Anton Kaestner - #88 - XL - " Squander ".

Unika pjäsen, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#88 - XL - "Squander".

Sprutmålad akryl på 3 mm Perpex-platta.
Denna målning är inte en print. Det rör sig om ett originallt arbete i "multilager" med en glänsande "glossy" yta som liknar resins tillämpning och är unik.

Mått: tum 24,2 x 34,3 x 0,12 / 61,5 x 87 x 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Kvalitetsram från tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 Natura 514 Ek (tum 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändning mot en extra kostnad av 150€ inkl. moms.

Verket är signerad bakpå.
Ett äkthetscertifikat följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande sådde fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med mängder av akryl i A4- och sedan A3-böcker - jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och medan jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonnerade med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupaste sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

Under mer än tre decennier jag förföljt en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, genom Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd kulturella influenser. Var jag än vistas fördjupar jag mig i lokala konstscener och engagerar mig i varje plats kreativa energi.
Trots fokus på min affärskarriär har konst alltid varit en del av mig, lugnt kokande under ytan. Nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig - ett sätt att bryta sig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Mitt första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade ett distinkt tillvägagångssätt till konst, långt ifrån traditionell måleri: jag målar med akryler, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnen extruderad plexiglass (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell feedback eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” - vad som helst för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren & spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket till sist exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar slumpen aldrig besluten; i sermiast, slumpen ställer frågorna; meningsfulla ”sammansträffanden” är endast möjliga med stor disciplin. Detta synsätt som ekar versus uppenbarelse/fixering av fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: jag är glad när jag igenkänner ”oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi tystnar och lyser.

Jag håller min metod avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelse av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter ”livet i livets kärna”, av vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan föremål. Liksom alla föremål är de själva föremål. Följaktligen har de varken innehåll, betydelse eller mening; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan väcka den klarhet och ljus som färgfönster har, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan skymta sin egen siluett, olik för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det ändras, det ser. Lyskos, färg och textur, samt de saknade delarna, kräver också empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer för närstudiet” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”avståndet för helheten” att uppmuntra betraktarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart vet jag att jag finner tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågor och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina begränsningar, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter ett färg som är så perfekt att det inte behöver oss. Den informella epokens gräns har precis börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar lusten att se."

Om sammanhang i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form har lika stor vikt, söker jag skapa verk som definieras inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—glänsande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de stilla resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre slutbilden än den tysta samspelet mellan tanke och process som tillåter den att uppstå.

Denna praktik vilar på tre sammanlänkade intentioner.

Den första är en tillbakadragning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och att ha ”varken innehåll, eller mening, eller sense” hoppas jag mjukt lossa på förväntningen om narrative. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt sätt att se.

Detta leder till den andra intentionen: Primacy of Lived Experience. I det öppna utrymmet försöker jag placera vad jag ibland kallar en ”upplevelse av vara.” Arbetet blir mindre ett objekt att tolkas än en tyst händelse att kännas—formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, lever verket, det ändras, det ser.

Den tredje är där idé möter hand: Process som inkapslad tanke. Målning på baksidan av plexiglas, arbetande utan visuell feedback, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandet. Jag sätter upp villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”object of itself”, fullt uppenbart först när det är fullbordat. Det är ett tyst parallell till fotografisk framkallning—ett patient väntande på vad som kommer här och nu.

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”sammansträffanden”, men de är endast möjliga inom noggranna ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att "kommunicera något" genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det gemensamma inte ett uttalande, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för Nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i arbetet, men den är märkligt riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstod av sin egen fri vilja.” Jag dras till det som känns fullständigt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella tidsåldern precis har börjat.” Min praxis är skyldig åt andan i Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där slumpen inte är en rupture, utan en tyst medarbetare.

I sitt kärna är sökandet efter ”le vif”—den levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den blygsamma skala jag ofta väljer är menad att uppmuntra intimitet, inte spektakel.
Till slut är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner