Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Unicat, pictură originală semnată Anton Kaestner, direct din atelier.
#345 - S - „Vertical 3”.

Acrylică spray pe placă de plexiglas de 3 mm.
Acest tablou nu este o imprimare. Este o lucrare originală „multistrat” cu un finisaj lucios „glossy”, asemănător aplicării unei rășini, unic.
Transparență pe imprimare.

Dimensiuni : Inch 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm fără rama.

Această lucrare este livrată fără ramă.
Rama de calitate, marca germană Nielsen, în aluminiu, referința 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) recomandată și disponibilă la expediere pentru un cost suplimentar de 70€TTC.

Opera este semnată pe verso.
Însoțește un Certificat de Autenticitate.
Livrarea este acoperită de o asigurare.

Anton Kaestner este un pictor, sculptor și autor elvețian cu sediul la Paris. Operele sale sunt expuse în toată Europa, în Elveția și în Dubai. Mai multe informații și alegeri pe www.antonkaestner.com.

Următoarea expoziție – Lausanne, mai 2026.

Biografie

Născut în Geneva, Elveția, am crescut înconjurat de frumusețea naturală și bogăția culturală a țării mele. Creativitatea era apreciată în familie, iar influența a fost insuflată de bunicul meu, meșter și artist, care a plantat sămânța pasiunii mele pentru ceea ce avea să devină în cele din urmă chemarea vieții mele.
În 1993, am început să pictez în privat, experimentând cu nenumărate acriluri în caiete A4 și apoi A3 – mereu am simțit că marile tablouri îți apar direct ție, dominante și intimidante, în timp ce lucrările mici pot inspira mult mai multă dragoste. Inițial am fost atras de pictura non-figurativă și expresionismul abstract.
Cu timpul, iar eu mă consider ateu, am dezvoltat de asemenea o afinitate pentru materialele spirituale, întrucât rezonau cu explorarea existenței umane și adevărurilor mai profunde ale naturii și vieții.

Totuși, drumul spre a deveni cu adevărat artist nu a fost imediat.

Peste trei decenii am urmat o carieră internațională în afaceri care m-a purtat peste tot globul, din Statele Unite în Maroc, în Belgia, prin Asia și Franța. Călătoriile mele mi-au lărgit perspectiva, expunându-mă la o gamă largă de influențe culturale. Oriunde mergeam, mă cufundam în scenele locale de artă și mă conectam cu energia creativă a fiecărui loc.
În ciuda focusului pe cariera mea de afaceri, arta a fost întotdeauna parte din mine, fierbind tăcut sub suprafață. Timp de aproape 30 de ani, pictura a devenit o formă de meditație secretă pentru mine — un mod de a evada din lume și de a mă concentra asupra sinelui interior.

Am găsit întotdeauna o mare satisfacție în pictură. Fiecare operă nouă este o călătorie în care îmi pot testa creativitatea, explora tehnici noi și trăi experiențe autentice. Prin arta mea, am sperat întotdeauna să ofer altora întâlniri sincere cu frumusețea, o oportunitate de a vedea lumea dintr-o perspectivă diferită și de a reflecta asupra propriilor lor vieți.

În 2023, după pensionarea din cariera mea în afaceri, m-am dedicat pe deplin picturii. Mi-am înființat studioul la Paris și am început să mă dedic integral artei. Până la sfârșitul lui 2024, mi-am lansat cariera artistică publică și, spre surprinderea mea, lucrarea mea a câștigat rapid recunoaștere, ajungând în colecții private în toată Europa, în special în Germania, Portugalia, Belgia, Italia și Olanda.

La sfârșitul lui 2025 m-am mutat într-un atelier mai mare într-o sacristie goală din Lisieux, Normandia.

CV Artistic

Prima mea expoziție solo, „Échos”, organizată la Paris la sfârșitul lui 2024, a prezentat o abordare distinctă a artei, departe de tehnicile tradiționale de pictură: pictez cu acrilice, pigmenți metalici și spray-uri pe partea din spate a plexiglassului reciclat extrudat (Perpex), o suprafață ușoară, netedă, lucioasă și uneori fragilă. Acest proces mă face să nu pot vedea lucrarea pe măsură ce se dezvoltă. Nu am feedback vizual sau control în timpul procesului — ceva ce primesc cu bucurie. Permitem „experimente aleatorii” — oricare ar merge, pentru a crea scurtcircuitul rațiunii — să ghideze rezultatul, straturi și efecte de oglindire pe care le creez, lăsând loc pentru revelație și descoperire atunci când piesa este expusă în cele din urmă. Dar să fim clari: în fotografii, șansa nu ia deciziile; în cel mai bun caz, șansa pune întrebările; coincidențele semnificative sunt posibile doar cu un mare grad de disciplină. Această abordare, care rezonează cu procesul de revelație/fixare al fotografiei, este provocatoare și eliberatoare. Valorile compoziției sunt îmbogățite de straturi și transparențe, totuși oferind fiecărei lucrări o calitate „ascetică”: sunt fericit când recunosc „necesități irreductibile”, adică ceea ce este probabil să descoperim când ne oprim în tăcere și lumină.

Îmi păstrez abordarea în mod deliberat simplă. Nici „emoție”, nici „facultate teoretică”, ci experiența de a fi. Nici „consum rapid”, nici „intellectualizare / posesiune intelectuală”, ci lărgirea conștiinței și explorarea realității, a poveștilor sale vizibile și invizibile; arta mea este o căutare a „vieții în inima vieții”, a ceea ce Alain Damasio numește „le vif”. Deși nostalgia face parte din munca mea, picturile mele sunt fără obiect. Ca toate obiectele, sunt obiecte ale lor însele. Prin urmare, nu au conținut, nici sens, nici scop; sunt precum lucruri, copaci, animale, oameni sau zile, care, de asemenea, nu au un motiv de a exista, nici sfârșit, nici scop. Deși lucrarea mea poate evoca uneori transparența și luminozitatea vitraliului, rămâne aproape în întregime abstractă. Mai mult, plexiglasul conferă picturii o piele strălucitoare în care se poate zări propria siluetă, diferită pentru fiecare privitor nou. Fiecare lucrare acționează ca o oglindă discretă: trăiește, se schimbă, vede. Interacțiunea luminii, culorii și texturii, precum și părțile lipsă, necesită doar empatie. Sper că jocul dintre „detalii pentru apropiere” — un detaliu al unei picturi este o cu totul altă imagine — și „distanța pentru ansamblu” va încuraja privitorii să pornească în propriile lor călătorii introspective.

Nu pretind că am toate răspunsurile și vreau să rămân umil în privința ceea ce poate fi realizat. Pur și simplu, găsesc satisfacție în procesul continuu de întrebare și creștere. Fiecare creație nouă este o confruntare cu limitele mele, care mă împinge să-mi rafinez abilitățile și să explorez mai departe ceea ce pot realiza. Pictura pentru mine este o meșteșug zilnic, o explorare, o modalitate de a aprinde conversații semnificative, o căutare a unei vopsele atât de perfecte încât să nu aibă nevoie de noi. Epoca informalului abia a început.

După cum ar spune Jean Bazaine: „Practica zilnică multiplă pasiunea pentru a vedea.”

Despre coerența în practica mea

În peisajul artei contemporane, unde conceptul și forma au greutate egală, urmăresc să creez lucrări definite nu prin strălucire, ci prin prezență. Picturile mele — câmpuri strălucitoare de culoare și lumină în plexiglas — sunt rezultatele liniștite ale unei investigații îndelungate și bine gândite. Pentru mine, adevăratul centru nu este imaginea finală, ci jocul tăcut între gând și proces care o face să apară.

Această practică se sprijină pe trei intenții aliniate.

Prima este o Retragere din Înțeles Impus. Prin descrierea lucrărilor ca „fără obiect” și având „nici conținut, nici sens, nici semnificație”, sper să slăbesc ușor așteptarea de narațiune. Este o invitație de a păși departe de decodare și spre un tip de privire mai direct.

Aceasta duce la a doua intenție: Primatul Trăirii. În acel spațiu deschis, încerc să așez ceea ce numesc „experiența de a fi”. Lucrarea devine mai mult un obiect de interpretat decât un eveniment liniștit de simțit — modelat de lumina în schimbare, straturi translucide și reflexia subtilă a privitorului întâlnind propria sa privire. Așa cum observ adesea, piesa „trăiește, se schimbă, vede.”

A treia este locul unde ideea întâlnește mâna: Procesul ca Gândire Încarnată. Pictarea pe reversul plexiglass-ului, lucrând fără feedback vizual, este o practică fizică a renunțării. Este o eliberare conștientă de control în actul de a crea. Stabilesc condiții, dar abandonez rezultatul, permițând picturii să devină ceea ce numesc un „obiect de sine” independent, dezvăluit pe deplin doar când este complet. Este o paralelă tăcută a dezvoltării fotografice — o așteptare răbdătoare pentru ceea ce ajunge „aici și acum.”

Susținerea acestor intenții sunt câteva paradoxuri blânde care susțin lucrarea:

Norocul și Disciplina
Vorbesc despre „coincidențe semnificative”, dar ele sunt posibile doar în limitele atente. Norocul este un oaspete binevenit, dar structura este construită cu grijă.

Comunicare Fără Mesaj
Sper să „transmit ceva” prin lucrări pe care le numesc lipsite de sens. Poate ceea ce se împărtășește nu este o declarație, ci o stare — o textură a luminii, o prezență liniștită, o liniște palpabilă.

Nostalgie pentru Prezent
O nostalgie blândă rămâne în operă, totuși este ciudat orientată spre prezent: o dorință pentru „necesitățile ireductibile” găsite în „tăcere și lumină” — o dorință pentru prezența pură pe care lucrarea o oferă în mod tău.

Efort și Efort Conștient
Procesul necesită atenție constantă, dar țintește către un rezultat ce pare autonom, ca și cum „a ieșit de la sine”. Sunt atras de ceea ce pare inevitabil până la urmă.

În acest spirit, am ajuns să simt că „vârsta informalului abia a început.” Practica mea este îndatorată spiritului Art Informel, deși poate cu mai puțină viață înfierbântată și mai mult calm — o informalitate în care șansa nu este o ruptură, ci un colaborator tăcut.

În esență, este o căutare a „le vif” — nucleul viu. Lucrarea tinde spre experiența directă, mai degrabă decât spre intelectualizare. Scara modestă pe care o aleg de regulă este menită să încurajeze intimitatea, nu spectacolul.

În final, aceasta este pur și simplu drumul unuia dintre artiști. Biografia mea, procesul meu și reflecțiile mele nu sunt fire separate, ci părți ale unei singure căutări. Am descoperit că o practică fundamentată pe paradoxuri liniștite nu trebuie să fie fragilă. Prin disciplină și claritate, asemenea tensiuni pot deveni, cred eu, o sursă de reziliență.

Anton Kaestner