Anton Kaestner - #355 - S - " Hommage à Richter in Paris ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från studion.
#355 - S - "Hommage à Richter in Paris".

Sprutmålad akryl på 3 mm plexiglasplatta.
Transparencyer på print.
Denna tavla är inte en affisch. Det rör sig om ett originellt "multi-lay"-verk vars glänsande yta "glossy" närmare applicering av en resins är unik.
Det vita är faktiskt vitare i verkligheten än på bilden.

Dimensioner: 9,1 x 12,6 x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
En kvalitetsram från det tyska varumärket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura Vit eller Silver mat (in. 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändningen mot en extra kostnad av 70 € inkl. moms.

Verket är signerad på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer med.
Leveransen täcks av försäkring.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk visas överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning – Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av den naturliga skönheten och kulturens rikedom i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare & konstnär, vars påverkan planterade fröet till vad som skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterande med otaliga akrylser i A4- och sedan A3-bokpärmar – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på sig, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och medan jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans existence och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

Under mer än tre decennier hade jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd olika kulturella influenser. Varje gång jag reste, slog jag mig ned i närliggande konstens scener och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, sakta kokande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom äkta erfarenheter. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha trätt tillbaka från min affärskarriär, satsade jag fullt ut på måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i ett ledigt sakristii i Lisieux, Normandie.

Kunstnärlig CV

Min första separata utställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och visade ett särskilt tillvägagångssätt till konsten, avvikande från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprejar bakpå återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket i utvecklingen. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att kortsluta förnuftet! – att vägleda resultatet, de lager och spegeleffekter jag skapar, och lämnar utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst är slumpen fråga; meningsfulla “sällsyntheter” är möjliga endast med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse/fixeringens process i fotografi är utmanande och befriande. Kompositionens värden berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är lycklig när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt finner när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats medvetet enkel. Inte ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Inte ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell ägo”, utan medvetenhetens vidgning och utforskandet av verklighetens synliga och osynliga berättelser – min konst är en jakt på ”livets kärna i livet”, på vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Precis som alla objekt är de objekt i sig själva. Därför har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka transparenthet och luminositet hos blyglas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glittrande yta där man kan få en skymt av sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, samt de delarna som saknas, kräver empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer för närbild” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avstånd till helheten” att uppmuntra betraktare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk om vad som kan uppnås. Enkelt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågor och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, en uppmaning att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt på en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: ”Den dagliga praktiken multiplicerar lusten att se.

Om sammanhang i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form väger lika mycket, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de lugna resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det tysta samspelet mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre sammanlänkade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Pålagd Meningsinnehåll. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag försiktigt frisätta förväntningen av berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra intentionen: Primacy of Lived Experience. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av att vara.” Verket blir mindre ett objekt att tolkas och mer en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens bleka reflektion som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkapslad Tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell feedback, är en fysisk övning i att släppa kontrollen. Det är en medveten frigivning av kontroll i skapandets akt. Jag sätter upp villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullt avslöjat först när det är komplett. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som anländer ”här och nu.”

Dessa intentioner hålls av några mjuka paradoxala drag som upprätthåller arbetet:

Slumpen och Disciplinen
Jag talar om meningsfulla ”sällsyntheter”, men de är bara möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation Utan Budskap
Jag hoppas kunna ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det delade inte ett påstående utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig lugn.

Nostalgia för Nutiden
En mjuk nostalgi återstår i verket, men den är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket själv tyst erbjuder.

Ansträngning och Ansträngningslöshet
Processen kräver stadigt fokus, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen fri vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är skyldig andan hos Art Informel, om än kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är ett uppror, utan en tyst samarbetspartner.

I kärnan är jakten på ”le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den enkla skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.
Slutligen är detta bara en väg för en enda konstnär. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik grundad i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till resiliens.

Anton Kaestner