Anton Kaestner - #378 - S - " Cities ".

Unik pjäs, original målning av Anton Kaestner, direkt från ateljén.
#378 - S - " Cities ".

Sprutmålning på plexiglasplatta av 3 mm.
Denna tavla är inte en print. Det handlar om ett originallt "mulit-lager" verk vars glänsande "glossy" yta, nästan som en resin, är unik i sitt utförande.
Transparens vid tryckning.

Mått: 9,1 tum x 12,6 tum x 0,12 tum / 23 x 32 x 0,3 cm utan ram.

Denna tavla levereras utan ram.
Kvalitetsram av det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid avsändningen mot en extra kostnad på 70€ inkl. moms.

Verket är signerad på baksidan.
Ett Certifikat om äkthet följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Hans verk ställs ut över hela Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval finns på www.antonkaestner.com.

Nästa utställning - Lausanne maj 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgiven av mitt hemlands naturliga skönhet och kulturella rikedom. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande planterade fröet till vad som så småningom skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akrylblock i A4 och sedan i A3-namn - jag har alltid känt att stora bilder möter en rakt i ansiktet, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ måleri och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag anser mig vara ateist, utvecklade jag också en förkärlek för andliga material eftersom de kändes förenliga med min utforskning av mänsklig existens och naturens och livets djupare sanningar.

Men vägen till att verkligen bli konstnär var inte omedelbar.

Under mer än tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig jorden runt, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv, exponerade mig för ett brett spektrum av kulturella influenser. var jag än gick, försjönk jag i de lokala konstscenerna och engagerade mig i den kreativa energin på varje plats.
Trots fokus på min affärsverksamhet var konsten alltid en del av mig, lugnt småväxande under ytan. Nästan 30 år blev måleri en form av hemlig meditation för mig—ett sätt att bryta sig fri från världen och fokusera på mitt inre jag.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i att måla. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats kunna erbjuda andra en uppriktig möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, engagerade jag mig helt åt målningen. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. I slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärliga karriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande, och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i en ledig sakrastie i Lisieux, Normandie.

Konstnärlig CV

Min första separata utställning, "Échos", hålls i Paris i slutet av 2024 och presenterade ett distinkt tillvägagångssätt till konst, avvikande från traditionella måleritekniker: jag målar med akryl, metallpigment och sprej på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perpex), en lätt, slät, glänsande och ibland skör yta. Denna process hindrar mig från att se arbetet när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen—något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” - allt går för att kortsluta förnuftet! - att vägleda resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när verket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst tar slumpen frågorna; meningsfulla ”samsyn” är bara möjlig med stor disciplin. Denna ansats som ekar med avslöjandet/fixationsprocessen i fotografi är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och transparenser men ger varje verk en “asketisk” kvalitet: jag är glad när jag känner igen “oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt kommer att upptäcka när vi stannar i tystnad och ljus.

Jag håller min metod medvetet enkel. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering / intellektuell ägande”, utan medvetenhetens bredning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga historier, min konst är en strävan efter ”livet vid livets kärna”, vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete, är mina målningar utan föremål. Som alla föremål är de föremål av sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, eller mening, eller betydelse; de är som ting, träd, djur, män eller dagar, som också saknar orsak att existera, slut eller syfte. Samtidigt som mitt arbete ibland kan gestalta transparens och ljus i blyinfattat glas, förblir det nästan helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en skimrande yta där man får en glimt av sin egen silhuett, olika för varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Samspelar av ljus, färg och textur, av de saknade delarna, kräver bara empati. Förhoppningsvis kommer spelet mellan ”detaljer för närbild” - en detalj i en bild är en helt ny bild - och ”avstånd för helheten” uppmuntra åskådarna att påbörja sina egna introspektiva resor.

Jag påstår inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enbart finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av frågor och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, driver mig att förfina mina färdigheter och utforska mer vad jag kan uppnå. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en jakt på en färg som är så perfekt att den inte har något behov av oss. Den informella tidsålder har bara börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken fördubblar passionen för att se."

Om sammanhanget i min praktik

I samtidskonstens landskap, där begrepp och form har lika stor vikt, strävar jag efter att skapa arbete som definieras inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar—skimrande fält av färg och ljus inom plexiglas—är de lugna resultaten av en lång och avsiktlig undersökning. För mig ligger det verkliga fokuset mindre på den slutliga bilden än på den lugna samverkan av tanke och process som tillåter den att uppträda.

Denna praktik vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är en tillbakadragande från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och ha ”varken innehåll, mening, eller känsla”, hoppas jag mjukt lossa förväntan på berättelse. Det är en inbjudan att stiga bort från avkodning, och mot ett mer direkt sätt att titta.

Detta leder till den andra avsikten: Primat av upplevd erfarenhet. In i det öppna utrymmet försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av varande.” Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse att kännas—formad av skiftande ljus, genomskinliga lager och den svaga reflektionen av betraktaren som möter sin egen blick. Som jag ofta noterar: verket “lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Process som kroppslig tanke. Målning på plexiglasets baksida, arbeta utan visuell feedback, är en fysisk praktik av att släppa taget. Det är ett medvetet släpp av kontroll i skapelsen. Jag sätter villkor, men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett oberoende ”objekt i sig självt”, fullt uppenbart först när det är komplett. Det är ett tyst parallell till fotografisk utveckling—ett tålmodigt väntande på vad som anländer ”här och nu.”

Att hålla dessa intentioner är några mjuka paradoxer som upprätthåller arbetet:

Slump och disciplin
Jag talar om meningsfulla ”samsyn”, men de är endast möjliga inom noggranna gränser. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen byggs med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att ”kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd—en textur av ljus, en tyst närvaro, en påtaglig lugn.

Nostalgia för nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i verket, men den är märkligt nog riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus”—önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns autonomt, som om det hade uppkommit av egen kraft. Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att ”åldern för det informella bara har börjat.” Min praxis står i tacksamhet till andan i Art Informel, kanske med mindre ångest och mer lugn—en informell stil där chans inte är en rupture utan en tyst samarbetspartner.

I dess kärna är en sökande efter ”le vif”—det levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den blygsamma skalan jag ofta väljer är tänkt att uppmuntra intimitet, inte spektakel.

I slutändan är detta bara en vägen av en konstnär. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praxis grundad i lugn paradox inte behöver vara skör. Genom disciplin och tydlighet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner