Anton Kaestner - #340 - L - " Dust #2 ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#340 - L - " Dust #2 ".

Spray-akryl på plexiglasplatta 3 mm.
Transparenser på print.
Denna tavla är inte en tryckning. Det är ett originellt verk i "multislager" vars glänsande yta "glossy" närmare applicerad resin är unik.

Mått: 21,1 tum * 17,3 tum * 0,12 tum / 53,5 * 44 * 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Ram av högkvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura 514 Ek (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid leverans mot en extra kostnad av 110 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Äkthetsintyg följer med.
Leveranstiden är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av den naturliga skönheten och den kulturella rikedomen i mitt hemland. Kreativitet värderades i min famlj och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande lade fröet till vad som så småningom skulle bli mitt livs passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl i A4- och sedan A3-notböcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på kroppen, dominant och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till nonfigurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag även ett gillande för andliga material då de resonnerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för en rad olika kulturella influenser. Överallt jag var, drog jag mig till de lokala konstscenerna och engagerade mig i de kreativa energier som fanns där.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, tyst sjungande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat bett och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, satte jag helt engagemanget i måleri. Jag etablerade min ateljé i Paris och ägnade mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i ett tomt sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och visade en särpräglad ansats till konsten, långt bort från traditionella måleri-tekniker: jag målar med akryler, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland sårbar yta. Denna process hindrar mig från att se verket under utvecklingen. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att skapa en brytpunkt i förnuftet! – att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder fattar inte slumpen besluten; som mest ställer slumpen frågor; meningsfulla ”tillfälligheter” är endast möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelse/fixeringens process i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: jag är lycklig när jag känner igen ”oreducibla nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell besittning”, utan medvetenhetens utvidgning och utforskande av verkligheten, dess synliga och osynliga historier, min konst är en sökande efter ett liv vid livets kärna, vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan föremål. Som alla föremål är de föremål i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller syfte; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som inte heller har någon orsak till varande, något slut eller syfte. Även om mitt arbete ibland kan framkalla transparens och ljusrikedom som i ett färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan ana sin egen silhuett, som varierar från betraktare till betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljuset, färgen och texturen, även de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer nära” – en detalj i en bild är en helt ny bild – och ”avståndet för helheten” att uppmuntra betraktarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och utvecklingen. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser och driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan uppnå. Måleri är för mig ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar lusten att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika tungt, strävar jag efter att skapa verk som definieras inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre den slutliga bilden än den tysta samverkan mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre samordnade avsikter.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Betydelse. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och med ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag varsamt lossa förväntningen på narrativ. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt typ av betraktande.

Detta leder till den andra avsikten: Primat för Upplevd Upplevelse. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag tänker på som en ”upplevelse av varande”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens möte med sin egen blick. Som jag ofta nämner, lever verket, det förändras, det ser.

Den tredje är där idé möter hand: Processen som Inkodad Tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbeta utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik i att släppa taget. Det är en medveten frigivning av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkor, men överlåter resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”föremål i sig självt”, fullt avslöjat först när det är fullbordat. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och Disciplin
Jag talar om meningsfulla ”tillfälligheter”, men de är bara möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen är byggd med omsorg.

Kommunikation Utan Budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en upplevd stillhet.

Nostalgia för Nuet
En mjuk nostalgi vilar över verket, men den riktas nyfiket mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och Ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men rikta sig mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
På så sätt har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praxis är skyldig anden av Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellitet där slumpen inte är ett brott utan en lugn medarbetare.

I dess kärna är en jakt på ”le vif” – den levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den blygsamma skala jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis som vilar i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner