Anton Kaestner - #366 - S - " Chromatic MR#7 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#366 - S - "Chromatic MR#7".

Sprayacrylfärg på 3 mm plexiglasplatta.
Denna målning är inte en tryckning. Det är ett originalljus-serskiktet bestående av flera lager vars glänsande, glasartade (glossy) yta närmast som applicering av ett resinstu är unik.

Mått: tum 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (tum 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid leverans mot en extra kostnad på 70 € inkl. moms.

verket är signerad på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och val på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Geneve, Schweiz, växte jag upp omgivet av den naturliga skönheten och kulturella rikedom som min hemland erbjuder. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidna farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryl på A4- och sedan A3-notebooker – jag har alltid ansett att stora bilder kommer rakt emot en, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag ser mig själv som ateist, utvecklade jag även en förkärlek för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans tillvaro och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.

Under mer än tre decennier arbetade jag inom en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för en mängd kulturella influenser. Var jag än gick fördjupade jag mig i de lokala konstscenerna och mötte den kreativa energin i varje plats. Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt sjunkande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta sig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, helt ägnade jag mig åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. Vid utgången av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett vindsutrymme i ett ledigt sakristie i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separata utställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024, visade ett särpräglat tillvägagångssätt till konst – bortom traditionell måleri teknik: Jag målar med akryler, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnet extruderat plexiglas (Perpex), en lätt, smidig, glansig och ibland ömtålig yta. Denna process förhindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen synlig återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” - allt går för att kortsluta förståndet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämnar utrymme för uppenbarelse och upptäckt när biten äntligen ställs ut. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst bert, slumpen ställer frågorna; meningsfulla “sannolikheter” är endast möjliga med stor disciplin. Detta tillvägagångssätt som ekar med uppenbarelse-/fixeringsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen stärks av lager och transparenser men ger samtidigt varje verk en “asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen “irreducibla nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod medvetet enkel. Varken “känsla” eller “teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering/intellektuell ägande”, utan att vidga medvetandet och utforska verkligheten, dess synliga och osynliga historier, min konst är en jakt på “liv vid livets kärna”, på vad Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Som alla objekt är de objekt i och för sig. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller känsla; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl till att finnas, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan fånga transparensen och ljusstyrkan hos blyglas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan skönja sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspillet av ljus, färg och textur, de saknade delarna, kräver också empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan “detaljer för nära håll” - en detalj av en bild är en helt ny bild - och “avstånd för helheten” att uppmuntra betraktarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk om vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsålder har bara precis börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken fördubblar lusten att se."

Om sammanhanget i min praxis

I samtidskonstens landskap, där koncept och form väger lika tungt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de tysta resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på slutbilden än på den tysta samspelningen av tanke och process som låter den uppstå.

Denna praxis vilar på tre sammanhängande intentioner.

Det första är en tillbakadragning från påtvingad betydelse. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och ha “varken innehåll, mening eller vits” hoppas jag mjukt lossa förväntan av berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot ett mer direkt slags betraktande.

Detta leder till den andra intentionen: Förstahandsupplevelsen. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag betraktar som en “upplevelse av varande”. Arbetet blir mindre ett objekt som tolkas än en lugn händelse att kännas – formad av skiftande ljus, genomskinliga lager, och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som inkapslad tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk övning i att släppa taget. Det är en medveten frigivning av kontroll i skapandets handling. Jag sätter villkoren, men överlämnar resultatet, låter målningen bli det jag kallar ett oberoende “objekt av sig självt”, fullt uppenbart först när det är komplett. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett patient väntande på vad som kommer “här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samsägelser’”, men de är endast möjliga inom noggranna ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att “kommunicera något” genom arbeten jag kallar meningslösa. Kanske det som delas inte är ett uttalande, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för nutiden
En mjuk nostalgi återfinns i arbetet, ändå är den nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de “irreducibla nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngnåglighet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det “uppstod av sin egen fri vilja.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda känner jag att “den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praxis är lånad till sinnet från Art Informel, även om den kanske har mindre ångest och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en rupture utan en tyst medarbetare.

I hjärtat av det ligger en sökande efter “le vif” – det levande kärnan. Verken lutar mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar utan delar av en enda jakt. Jag har funnit att en praxis baserad i tyst paradoxa inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till resiliens.

Anton Kaestner