Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Sprutmålning i akryl på 3 mm plexiglasplatta.
Denna målning är inte en print. Det är ett originellt arbet"e "multi-layer" där den glänsande ytan "glossy" som liknar en epoxy- eller resindtech är unik.

Mått: 9,1 x 12,6 x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Målningen levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (9,0 x 1,38 tum / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid leverans mot tilläggsbelopp 70 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetscertifikat följer.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av min hemlands naturskönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som till slut skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylbaser i A4- och sedan A3-böcker - jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot en, dominerande och skrämmande, medan små verk kan väcka mycket större kärlek. Jag drogs först till nonfigurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också ett förtjusning för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.

I över tre decennier drev jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade min syn och exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick upplevde jag den lokala konstens scener och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt sjungande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig—ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit enorm tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra en uppriktig upplevelse av skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och, till min förvåning, fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Artistisk CV

Min första enmansutställning, "Échos", som visades i Paris i slutet av 2024, visade en särpräglad syn på konst, fri från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metalliska pigment och sprej på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glänsande och ibland ömtålig yta. Denna process hindrar mig från att se verket i utvecklingsskedet. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” - allt går för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, skikten och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men för att vara tydlig: i mina bilder tar inte slumpen besluten; som mest ställer slumpen frågor; meningsfulla ”sammänkningar” är bara möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelsens / fixeringens process i fotografi är utmanande och frigörande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: jag är lycklig när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, d.v.s. vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats avsiktligt enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelse av varandet. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell besittning”, utan vidgad medvetenhet och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga historier, min konst är en strävan efter ”livet vid livets kärna”, för vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete är mina målningar utan föremål. Likt alla föremål är de objekt av sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, eller mening, eller betydelse; de är som saker, träd, djur, män eller dagar, som också varken har skäl att vara, något slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla transparens och ljushet hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glansig hud där man kan skymta sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusspelet, färg och textur, likaså de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan ”detaljer för näran” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och ”distans för helheten” uppmuntra betraktare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågeställning och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. För mig är måleri en daglig hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika stor vikt, strävar jag efter att skapa verk definierade inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—skimrande fält av färg och ljus inuti plexiglas—är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre den slutliga bilden än den tysta samspelen av tanke och process som gör den möjlig.

Denna praxis vilar på tre samstämmiga intentioner.

Den första är en Tillbakadragning från Påtvingad Meningsinnehåll. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening, eller mening” hoppas jag mjukt lossa förväntningen på berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt slags betraktelse.

Detta leder till den andra intentionen: Förstaplatsen för Erfarenhet i Leva. I den öppna platsen försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse som ska kännas—formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blicken. Som jag ofta påpekar, lever verket, det förändras, det ser.

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkodad Tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa kontrollen. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandets ögonblick. Jag sätter villkor, men ger upp resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ”objekt av sig själv”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är ett tyst parallell till fotografisk framkallning—ett tålamod väntar på vad som kommer “här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”sammänkningar”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en lugn närvaro, en upplevd stillhet.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi vilar över verken, men den riktas märkligt mot nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus”—en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det ”uppstått av sig själv.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praktik står i tacksamhet till Art Informel:s anda, även om den kanske med färre ångest och mer lugn—en informality där slumpen inte är en störning, utan en tyst medarbetare.

I dess kärna är jakten på "le vif"—den levande kärnan. Verket lutar mot direkt erfarenhet snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är avsedd att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik grundad i tyst paradox inte behöver vara ömtålig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner