Anton Kaestner - #332/2 - S - " Enough 2 ".

Unik pjäs, originalmålning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#332 - S - " Enough 2 ".

Acrylic spray på plexiglasplatta 3 mm.
Denna målning är inte en print. Det är ett originallverk "multi-layer" vars glänsande yta "glossy", liknande en resin-application, är unik.

Dimensioner: Inch 8,7 * 12,6 * 0,12 / 22 * 32 * 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
Kvalitetsram av märket tyskt Nielsen i aluminium, referens 34 (Inch 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderad och tillgänglig vid leverans mot en extra kostnad av 70€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer.
Leveransen försäkras.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omsluten av naturens skönhet och min jordarts kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars influens lade fröet till vad som skulle bli mitt livs passion.
1993 började jag måla privat, experimenterade med oräkneliga akryl i A4- och sedan A3-skrivhäften - jag har alltid känt att stora bilder kommer rakt mot dig, dominerande och avskräckande, medan små verk kan väcka mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material då de resonerade med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig världen runt, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. Var jag än gick, fördjupade jag mig i lokal konstscen och mötte den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, sakta sjudande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom äkta upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen från ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha dragit sig tillbaka från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt målning. Jag öppnade min studio i Paris och började ägna mig helt åt konsten. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstkarriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större ateljé i en ledig sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärligt CV

Min första separata utställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och presenterade ett distinkt tillvägagångssätt till konst, bort från traditionella måleritekniker: Jag målar med akryl, metallpigment och sprejar på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter "slumpmässiga experiment" - vad som helst för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämnar utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket till sist visas. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; i bästa fall ställer slumpen frågor; meningsfulla "samband" är bara möjliga med stor disciplin. Denna ansats som ekar med uppenbarelsens / fixeringens process i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens samtidigt som varje verk får en ”asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen "irreducerbara nödvändigheter", dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi slutar i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats avsiktligt enkel. Ingen "känsla" eller "teoretisk föreställning" utan erfarenheten av att vara. Ingen "snabb konsumtion" eller "intellektualisering / intellektuell besittning", utan medvetandeutvidgning och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en sökande efter "livets kärna i livet", vad Alain Damasio kallar "le vif". Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan objekt. Liksom alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller sammanhang; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, som också saknar skäl att vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla genomskinlighet och ljuslighet hos färgat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man kan ana sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusexperten, färg och textur samt de saknade delarna kräver också empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan "detaljer för nära" - en detalj av en bild är en helt ny bild - och "avståndet för helheten" uppmuntra betraktare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill vara ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt uttryckt finner jag tillfredsställelse i den pågående frågeställningen och utvecklingen. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som driver mig att förfina mina färdigheter och utforska vad jag mer kan åstadkomma. Målning är för mig ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en strävan efter en färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella tidsåldern har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken multiplicerar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form väger lika tungt, söker jag skapa verk definierade av närvaro snarare än av framträdande. Mina målningar—skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de stilla resultaten av en lång och avsiktig undersökning. För mig är det verkliga fokuset mindre på den slutliga bilden än på det lugna samspelet mellan tanke och process som låter den uppstå.

Denna praxis vilar på tre riktade intentioner.

Den första är Att dras tillbaka från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som "utan objekt" och att ha "varken innehåll, mening eller sammanhang" hoppas jag varsamt att frigöra förväntningen på narration. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt slags betraktelse.

Detta leder till den andra intentionen: Primat av Levd erfarenhet. I det öppna utrymmet försöker jag placera det jag ser som en "upplevelse av att vara". Verket blir mindre en sak som ska tolkas än ett tyst händelse som känns—formas av skiftande ljus, genomskinliga lager och betraktarens eget möte med sin egen blick. Som jag ofta påpekar: verket "lever, det ändras, det ser."

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkarnerat Tänkande. Målning på plexiglasets bakre sida, utan visuell feedback, är en fysisk praxis av att släppa taget. Det är ett medvetet frigörande av kontroll i skapandeakten. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet, så att målningen blir vad jag kallar ett oberoende "objekt i sig självt", fullt uppenbart först när det är fullbordat. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling—tålig väntan på vad som kommer "här och nu."

Att hålla fast vid dessa intentioner är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om "meningsfulla sambands" men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna "kommunicera något" genom verk jag kallar meningslösa. Kanske det gemensamma inte är ett uttalande, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalgia för Nutiden
En mjuk nostalgi vilar i verken, men den riktas nyfiket mot nuet: en längtan efter de "irreducerbara nödvändigheterna" som finns i "tystnad och ljus"—en önskan om ren närvaro som verket själv lugnt erbjuder.

Ansträngning och ansträngninglöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns autonomt, som om det "uppstod av egen kraft." Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att "den informella tidsåldern bara har börjat." Min verksamhet är tacksam inför andan i Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn—en informellhet där slumpen inte är ett brott, utan en tyst medarbetare.

I dess kärna är en sökning efter "le vif"—det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer syftar till att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik grundad i tyst paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner