Anton Kaestner - #188 - S - " Backwash 1 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#188 - S - "Backwash 1".

Sprutacrylfärg på plexiglasplatta av 3 mm.
Denna målning är inte en reproduktion. Det är ett originalverk i flera lager vars glänsande yta "glossy", liknande en resins beläggning, är unik.

Dimensioner: 9,1 x 12,6 x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Ramm av hög kvalitet från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura Vit eller Mörk Metall (9,3 mm x 1,38 cm / 0,6 cm x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid leverans mot en extra kostnad på 70 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer.
Leveransen är täckt av försäkring.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning – Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av min hemslödsnatur och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl färger i A4- och sedan A3- anteckningsböcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och något skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

Under mer än tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig jorden runt, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv, utsatta mig för en bred variation av kulturella influenser. Var jag än gick, fördjupade jag mig i den lokala konstscenen och engagerade mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär var konsten alltid en del av mig, lugnt sjungande under ytan. Nästan 30 år blev målningen en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i målning. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom genuina upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min ateljé i Paris och började helt ägna mig åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär, och till min förvåning fanns mitt arbete snabbt i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till ett större ateljé i ett ledigt sakristia i Lisieux, Normandie.

KURRICULUM VITAE - Konstnärlig

Min första separata utställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och visade en distinkt tillnärmning till konst som avviker från traditionell måleriteknik: Jag målar med akryl, metallpigment och spray på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket i dess utveckling. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" - allt går för att bryta igenom förnuftet! – att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen visas. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; i bästa fall ställer den frågorna; meningsfulla ”samband” är bara möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar resonansen/fastläggningen i fotografiska processen är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen fördjupas av lager och transparenser men ger varje verk en "asketisk" kvalitet: jag är glad när jag erkänner de “oreducerbara nödvändigheterna”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min approach medvetet enkel. Inte ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Inte ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell besittning”, utan medvetandets vidgning och utforskande av verkligheten, dess synliga och osynliga historier; min konst är en sökande efter ett liv vid livets kärna, vad Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Lika alla objekt är de objekt i sig själva. Därför saknar de innehåll, mening eller syfte; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som saknar anledning till varande, slut eller syfte. Trots att mitt arbete ibland kan anamma transparensen och luminescensen hos stained glass förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen siluett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspel mellan ljus, färg och textur, även från de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis uppmuntrar spelet mellan ”detaljer på nära håll” - en detalj i en bild är en helt ny bild - och ”avstånd till helheten” betraktarna att ge sig ut på egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk om vad som kan uppnås. Enbart jag finner tillfredsställelse i den kontinuerliga frågeställningen och utvecklingen. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan uppnå. Att måla är för mig ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att sporra meningsfulla samtal, en jakt efter ett färgämne så perfekt att det inte behöver oss. Tiden för det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken fördubblar passionen för att se."

Om samstämmigheten i min praktik

I landskapet av samtida konst, där begrepp och form bär lika mycket vikt, söker jag skapa arbete definierat inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande färgfält och ljus inom plexiglas – är tysta resultat av en lång och noggrann undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på den lugna samverkan mellan tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre samstämda intentioner.

Den första är en återhållsamhet från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening eller betydelse” hoppas jag försiktigt lossa förväntningen av berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt sorts blick.

Detta leder till den andra intentionen: primatet av upplevelsen av att vara. I den öppna platsen försöker jag lägga vad jag betraktar som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och det svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta noterar: verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: process som inkorporerad tanke. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis av att släppa kontrollen. Det är en medveten frihet från kontroll i själva skapandet. Jag sätter upp villkor, men ger upp resultatet, låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt i sig”, helt uppenbart först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallning – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla dessa intentioner finns det några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samband’”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna ”kommunicera något” genom arbeten jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett uttalande, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en märklig stillhet.

Nostalgia för nutiden
En mjuk nostalgi ligger kvar i verken, och ändå är den märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt lugnt erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av egen vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är skyldig sinnet till Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är ett brott, utan en tyst medarbetare.

I dess kärna är det en sökande efter ”le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar utan delar av en enhetlig strävan. Jag har funnit att en praktik rotad i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner