Anton Kaestner - #197 - S - " Backwash 2 ".

Unik tavla, originalmålning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#197 - S - "Backwash 2".
Ett snyggt litet konstverk som fick tillbringa förra året i Australien.

Sprayakryl på 3 mm plexiglasplatta.
Denna tavla är inte en reproduktion. Det är ett originalverk i flera lager där den glänsande glansiga ytan, nära biten av en resin, är unik.

Dimensioner: 9,1 tum x 12,6 tum x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura Vit eller Mörk Silver (0,23" x 1,38" / 0,6" x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid frakt mot en extra kostnad på 70 € inklusive moms.

Verket är signerad på baksidan.
Ett Äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning – Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av den naturliga skönheten och kulturella rikedomen i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3-anteckningsböcker - jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på dig, dominerande och skrämmande, medan små arbeten kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativt måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och medan jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material då de resonerade med min utforskning av människans tillvaro och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

Under mer än tre decennier förföljde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Vart jag än gick upplevde jag den lokala konstscenen och använde den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär har konst alltid varit en del av mig, sakta bubblande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre jag.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom autentiska upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", som ägde rum i Paris i slutet av 2024, visade ett särpräglat tillvägagångssätt till konst, avskild från traditionella måleri-tekniker: Jag målar med akryler, metallpigment och sprejar på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process gör att jag inte ser verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att hoppa över förnuftet! – att leda resultatet, lagren och spegeleffekter jag skapar och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; i värsta fall ställer slumpen frågorna; meningsfulla “särprägeln” är bara möjlig med stor disciplin. Denna metod som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen inom fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser, samtidigt som varje verk får en “asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen “ irreducibla nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod medvetet enkel. Varken “känsla” eller “teoretisk uppfattning” utan upplevelsen av att vara. Varken “snabb konsumtion” eller “intellektuallisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetens utvidgning och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter “livet i livets hjärta”, det som Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Precis som alla objekt är de objekt i sig själva. De har därför varken innehåll, mening eller betydelse; de är som ting, träd, djur, män eller dagar, vilka också saknar skäl att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla genomskinningen och ljusstyrkan hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skymta sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspillet mellan ljus, färg och textur, mellan det saknade även, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan “detaljer för närgången” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och “avståndet för helheten” att uppmuntra betraktarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt uttryckt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska mer vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken fördubblar lusten att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika mycket, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar — skimrande färgfält och ljus inne i plexiglas — är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på den lugna samspelningen av tanke och process som låter den uppstå.

Denna praktik bygger på tre samordnade intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Meningsfullhet. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller känsla” hoppas jag varsamt luckra upp narrativets förväntan. Det är en inbjudan att kliva bort från dekodering och mot en mer direkt slags betraktelse.

Detta leder till den andra avsikten: Primacy of Lived Experience. In i det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ser som en “upplevelse av att vara.” Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en lugn händelse som ska kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta noterar lever verket: “lever, förändras, ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inlindrat Tänkesätt. Målning på plexiglasets baksida, utan visuell feedback, är en fysisk praxis av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkor, men överlämnar utfallet, låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende “objekt i sig självt”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är en tyst paralell till fotografisk framkallning – ett tålmodigt väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxala hållpunkter som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla “samtidigheter”, men de är bara möjliga inom noggrant satta ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en upplevd lugn.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi råder över verket, men är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de “irreducibla nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket själv lugnt erbjuder.

Värdefullhet och lätthet i arbetet
Processen kräver stadigt fokus, men siktar mot ett resultat som känns självständigt, som om det “uppstod av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är i skuld till andan av Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en spricka, utan en lugn medarbetare.

I grund och botten är det en jakt efter “le vif” – det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik förankrad i lugn paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner