Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Peça única, pintura original de Anton Kaestner, diretamente do ateliê.
#345 - S - " Vertical 3".

Acrílico em spray sobre placa de plexiglass de 3mm.
Esta obra não é uma impressão. Trata-se de uma peça original "multicamada" cuja aparência brilhante "glossy", similar à aplicação de resina, é única.
Transparência na impressão.

Dimensões: Polegadas 9,1 x 12,6 x 0,12 / 23 x 32 x 0,3 cm sem moldura.

Esta obra é entregue sem moldura.
Moldura de qualidade da marca alemã Nielsen em alumínio, referência 34 (Polegadas 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) recomendada e disponível no envio por um valor adicional de 70€ TTC.

A obra é assinada no verso.
Acompanha um Certificado de Autenticidade.
A entrega é coberta por um seguro.

Anton Kaestner é um pintor, escultor e autor suíço radicado em Paris. Suas obras são expostas por toda a Europa, na Suíça e em Dubai. Mais informações e opções em www.antonkaestner.com.

Próxima exposição - Lausanne, maio de 2026.

Biografia

Nascido em Genebra, Suíça, cresci rodeado pela beleza natural e pela riqueza cultural de minha terra. A criatividade era valorizada na minha família, e foi meu falecido avô, um artesão e artista, quem plantou a semente do que acabaria se tornando a paixão da minha vida.

Em 1993, comecei a pintar de forma privada, experimentando inúmeras tintas acrílicas em cadernos A4 e depois A3 — sempre acreditei que grandes quadros chegam direto a você, dominadores e intimidantes, enquanto pequenas obras podem inspirar muito mais amor. Fui então atraído pela pintura não figurativa e pelo expressionismo abstrato.

Com o tempo, e embora me considere ateu, também desenvolvi apreço por materiais espirituais, pois ressoavam com minha exploração da existência humana e das verdades mais profundas da natureza e da vida.

No entanto, o caminho para realmente me tornar um artista não foi imediato.

Durante mais de três décadas, segui uma carreira internacional na área de negócios que me levou ao redor do mundo, desde os Estados Unidos até o Marrocos, passando pela Bélgica, pela Ásia e pela França. Minhas viagens ampliaram minha visão, expondo-me a uma ampla variedade de influências culturais. Por onde quer que eu fosse, mergulhava nas cenas artísticas locais e me envolvia com a energia criativa de cada lugar.

Apesar do foco na carreira empresarial, a arte sempre fez parte de mim, fervendo discretamente sob a superfície. Por quase 30 anos, a pintura tornou-se uma forma de meditação secreta para mim — uma maneira de me libertar do mundo e concentrar-me no meu eu interior.

Sempre encontrei imensa satisfação na pintura. Cada nova obra é uma viagem onde posso testar minha criatividade, explorar novas técnicas e viver experiências genuínas. Através da minha arte, sempre espero oferecer aos outros um encontro sincero com a beleza, uma oportunidade de ver o mundo sob uma perspectiva diferente e refletir sobre suas próprias vidas.

Em 2023, após me aposentar da carreira empresarial, comprometi-me plenamente com a pintura. Estabeleci meu ateliê em Paris e passei a dedicar-me inteiramente à minha arte. Ao final de 2024, comecei minha carreira artística pública e, para minha surpresa, meu trabalho ganhou reconhecimento rapidamente, encontrando espaço em coleções privadas por toda a Europa, especialmente na Alemanha, Portugal, Bélgica, Itália e nos Países Baixos.

No final de 2025, mudei para um ateliê maior em uma sacristia vaga em Lisieux, Normandia.

CV Artístico

Minha primeira exposição solo, "Échos", realizada em Paris no final de 2024, mostrou uma abordagem distinta da arte, afastada das técnicas tradicionais de pintura: pinto com acrílicos, pigmentos metálicos e sprays na parte de trás de plexiglass extrudado reciclado (Perpex), uma superfície leve, lisa, brilhante e às vezes frágil. Esse processo me impede de ver a obra à medida que ela se desenvolve. Não tenho feedback visual nem controle durante o processo — algo que acolho. Permitindo "experimentos aleatórios" — tudo pode servir para contornar a razão! — oriento o resultado, as camadas e os efeitos de espelho que crio, e deixo espaço para revelação e descoberta quando a peça finalmente é exposta. Mas vamos ser claros: em minhas imagens, a sorte nunca toma as decisões; no máximo, a sorte faz as perguntas; coincidências significativas são possíveis apenas com muito trabalho disciplinado. Essa abordagem que ressoa com o processo de revelação/fixação da fotografia é desafiadora e libertadora. Os valores da composição são enriquecidos por camadas e transparências, ainda que concedam a cada trabalho uma qualidade "ascética": fico feliz quando reconheço as "necessidades irreduzíveis", ou seja, o que é provável que descubramos quando pararmos em silêncio e luz.

