Anton Kaestner - #274 - XL - " Dark Corner ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#274 - XL - " Dark Corner ".

Spray-akryl på 3 mm Perpex-skiva.
Denna tavla är inte en print. Det är ett originellt verk "multikroppsligt" däremed glänsande glossy yta som liknar en resin-applikation och är unik.

Mått: 34,3 tum × 24,2 tum × 0,12 tum / 87 × 61,5 × 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura 514 Ek (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning till en extra kostnad av 150€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning – Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av min nations naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl med A4- och sedan A3-notebooks –jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot en, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också ett tycke för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock togs vägen att verkligen bli en konstnär inte omedelbart.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och gjorde mig öppen för en mängd kulturella influenser. Var jag än var fördjupade jag mig i det lokala konstlivet och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär fanns konsten alltid där inom mig, lugnt sjunkande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Vid slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min överraskning fick mitt arbete snabbt erkännande och hamnade i privata samlingar runtom i Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett återlämnat sakristia i Lisieux, Normandie.

Künstler-CV

Min första solutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en distinkt tillvägagångssätt till konsten, bortom traditionella måleri-tekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glänsande och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att avbryta förnuftet! – att vägleda resultatet, lagren och spegel effekter jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen beslut; i bästa fall ställer slumpen frågor; meningsfulla ”sällsyntheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar fotografiets uppenbarelse/fixering är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändiga saker”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller mitt tillvägagångssätt medvetet enkelt. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetens bredd och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga historier, min konst är en sökande efter ”livet på livets mycket hjärta”, det som Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Precis som alla objekt är de själva objekt. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar anledning till sin existens, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka transparensen och ljusskenet hos färgat glas förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglaset målningen en skimmerhud där man kan skymta sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färgen och strukturen, även de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer på nära håll” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avstånd till helheten” att uppmuntra betraktarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processens frågeställning och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praxis fördubblar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form står lika mycket, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det verkliga fokuset mindre på den sista bilden än den lugna samverkan mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre justerade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från påtvingad betydelse. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och att ha ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag försiktigt lossa förväntan av berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från tolkning och mot ett mer direkt slags betraktande.

Detta leder till den andra intentionen: Förstaplats för upplevd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag tänker på som en ”upplevelse av varande.” Verket blir mindre ett föremål att tolkas än en tyst händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens ansikte som speglar sig i en annans blick. Som jag ofta påpekar, verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som kroppslig tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa taget. Det är ett medvetet frigivande av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkor, men ger upp resultatet, låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett pat i väntan på vad som anländer ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som håller verket vid liv:

Slump och disciplin
Jag talar om ”meningsfulla ‘samband’”, men de är bara möjliga inom varsam ram. Slump är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det som delas är inte ett uttalande, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nutiden
En mjuk nostalgia dröjer kvar i verken, men den riktas nyfiket mot nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” funna i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet

Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppkom av sig själv.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I den andan har jag börjat känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är skyldig sin ande till Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en rupture, utan en tyst medarbetare.

I sitt innersta finns en sökande efter ”le vif” – det levande kärnet. Verket lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner