Marco dal Pino (1525-1583), Seguidor de - Compianto sul Cristo morto - NO RESERVE

Pintura antiga, óleo sobre tábua, de época datável entre o final do século XVI e a primeira metade do século XVII, representando o Compianto sul Cristo morto.

A obra retrata um intenso Compasso sobre Cristo morto. O corpo de Jesus, recém descido da cruz, aparece reclinado entre os braços de seus dolentes. À esquerda, reconhece-se São José de Arimateia, idoso e de longa barba grisalha, que sustenta o braço de Cristo com gesto participativo e comovido. Ao seu lado, a Virgem se curva, com o rosto inclinado e sofrido, caracterizado por uma expressão melancólica muito refinada. À direita, está presente São João Evangelista, jovem, com tons suaves e olhar muito triste, que sustenta a cena com gestualidade moderada. Embaixo, ajoelha-se Maria Madalena, com o rosto voltado para Cristo e as mãos juntas, enquanto ao seu lado destaca-se o vaso tradicional de ungüentos.
Ao pé do grupo, nas margens da composição, aparecem dois elementos iconográficos significativos: a coroa de espinhos e os três pregos da Crucificação, dispostos teatralmente no chão diante da figura de São José de Arimateia. Essa escolha, muito recorrente na pintura napolitana do final do século XVI, adiciona uma forte carga emocional e se encaixa plenamente na linguagem devocional pós-tridentina.
A atribuição da obra ao contexto napolitano do final do século XVI é atualmente a mais sólida: as cores quentes, o uso de terras marrons e verdes nas passagens de sombra, a suavidade dos carnês e o corte teatral da cena correspondem perfeitamente aos modos das oficinas ativas em Nápoles na geração seguinte à chegada de Marco Pino de Siena, figura fundamental para a evolução artística da cidade a partir de 1557.
Muitos detalhes remetem diretamente à tradição romanista trazida por Pino: a construção diagonal da cena, a disposição dramática dos personagens, a volumetria dos corpos e a representação das mãos. No entanto, surgem afinidades ainda mais próximas com a produção da círculo de Fabrizio Santafede, um dos protagonistas da pintura religiosa napolitana entre 1580 e 1620. A Madonna, em particular, apresenta aquela elegância melancólica típica, com olhar abaixado e modelagem lenticular dos incarnados, que aparece frequentemente nas obras santafedianas. Também os panneggi, definidos por realces lineares em branco de chumbo, pertencem a esse universo, assim como a representação dos cabelos, com mechas finas e levemente serpenteadas.
Ao lado disso, também se reconhecem aspectos próximos ao círculo de Giovanni Bernardo Lama, especialmente na conformação do jovem São João e nos acordes cromáticos dos tecidos. No conjunto, a obra se posiciona com segurança dentro daquele grande filão napolitano tardo-manierista que, entre os anos 1580 e os primeiros anos do século XVII, desenvolveu uma linguagem fortemente devocional, rica em pathos, mas ainda ligada a modelos romanos e toscanos.
A obra pode, portanto, ser atribuída de forma coerente a um Mestre napolitano ativo entre o final do século XVI e o início do século XVII, formado na escola de Marco dal Pino e próximo aos estilos da turma de Fabrizio Santafede e Giovanni Bernardo Lama. A pintura apresenta diversos trechos de boa qualidade, especialmente na representação da Virgem e do Cristo, demonstrando uma plena assimilação da linguagem do maneirismo tardio napolitano.

Em condições gerais bastante boas considerando a época da pintura. A superfície pictórica apresenta alguns pontos de retoque dispersos, leves abrasões e svelature, além de fissuras difundidas; tais defeitos são não invasivos e não comprometem a boa leitura da obra, que mantém plena legibilidade iconográfica e cromática. O crepito é regular, estável e coerente com a época. A tábua apresenta algumas quebras verticais passantes, que foram reparadas e consolidada, mas ainda levemente visíveis frontalmente. A craquelure é homogênea e atribuível ao período, sem sinais de descolamentos ativos. Não há problemas de conservação evidentes.

A pintura é acompanhada por uma moldura de estilo clássico, de época relativamente recente, que harmoniza de forma equilibrada com a composição e valoriza sua configuração cênica. São perceptíveis pequenos defeitos e restaurações na moldura, de caráter geral não invasivo e compatíveis com o uso. Ela é incluída como cortesia e não faz parte integrante da obra de arte; eventuais danos a ela não serão motivo de reclamação ou cancelamento do pedido.

Medidas da pintura: 64 x 49,5 cm - Medidas da moldura: 78 x 64 cm

Ópera acompanhada de certificado de autenticidade fotográfico, conforme a normativa de lei vigente.

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