Mantenho minha abordagem deliberadamente simples. Nem a "emoção" nem a "concepção teórica", mas a experiência de ser. Nem o "consumo rápido" nem a "intelectualização/posse intelectual", mas a expansão da consciência e a exploração da realidade, de suas histórias visíveis e invisíveis; minha arte é uma busca pela "vida no âmago da vida", pelo que Alain Damasio chama de "le vif". Embora a nostalgia tenha feito parte de meu trabalho, minhas pinturas não têm objeto. Como todos os objetos, elas são objetos de si mesmas. Consequentemente, não possuem conteúdo, nem significado, nem sentido; são como coisas, árvores, animais, homens ou dias, que também não têm razão de ser, nem fim, nem propósito. Embora meu trabalho possa, às vezes, evocar a transparência e a luminosidade de vitrais, permanece quase inteiramente abstrato. Além disso, o plexiglas confere à pintura uma pele cintilante onde se pode vislumbrar a própria silhueta, diferente para cada novo observador. Cada obra atua como um espelho discreto: ela vive, muda, vê. A interação de luz, cor e textura, inclusive das partes ausentes, requer apenas empatia. Espero que o jogo entre "detalhes para o perto" — um detalhe de uma imagem é uma imagem completamente nova — e "distância para o todo" incentive os espectadores a embarcarem em suas próprias jornadas introspectivas.

Não pretendo ter todas as respostas e quero permanecer humilde em relação ao que pode ser alcançado. Simplesmente, encontro satisfação no processo contínuo de questionamento e crescimento. Cada nova criação é uma confrontação com meus limites, levando-me a refinar minhas habilidades e explorar ainda mais o que posso realizar. Pintar, para mim, é um ofício diário, uma exploração, uma forma de provocar conversas significativas, uma busca por uma tinta tão perfeita que não precise de nós. A era do informal mal começou.

Como diria Jean Bazaine: "A prática diária multiplica a paixão de ver."

Sobre a coerência em minha prática

No panorama da arte contemporânea, onde conceito e forma têm peso igual, busco criar obras definidas não pela proeminência, mas pela presença. Minhas pinturas — campos cintilantes de cor e luz dentro do plexiglass — são os resultados silenciosos de uma longa e deliberada investigação. Para mim, o verdadeiro foco é menos a imagem final do que a quieta inter-relação entre pensamento e processo que permite que ela emerja.

Essa prática repousa sobre três intenções alinhadas.
A primeira é um Retiro do Significado Impositivo. Ao descrever as obras como "sem objeto" e sendo elas mesmas "nem conteúdo, nem significado, nem sentido", espero afrouxar delicadamente a expectativa de narrativa. É um convite para se afastar da decodificação e caminhar para um tipo de olhar mais direto.

Isso leva à segunda intenção: a Primazia da Experiência Vivida. Nessa abertura, tento colocar o que considero uma "experiência de ser". A obra torna-se menos um objeto a ser interpretado e mais um evento quieto a ser sentido — moldado pela luz que muda, camadas translúcidas e o suave reflexo do espectador encontrando seu próprio olhar. Como frequentemente observo, a peça "vive, muda, vê".

A terceira é onde a ideia encontra a mão: o Processo como Pensamento Incorporado. Pintar na face reversa do plexiglass, trabalhando sem feedback visual, é uma prática física de deixar partir. É uma liberação consciente de controle no ato de criar. Estabeleço condições, mas entrego o resultado, permitindo que a pintura se torne o que eu chamo de "objeto de si mesmo", plenamente revelado apenas quando concluído. É um paralelo silencioso ao desenvolvimento fotográfico — uma espera paciente pelo que chega "aqui e agora".

Mantendo essas intenções, seguem alguns paradoxos suaves que sustentam o trabalho:

Sorte e Disciplina
Falo de "coinciências significativas", mas elas só são possíveis dentro de limites cuidadosamente estabelecidos. A sorte é uma convidada bem-vinda, mas a estrutura é construída com cuidado.

Comunicação Sem Mensagem
Espero "comunicar algo" através de obras que considero sem significado. Talvez o que é compartilhado não seja uma afirmação, mas um estado — uma textura de luz, uma presença silenciosa, uma quietude palpável.

Nostalgia pelo Presente
Uma suave nostalgia persiste no trabalho, mas é curiosamente voltada para o agora: um anseio pelas "necessidades irreduzíveis" encontradas no "silêncio e na luz" — um desejo de presença pura que a obra oferece silenciosamente.

Esforço e Esforço sem Esforço
O processo requer atenção constante, porém visa um resultado que pareça autônomo, como se tivesse "emergido por vontade própria". Sinto-me atraído pelo que parece perfeitamente inevitável.

Nesse espírito, sinto que "a era do informal acabou de começar". Minha prática deve-se ao espírito do Art Informel, embora perhaps com menos angústia e mais calma — uma informalidade onde a sorte não é uma ruptura, mas uma colaboradora silenciosa.

No seu cerne está uma busca pelo "le vif" — o núcleo vivo. A obra tende ao contato direto com a experiência em vez de à intelectualização. A modesta escala que frequentemente escolho pretende favorecer a intimidade, não o espetáculo.

No fim, isto é simplesmente o caminho de um artista. Minha biografia, meu processo e minhas reflexões não são fios separados, mas partes de uma única busca. Descobri que uma prática enraizada em um paradoxo silencioso não precisa ser frágil. Através da disciplina e da clareza, tais tensões podem tornar-se, creio, uma fonte de resiliência.

Anton Kaestner