama de influências culturais. Onde quer que fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e interagia com a energia criativa de cada lugar.
Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de escapar do mundo e concentrar-me no meu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma jornada onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências autênticas. Através da minha arte, sempre esperei oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo de uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após aposentar-me da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Instalei meu estúdio em Paris e passei a devote-me inteiramente à minha arte. No final de 2024, iniciei minha carreira artística pública; para minha surpresa, meu trabalho ganhou rapidamente reconhecimento, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um estúdio maior, em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição individual, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, apresentou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglas extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, suave, brilhante e às vezes frágil. Esse processo impede que eu veja a obra enquanto ela se desenvolve. Não tenho feedback visual ou controle durante o processo — algo que eu aceito. Permito "experimentos aleatórios" — qualquer coisa para curto-circuitar a razão! — para guiar o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixar espaço para revelação e descoberta quando a peça é finalmente exposta. Mas vamos ser claros: nas minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com uma grande dose de disciplina. Essa abordagem, que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia, é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que confiram a cada obra uma qualidade “ascética”: fico feliz quando reconheço “necessidades irreduzíveis”, ou seja, o que é provável que possamos descobrir quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem “emoção” nem “concepção teórica”, mas a experiência de ser. Nem “consumo rápido” nem “intelectualização/posse intelectual”, mas a expansão da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela “vida no cerne da vida”, pelo que Alain Damasio chama de “le vif”. Embora a nostalgia tenha sempre feito parte do meu trabalho, minhas pinturas não possuem objeto. Como quaisquer objetos, são objetos de si mesmos. Consequentemente, não têm conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, fim ou propósito. Embora meu trabalho possa às vezes evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglass confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar o próprio contorno, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, das partes ausentes também, exige apenas empatia. Espero que o jogo entre “detalhes para o close” - um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova - e “distância para o todo” incentive os espectadores a embarcar em jornadas introspectivas próprias.

Não afirmo ter todas as respostas e quero permanecer humilde quanto ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é um confronto com meus limites, que me impulsa a refinar minhas habilidades e explorar mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma maneira de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal acabou de começar.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência na minha prática

No cenário da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar trabalhos definidos não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma investigação longa e deliberada. Para mim, o foco verdadeiro é menos a imagem final do que a quieta interação entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.

A primeira é uma Retirada do Significado Imposto. Descrevendo as obras como “sem objeto” e tendo “nem conteúdo, nem significado, nem sentido”, espero soltar suavemente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e ir para uma forma de olhar mais direta.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nesse espaço aberto, tento colocar o que penso ser uma “experiência de ser”. A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado do que um evento silencioso a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o leve reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça “vive, muda, vê.”

A terceira é onde ideia encontra mão: Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na parte de trás do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar ir. É uma liberação consciente do controle no ato de fazer. Defino condições, mas rende-se ao resultado, permitindo que a pintura se torne o que chamo de um “objeto de si mesmo” independente, totalmente revelado apenas quando completo. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma paciência que espera pelo que chega “aqui e agora.”

Mantendo essas intenções, seguem alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de coincidências significativas, mas elas são possíveis apenas dentro de limites cuidadosos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero “comunicar algo” por meio de obras que chamo de sem sentido. Talvez o que é compartilhado não seja uma declaração, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quieta imobilidade.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, mas é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas “necessidades irreduzíveis” encontradas no “silêncio e na luz” — um desejo por uma presença pura que o próprio trabalho oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, mas visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse “emergido por si mesmo.” Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.
Nessa linha, cheguei a sentir que “a idade do informal acabou de começar.” Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora talvez com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é ruína, mas colaboradora silenciosa.

No fundo está a busca pelo “le vif” — o núcleo vivo. A obra tende para a experiência direta em vez de intelectualização. A escala modesta que frequentemente escolho pretende incentivar intimidade, não espetáculo.

No fim, isto é simplesmente o caminho de um único artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática fundamentada no paradoxo silencioso não precisa ser frágil. Através da disciplina e clareza, essas tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner