Anton Kaestner - #332/1 - S - " Enough 1 ".

Unik tavla, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#332 - S - " Enough 1 ".

Sprutmålad akryl på plexiglasplatta av 3 mm.
Den här målningen är inte en print. Det är ett originallt verk i flera lager med en blank, glansig yta som påminner om applicerad resin och som är unik.

Mått: Inch 8,7 × 12,6 × 0,12 / 22 × 32 × 0,3 cm utan ram.

Den här målningen levereras utan ram.
Kvalitetsram från det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) rekommenderas och finns att få vid leveransen mot en extra kostnad av 70 € inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett Certifikat om äkthet följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en målare, skulptör och författare från Schweiz baserad i Paris. Hans verk är utställda över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella mångfald. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande lade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med oändligt många akrylvarianter i A4- och därefter A3-anteckningsböcker – jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt på, dominerande och avskräckande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till nonfigurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig som ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till att verkligen bli konstnär inte direkt.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig runt jorden, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och utsatte mig för olika kulturella influenser. Var jag än befann mig slog jag mig ner i lokala konstscener och kultiverade den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt puttrande under ytan. I nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva genom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, ägnade jag mig helt åt måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt konsten. Vid utgången av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning växte mitt arbete snabbt i erkännande och hamnade i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en tom sakristia i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en särskild ansats till konstnärlighet, avvikande från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metalliska pigment och sprejteknik på baksidan av återvunnen extruderad plexiglass (Perpex), en ljus, slät, glansig och ibland skör yta. Denna process gör det svårt att se verket medan det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter “slumpmässiga experiment” – allt går för att avbryta förnuftet! – att styra utgången, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och ge utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket slutligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; den frågar i bästa fall frågor; meningsfulla “samsamband” är endast möjliga med stor disciplin. Denna metod som ekar fram till uppenbarelse/fixering i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparens samtidigt som varje verk får en “asketisk” kvalitet: jag är nöjd när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi slår sig till ro i tystnad och ljus.

Jag håller min ansats medvetet enkel. varken “känslor” eller “teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. varken “snabb konsumtion” eller “intellektualisering / intellektuell besittning”, utan vidgad medvetenhet och utforskning av verkligheten, dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en jakt på “livet vid livets hjärta”, på vad Alain Damasio kallar “le vif”. Även om nostalgi alltid varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Likt alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller betydelse; de är som ting, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar anledning att vara, slut eller syfte. Medan mitt arbete ibland kan framkalla transparensen och ljusstyrkan hos blyglas, är det fortfarande nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande hud där man kan skymta sin egen silhuett, som skiljer sig för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspillet mellan ljus, färg och textur, även avsaknaden av delar, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan “detaljer för närstudiet” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och “avståndet till helheten”, uppmuntra tittarna att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga frågans och tillväxtens process. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förnya mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan åstadkomma. För mig är målning en daglig hantverk, en utforskning, ett sätt att sätta meningsfulla samtal i rörelse, en jakt på en färg så perfekt att den inte behöver oss. Åldern av det informella har bara precis börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förväxlar lidenskapen för att se."

Om sammanhang i min praktik

I samtidskonstens landskap, där koncept och form har lika stor vikt, söker jag skapa verk definierade inte av framträdande utan av närvaro. Mina målningar – skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas – är de tysta resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det tysta samspel mellan tanke och process som låter den uppträda.

Denna praxis vilar på tre samordnade avsikter.

Den första är ett Avståndstagande från Påtvingad Betydelse. Genom att beskriva verken som “utan objekt” och som har “varken innehåll, meningen eller sense” hoppas jag mjukt lossa på förväntningen om berättelse. Det är en inbjudan att kliva bort från avkodning och mot en mer direkt slags tittande.

Detta leder till den andra avsikten: Primatet av Upplevd Erfarenhet. I det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag tänker på som en “upplevelse av varande.” Verket blir mindre ett objekt att tolkas än en lugn händelse att kännas – format av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktarens egen blick. Som jag ofta påpekar: verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som Inkarnerat Tänkande. Målning på baksidan av plexiglas, arbete utan visuell återkoppling, är en fysisk praxis i att släppa taget. Det är en medveten frigörelse av kontroll i skapandet. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende “objekt i sig självt”, fullt avslöjat först när det är färdigt. Det är en tyst parallell till fotografisk framkallelse – ett tålmodigt väntande på vad som anländer “här och nu.”

Att hålla fast vid dessa avsikter finns några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla “samsynkningar”, men de är endast möjliga inom noggranna ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas kunna “kommunicera något” genom verk som jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett statement utan ett tillstånd – en textur av ljus, en lugn närvaro, en påtaglig stillhet.

Nostalg i närvaro
En mjuk nostalgi ligger kvar i verken, men den är märkligt inriktad på nuet: en längtan efter de “oreducerbara nödvändigheterna” som finns i “tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och lätthet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men syftar till ett resultat som känns självständigt, som om det “själv uppstod.” Jag dras till det som känns helt oemotståndligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “åldern av det informella bara har börjat.” Min praktik är i skuld till andan hos Art Informel, även om kanske med mindre ångest och mer lugn – en informellitet där slumpen inte är en rupture utan en tyst medarbetare.

I kärnan finns en jakt på “le vif” – den levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den ganska lilla skalan jag ofta väljer är menad att främja intimitet, inte spektakel.

Sammantaget är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda jakt. Jag har funnit att en praxis vörd i tyst paradox behöver inte vara bräcklig. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner